LENDO, VENDO, ESCREVENDO

O Artista

2012-01-21T21:45:00.000-02:00

Comédia dramática é belo tributo ao cinema

Quando a festa de entrega do 69º Globo de Ouro terminou, um certo filme francês mudo e preto e branco havia sido consagrado com três prêmios, Melhor Ator (Jean Dujardin), Melhor Trilha Sonora (Ludovic Bource) e Melhor Filme Musical ou Comédia. Não chegava a ser uma surpresa para quem já vinha acompanhando a carreira vitoriosa que O Artista vinha fazendo durante todo o ano de 2011, desde que o filme chamou a atenção no Festival de Cannes e arrebatou o prêmio de melhor ator. Desde então, já foram 42 prêmios recebidos em festivais em todo o mundo. Por onde quer que O Artista passa, plateias têm aplaudido e júris têm recompensado o filme.

Tanto reconhecimento é extremamente merecido, porque de fato o filme do diretor Michel Hazanavicius é uma linha homenagem à arte do cinema, que em seus primórdios não contava com o som para contar suas histórias. E é no fim da era do cinema mudo que o filme tem sua trama desenvolvida: Jean Dujardin é George Valentin, um astro dos filmes silenciosos de Hollywood, que ao lado de seu cãozinho muito bem treinado desfruta de todas as vantagens que a fama traz. O personagem é uma clara referência a Errol Flynn, astro da década de 1920 que ficou famoso com suas aventuras de capa e espada. Valentin tem uma vida de sucesso em sua carreira, mas seu casamento mantém-se tão silencioso quanto seus filmes.

A trama acompanha o momento em que o cinema abraça o advento dos filmes falados e Valentin se vê um astro obsoleto, esquecido pelo público, enquanto presencia a ascensão de Peppy Miller (Bérenice Bejo), uma jovem estrela que em seu início de carreira teve uma ajuda do próprio Valentin para conseguir seu primeiro trabalho.

Melancólico em vários momentos, divertido em outros e nostálgico em toda sua duração, O Artista utiliza a trilha sonora de modo extraordinário; por ser mudo, o filme tem na música sua base de apoio indispensável, pois é a trilha que expressa a alegria, a tristeza e todos os demais sentimentos dos personagens.

A homenagem prestada pelo filme é percebida na própria trama, que emula clássicos como Cantando na Chuva e Aconteceu Naquela Noite, especialmente por mostrar Peppy Miller como estrela de comédias românticas, feitas aos montes para aliviar o humor do público, em um tempo de grave crise econômica.

Oriundo de comédias pastelão francesas, o diretor Michel Hazanavicius utiliza sua própria experiência com o cinema de escape para criar uma comédia dramática de modo brilhante. Tão brilhante, que muitos apostam que a carreira vitoriosa de O Artista só irá se encerrar quando o filme for premiado com uma certa estatueta dourada.

Em tempo: O Artista estreia no Brasil em 10 de fevereiro.

Quentin Tarantino elege seus filmes favoritos de 2011

2012-01-17T21:05:00.001-02:00

O site The Quentin Tarantino Archives divulgou a lista dos melhores filmes de 2011 segundo o diretor do neoclássico Pulp Fiction. A lista guarda algumas surpresas, com nomes no mínimo discutíveis. Os Três Mosqueteiros, por exemplo, aparece na lista (!). Porém, devido à conhecida cinefilia do cineasta, chega a ser compreensível que Tarantino escolha determinados filmes em detrimento de outros considerados melhores pela crítica especializada. O diretor não escolhe como um crítico, um jornalista; ele escolhe seus filmes simplesmente como um cara que é apaixonado por cinema. Mesmo assim, a lista mostra que Tarantino não é assim tão fã de cinema oriental e afins, pois não há nenhuma menção a filmes asiáticos. Isso sem falar no choque de ver O Artista e Maluco Beleza (comédia com Paul Rudd) empatados no décimo lugar! Veja a lista e tire suas próprias conclusões.

Top 11

1. Meia-Noite em Paris, de Woody Allen
2. Planeta dos Macacos: A Origem, de Rupert Wyatt
3. O Homem que Mudou o Jogo, de Bennett Miller
4. A Pele que Habito, de Pedro Almodóvar
5. X-Men: Primeira Classe, de Matthew Vaughn
6. Jovens Adultos, de Jason Reitman
7. Ataque ao Prédio, de Joe Cornish
8. Red State, de Kevin Smith
9. Guerreiro, de Gavin O'Connor
10. O Artista, de Michel Hazanavicius / Maluco Beleza, de Jesse Peretz
11. Os Três Mosqueteiros, de Paul W. S. Anderson

Outros considerados, em nenhuma ordem em particular

50%
Toda Forma de Amor
A Invenção de Hugo Cabret
A Dama de Ferro
O Deus da Carnificina
Besouro Verde
Lanterna Verde
Capitão América
Os Descendentes
Sete Dias Com Marilyn
Velozes e Furiosos 5
A Árvore da Vida
Se Beber Não Case, Parte 2
Missão: Impossível - Protocolo Fantasma
Um Novo Despertar
Contágio
The Sitter
Cavalo de Guerra

Prêmio Valeu a Tentativa

Drive
Hanna
Fúria Sobre Rodas
Gigantes de Aço

Cavalo de Guerra

2012-01-16T21:23:00.000-02:00

Novo filme de Spielberg é drama competente

Muito se disse negativamente sobre Cavalo de Guerra, novo drama dirigido por Steven Spielberg. O cineasta, responsável por filmes de fantasia como E.T. - O Extraterrestre e Hook - A Volta do Capitão Gancho, volta e meia aparece dirigindo filmes mais adultos, como sua obra-prima A Lista de Schindler e Amistad. Na maioria das vezes Spielberg teve sucesso com filmes assim, tendo vencido alguns Oscar, mas em outras ocasiões o diretor não foi feliz (veja o caso de Além da Eternidade, de 1989). Este ano, o premiado diretor está em cartaz com dois filmes ao mesmo tempo: além deste, há também a aventura juvenil As Aventuras de Tintim, este sim, elogiadíssimo pela crítica, apesar de quase ignorado pelo público americano.

Este novo Cavalo de Guerra encontra-se no meio-termo; nem pode ser considerado um sucesso absoluto, nem um fracasso. Os críticos malharam o filme, mencionando certo sentimentalismo característico do diretor, uma fotografia piegas e uma trilha sonora exageradamente grandiloquente. Entretanto, o filme mostra-se envolvente e em nenhum momento tenta "obrigar" o espectador a verter lágrimas; ao menos foi o que eu observei. Baseado no livro infantil homônimo de Michael Morpurgo, publicado em 1982, Spielberg fez de Cavalo de Guerra um conto sobre a última guerra a utilizar animais e espadas em combate. O filme também levanta a reflexão sobre os horrores da guerra, mas nada que outros filmes do mesmo diretor não tenham já mostrado.

O filme conta a história de Joey, um cavalo arredio que é comprado em um leilão por um fazendeiro, acreditando poder treiná-lo para trabalhar no arado. Quem logo se afeiçoa a Joey é Albert (Jeremy Irvine, que estará este ano em uma nova versão para o cinema de Grandes Esperanças), um jovem determinado a fazer com que Joey trabalhe no arado, para ajudar seu pai no trabalho da fazenda. Mas a 1ª Guerra Mundial começa e logo o cavalo é confiscado pelo exército britânico para o combate. A partir daí, Joey passará por desafios cada vez maiores e contará com o cuidado de diversas pessoas em sua jornada em meio a batalhas sangrentas; ele será puxador de canhões para os alemães, cavalo de estimação de uma menininha francesa e sobreviverá a muitas adversidades.

Com um elenco muito interessante - nada de astros capazes de ofuscar o protagonista, que afinal de contas é o cavalo - Cavalo de Guerra conta com Emily Watson (Embriagado de Amor), Benedict Cumberbatch (Sherlock, a série da BBC), Tom Hiddleston (o Loki de Thor) e David Thewlis (o professor Lupin da série Harry Potter), em papeis pequenos, mas de importância na trajetória complicada de Joey.

Uma curiosidade: quatorze cavalos foram usados "interpretando" o protagonista, mas o principal animal utilizado foi o mesmo que já estrelou outro sucesso dentre os filmes "de animal", Seabiscuit - Alma de Herói.

O drama de Spielberg não deve ser vitorioso em uma eventual indicação ao Oscar, mas cumpre seu dever, ao levar ao público um filme inspirador e envolvente, com cenas de batalha bem elaboradas e uma produção de alta qualidade. Em todo caso, não espere que o cineasta mais sentimental de Hollywood tenha mudado seu estilo. Lá estão a fotografia emotiva, a trilha sonora de John Williams, as sequências de tirar o fôlego e a história inspiradora; está tudo lá. Não dá para querer que isso mude. Pelo menos, Spielberg ainda sabe entregar filmes memoráveis.

Verônica

2012-01-15T17:10:00.000-02:00

Até que ponto você iria para proteger uma criança? Esta é a pergunta feita por Verônica (Brasil, 2008), filme dirigido por Maurício Farias e estrelado por uma excelente Andréa Beltrão. Destoando um pouco da filmografia brasileira, Verônica é um verdadeiro jogo de gato e rato, um filme de perseguição que conta com um suspense crescente e um temor de que tudo dê errado para a protagonista.

A personagem-título é uma professora de uma escola pública carioca instalada próxima a uma favela. Com 20 anos de carreira em sala de aula, ela já não aguenta mais viver a rotina de lidar com crianças, corrigir exercícios e ainda ter a paciência necessária para seu ofício. Até que um dia, um de seus alunos, Leandro (Matheus de Sá), fica na escola por muito tempo esperando sua mãe ir buscá-lo e Verônica decide ajudar a coordenadora da escola, levando-o até sua casa. Chegando lá, ela descobre que os pais do menino foram assassinados, e os criminosos estavam à procura de Leandro, que traz em seu pescoço um pendrive com informações importantes sobre o envolvimento de vários policiais com o tráfico.

A partir daí, Verônica é empurrada para dentro de uma situação que ela não procurava, a obrigação moral (entendida gradualmente, como aconteceu com Dora em Central do Brasil) de proteger Leandro. E o filme cresce à medida que o tempo passa, com o envolvimento maior entre a professora e o menino e o suspense angustiante da plateia, que não imagina como tudo vai terminar.

O ritmo da direção de Maurício Farias é notável, com uma fotografia por vezes granulada, que intensifica ainda mais a sensação de incerteza que a protagonista vive.

O filme pode funcionar como uma crítica mordaz à corrupção policial - essa já meio batida, embora relevante - ou como uma reflexão sobre o ofício do professor, cada vez menos valorizado, não permitindo ao profissional uma vida digna de quem tanto estudou para chegar onde chegou. Apesar disso, Verônica ainda peca por estereotipar em excesso a situação financeira da professora heroína da história. Afinal de contas, o salário de professor é perfeitamente suficiente para que se banque pelo menos um apartamento um pouco melhor do que aquele cubículo em que vive a protagonista. Ainda assim, o filme é um contundente e envolvente filme de perseguição, e cumpre bem o seu papel de "refilmar" (e melhorar muito) o filme de Sidney Lumet, de 1999, Glória - A Mulher: este, sim, muito ruim.

Albert Nobbs - Glenn Close no filme que pode lhe render o Oscar

2012-01-13T11:02:00.002-02:00

Albert Nobbs é daqueles filmes que se tornam a paixão da vida de um ator, a ponto de ser bancado pelo ator ou atriz que se apaixonou pelo projeto. Foi assim com Robert Duvall e seu O Profeta, Angelina Jolie e sua estreia na direção em 2011 com In the land of blood and honey e muitos outros. Glenn Close fez quase tudo neste filme: além de estrelar, ela co-escreveu o roteiro, escreveu a letra da canção-tema e ainda co-produziu. Tem dinheiro da atriz em Albert Nobbs, que conta a história de uma mulher que durante 30 anos se fez passar por homem para poder trabalhar como mordomo e juntar dinheiro para abrir uma tabacaria, o sonho de sua vida.

O filme começa mostrando o dia a dia de Albert Nobbs (Glenn Close), sua dedicação e extrema discrição no lidar com os outros criados do hotel cravado no centro de Dublin. Albert não interage com ninguém, não troca mais do que duas palavras ao se comunicar com os colegas de trabalho, nem se interessa pela vida dos excêntricos hóspedes do hotel. Tudo isso para que nada atrapalhe seu disfarce, que em 30 anos nunca foi notado, sequer suspeitado. Noite após noite, depois que o expediente se encerra, Albert conta as gorjetas recebidas e as guarda debaixo de uma tábua solta do assoalho de seu pequeno quarto no hotel. Tudo vai bem, e seu disfarce está garantido. Até o dia em que a patroa de Nobbs resolve fazer uma pintura em alguns cômodos do prédio, e contrata Hubert Page, um pintor altivo e competente em sua função. O problema é que não há quartos vagos para empregados, e Page precisa dormir no quarto de Albert, que vê ameaçado seu segredo, e se desespera.

Há uma pequena surpresa reservada para Albert (que eu não vou revelar aqui - sem spoilers neste blog), que se tornará ponto-chave no decorrer da história, durante a qual o mordomo se apaixonará, criará uma forte amizade e caminhará para um final com tons imprevisíveis.

O pequeno filme de Rodrigo García (Coisas que eu poderia dizer só de olhar para ela, de 1999) é um retrato das difíceis condições enfrentadas pelas mulheres nos últimos anos do século 19, especialmente aquelas relegadas à vida de serviçais, sem nenhuma perspectiva de vida além da que aponta para um futuro mergulhado na rotina do trabalho doméstico. Pode-se (e deve-se) especular que o filme carece de um ritmo mais ágil, com um desenvolvimento melhor de alguns personagens - o playboy gay vivido por Jonathan Rhys Meyers poderia ser mais explorado pelo roteiro, bem como o médico (Brendan Gleeson). Ainda assim, o filme envolve o espectador com competência, muito embora o ponto realmente digno de nota - e de uma indicação ao Oscar - seja realmente a atuação magistral de Glenn Close, que aqui faz o papel de sua vida, alternando a tranquilidade do disfarce com o desespero de ver a possibilidade de seu alterego ser desmascarado; é tocante a cena em que Nobbs revela não lembrar seu nome quando era mulher. Se a indicação de fato vier, será merecida. Close se coloca como forte concorrente ao prêmio maior que uma atriz pode receber, em um ano que a disputa pode envolver nomes como Meryl Streep (A Dama de Ferro) e Viola Davis (Histórias Cruzadas). A briga vai ser boa.

Trailer de '2 Coelhos'

2012-01-12T07:53:00.002-02:00

Acabei de descobrir o trailer de 2 Coelhos, filme do estreante Afonso Poyart e primeira produção da empresa Black Maria, estrelado por Fernando Alves Pinto, Alessandra Negrini, Caco Ciocler e Thaíde. O filme acompanha Edgar (Fernando Alves Pinto), sujeito em crise que usa contra-espionagem, tecnologia e um pouco de sorte para matar com uma cajadada só os dois coelhos que o perseguem: o estado e os criminosos. Pelo trailer percebe-se uma linguagem visual semelhante a filmes como Scott Pilgrim contra o mundo, misturando videogames, agilidade à la MTV e uma boa quantidade de ação. Me parece uma boa aposta para o Brasil finalmente entrar no mercado de filmes de ação. Vamos aguardar a estreia, que acontece em 20 de janeiro.

Enquanto isso, fique com o trailer e tire suas próprias conclusões.

Desenho vs Fotografia - Lindas e criativas imagens

2012-01-11T03:19:00.001-02:00

Em minhas andanças pela internet, me deparei com estas imagens belíssimas, trabalho do pintor, retratista, ilustrador, caricaturista e fotógrado belga Ben Heine. Este criativo artista nasceu na Costa do Marfim. Ele estudou artes gráficas e escultura e também é formado em jornalismo. Confira algumas dessas maravilhosas obras que ele chama de "Desenho vs Fotografia", ou "Imaginação vs Realidade". Você pode conhecer o site original AQUI (em inglês).

Os Melhores Cartazes de 2011

2012-01-06T21:10:00.000-02:00

Eu AMO cartazes de filmes. Isso, é claro, quando eles fogem realmente dos clichês de design de pôsteres, como estes listados pela revista inglesa Empire, velha colaboradora (compulsória) do nosso blog. Veja a galeria com os 10 primeiros colocados (o resto da lista você pode conferir AQUI) e dê sua opinião sobre a escolha da revista.

1. Shame

2. Tiranossauro

4. O Espetacular Homem-Aranha

3. Escrito e dirigido por Angelina Jolie

6. Mais um cartaz do novo Batman de Chris Nolan

5. Batman: O Cavaleiro das Trevas Ressurge

7. Belo cartaz do filme Capitão América

8. Um Método Perigoso, de Cronenberg

10. Não tenha medo do escuro

9. O Dublê do Diabo, sobre o filho de Saddam

E aí? Gostou? Odiou? Deixe seu comentário e abra seu coração!

Os Piores Filmes de 2011

2011-12-28T19:12:00.001-02:00

Como meu amigo Artiles Reis já disse, eu vejo todo tipo de filme. E é verdade! Com exceção da maioria dos filmes de terror (que não faço muita questão de ver), eu tenho esse hábito de assistir quase todo filme que baixo com o mesmo empenho com que vejo Cidadão Kane todo ano, religiosamente. Talvez por este hábito típico de um cinéfilo muitas vezes me deparo com verdadeiras bombas que ao menos me trazem a possibilidade de escrever esta lista: os piores filmes do ano! E convenhamos, é muito mais divertido escrever uma lista com os piores filmes do que ficar procurando filmes "de arte" bons o bastante para figurar entre os melhores. Sendo assim, vamos aos piores filmes que vi este ano (e um que não vi, mas é ruim mesmo, nem venham discutir):

Cartaz climático, filme apático

10. A Coisa - Uma decepção daquelas. Se o filme de John Carpenter de 1982 (O Enigma de Outro Mundo) é um terrorzão de ficção científica com um clima tenso e uma criatura tenebrosa, este prelúdio ao clássico da década de 80 se mostrou uma frustração e uma prova de que não adianta investir 30 milhões de dólares em um filme desses sem que tanta grana esteja nas mãos de pessoas talentosas. Que saudade da genialidade de John Carpenter!

9. Eu queria ter a sua vida - Comédia sobre troca de corpos? Isso é trama velha até no Brasil!

Alegria é ter uma scooter!

8. Larry Crowne - O amor está de volta - Aparentemente, não tinha como dar errado: Tom Hanks de volta à direção e ainda estrelando o filme juntamente com Julia Roberts, fazendo um casal em uma comédia romântica? Até posso ver os olhos dos executivos brilhando, pensando nos milhões arrecadados. Doce ilusão! Larry Crowne é a prova de que as coisas não são mais como antigamente em Hollywood. Nenhum filme se sustenta mais somente pelo fato de ter um elenco estelar. A força está na ideia, ou na familiaridade do público com a história, o que acontece com adaptações de livros ou quadrinhos. No final das contas, esta comédia sem graça tenta se sustentar em uma ou duas cenas bacanas, mas não cria nenhuma empatia com o público. Seu protagonista em nenhum momento faz com que a audiência torça por ele, e o beijo do casal no fim (oh, spoiler, foi mal aí) não emociona nem aquela balzaquiana solteirona, com as emoções à flor da pele. Bomba total.

O pior uso de CG do ano

7. Lanterna Verde - Com um personagem interessante nas mãos, mas uma execução pífia, este filme de super-herói poderia tirar a DC do ciclo Superman-Batman nas adaptações cinematográficas. Entretanto, o que se tem é um daqueles filmes absolutamente descartáveis que acerta em algumas (poucas) coisas e erra na maior parte da projeção. Se a criação do mundo de Oa, planeta dos guardiões, é de encher os olhos, a atuação desinteressada de Ryan Reynolds é medíocre - como é que um cara comum recebe um anel com poderes quase infinitos e se adapta a ele como quem compra um celular e logo aprende a usá-lo? Entre outros fatores, este filme está nesta lista simplesmente por não funcionar em sua totalidade. E olha que eu botava fé nele, a despeito de todos os outros fãs estarem muito desconfiados. Maldita ingenuidade!

Não podiam ter se contentado com um filme?

6. Se beber, não case Parte 2 - Tá brincando? Os caras fazem exatamente o mesmo filme, com exceção do cenário diferente (troca-se Las Vegas por Bangkok), e ainda querem receber elogios? Mais caça-níqueis impossível!

5. Sucker Punch - Mundo Surreal - Este era para ser o filme mais pessoal de Zack Snyder (300, Watchmen, Madrugada dos Mortos), mas no fim se tornou aquele filme que alguns fãs querem tornar cult a todo custo, mesmo sendo uma tremenda decepção! Durante a divulgação do filme, os trailers mostravam cenas fantásticas, com cenários de videogame, ação insana e mulheres fatais no melhor estilo Sin City. Mas com uma trama rala (ou a completa ausência dela), Sucker Punch não passa de um delírio mal descrito. Se Snyder escolhesse retirar toda aquela fraca trama no hospício e desenvolvesse uma daquelas subtramas contadas na mente da protagonista, talvez desse para retirar o filme desta lista. Ele não fez isso, deu no que deu: fracasso de público e crítica.

Ela é bonita, ok. Mas o filme...

4. Professora Sem Classe - Mais uma comédia insossa fazendo parte da lista. Quem achava que Cameron Diaz voltaria ao estrelato com esta tentativa de criar um ícone dos anti-heróis, certamente pensou melhor depois de assistir - a duras penas - os 90 torturantes minutos com a história desta "professora" insuportável que não consegue a simpatia do público nem por um segundo.

Cilada é ver este filme

3. Cilada.com - Se tinha que existir um representante do nosso querido cinema nacional por aqui, este tem que ser Cilada.com. Se na TV o programa Cilada apresentava situações incômodas interessantes e divertidas, a transição para o cinema mostrou o quanto um ego inflado pode ser ruim para um comediante. Com piadas à la Zorra Total e um machismo quase patológico, o filme (?) com Bruno Mazzeo é um insulto à inteligência até dos fãs do humorístico global citado anteriormente. Pensando bem... Não. Eles vão gostar.

2. Cowboys & Aliens - É impressionante como Jon Favreau, dirigindo Daniel Craig e Harrison Ford, possa ter errado tanto com um filme. Esta aventura que mistura western com ficção científica até começa bem, com o misterioso primeiro ato, mas depois que aliens invadem o planeta, tudo degringola e se torna um "samba do vaqueiro doido". É o segundo da lista por ser a maior decepção do ano!

É ou não um dos piores cartazes do ano?

1. Reféns - Nicolas Cage e Nicole Kidman devem ter agentes bem ruins mesmo. O primeiro alterna papeis risíveis com atuações poderosas em filmes poderosos: primeiro ele arrebenta em Vício Frenético para depois fazer filmes ridículos como Caça às Bruxas ou este Reféns. Já Nicole Kidman raramente aparece em algum filme interessante, como em Reencontrando a Felicidade. Ela é a atriz mais bem paga de Hollywood, mas que não dá lucro algum há muito tempo. Já esta pérola de thriller chamado Reféns é uma verdadeira bomba, daquelas que lançam estilhaços por todos os lados. Ninguém fica ileso de culpa por este arremedo de filme. Pior do ano fácil, fácil.

Os atores do filme fazem isso o filme inteiro

MENÇÃO HONROSA - HORS CONCOURS

A Saga Crepúsculo: Amanhecer Parte 1 - E pensar que vampiros já foram cool. Com um fiapo de história que se arrasta desde o primeiro filme, a última parte da série "mamãe-quero-ser-Harry-Potter" não se contenta em desfilar seus pseudodiálogos em apenas um filme, obrigando as fãs enlouquecidas a pagarem novos ingressos (novos porque elas não veem o filme apenas uma vez) pela segunda parte do último livro! Coloco o filme como menção honrosa simplesmente pelo fato de ser esta franquia apenas algo tipicamente "feito para fãs", logo, não vale a pena resenhar. Mas é que falas como estas deviam ser proibidas: -Te encontro no altar. -Serei aquela de branco.

Argh.

Novo trailer de Batman - O Cavaleiro das Trevas Ressurge no ar!

2011-12-19T19:16:00.000-02:00

Ainda faltam seis meses para a estreia do 3º e último capítulo da saga de Batman nas mãos de Christopher Nolan, e a Warner liberou o novo trailer do filme para deixar todo mundo roendo as unhas de ansiedade!

Confira e espere a estreia, que acontecerá em 20 de julho de 2012.

Os 10 melhores filmes de 2011 segundo a Sight & Sound

2011-12-19T02:50:00.001-02:00

A prestigiada revista britânica Sight & Sound divulgou sua lista de melhores filmes do ano. Como toda lista, há controvérsias nas escolhas. Uma característica marcante da lista é a presença de vários filmes não-americanos. Veja a lista e tire suas conclusões. As minhas estão logo abaixo.

1. A Árvore da Vida (The Tree of Life, de Terence Malick, EUA)

2. A Separação (Jodadeiye Nader az Simin, de Asgar Farhadi, Irã)

3. O Garoto de Bicicleta (Le gamin au vélo, de Jean-Pierre & Luc Dardenne, Bélgica/França/Itália)

4. Melancolia (Melancholia, de Lars von Trier, Dinamarca/Suécia/França/Alemanha/Itália)

5. The Artist (de Michel Hazanavicius, França)

6. Once Upon a Time in Anatolia (Bir Zamanlar, Anadolu'da, de Nuri Bilge Ceylan, Turquia/Bósnia e Herzegovina)

7. O Cavalo de Turim (A torinói ló, de Bela Tarr, Hungria/Suíça/Alemanha/França/EUA)

8. Temos de Falar Sobre Kevin (We Need to Talk About Kevin, de Lynne Ramsay, Inglaterra/EUA)

9. Le Quattro Volte (de Michelangelo Frammartino, Itália/Alemanha/Suíça)

10. Isto não é um filme (In film nist, de Jafar Panahi, Irã) e O Espião que Sabia Demais (Tinker Tailor Soldier Spy, de Tomas Alfredson, Inglaterra/França/Alemanha)

Os filmes nas posições 6, 7 e 9, devo confessar que ouvi falar agora, lendo a lista. Quanto a O Garoto de Bicicleta, já vi e escreverei minha resenha em breve, mas já posso adiantar que é um bom filme com ressalvas. Temos de Falar Sobre Kevin devo assistir esta semana, e aguardo ansiosamente, assim A Separação, filme do qual só tenho boas recomendações.

The Artist é um desses filmes que surgem uma vez na vida da gente e causam uma vontade louca de assistir. Primeiro porque trata-se de um filme mudo em pleno século XXI, depois por ter sido aclamado em quase todas as listas de melhores do ano. Ainda não vi, mas mal posso esperar!

O filme de Lars von Trier, Melancolia, também não assisti, mas estou esperando o momento certo. Não é fácil ver filmes do diretor sueco amalucado, genial para uns, fraude para outros.

Quanto à posição de A Árvore da Vida como melhor filme do ano não é de admirar, visto ser o filme de Terence Malick o queridinho da crítica em todo o mundo. Já expus minha opinião sobre este filme, mas admito que preciso vê-lo novamente para poder captar melhor nuances que certamente deixei escapar. Ninguém entenderá este filme completamente na primeira sessão. A questão é: merece estar no topo da lista? Por várias razões, considero ser este um dos 10 melhores filmes do ano, mas nº 1? Fica a questão.

Histórias Cruzadas

2011-12-18T15:27:00.000-02:00

Pequeno filme sobre empregadas negras americanas nos anos 60 é pérola a ser descoberta

A luta pelos direitos civis dos negros do sul dos EUA e o cotidiano das famílias negras americanas já rendeu bons filmes, sendo alguns deles inesquecíveis, como A Cor Púrpura, que Steven Spielberg dirigiu em 1985. Quando todos pensavam que não havia mais nada a ser dito sobre esta questão, eis que o diretor Tate Taylor lança Histórias Cruzadas (The Help, EUA, 2011), um filme despretensioso que arrebatou o público e já rendeu até o momento 169 milhões de dólares (o orçamento foi de 25 milhões).

Tamanha comoção pode ser perfeitamente compreendida quando assistimos ao filme. Com um ritmo envolvente e atuações espetaculares de Viola Davis, Octavia Spencer e Emma Stone, a história de empregadas negras americanas que são convencidas por uma garota branca aspirante a escritora a relatarem suas vidas e seu cotidiano, é capaz de emocionar sem jamais apelar para pieguices recorrentes nos dramas sobre direitos civis.

Em pleno estado do Mississippi nos anos 60, Skeeter (Emma Stone) é uma jovem solteira recém-formada que retorna à cidade de Jackson. Determinada a se tornar uma escritora, ela causa polêmica ao decidir entrevistar a empregada de uma de suas amigas. Aibileen (Viola Davis), a empregada em questão, é uma típica descendente de escravos sulistas: sua mãe foi empregada, e sua avó era escrava doméstica. Muitas crianças brancas foram criadas por ela, crianças que sempre eram deixadas nas mãos das empregadas enquanto suas mães se distraíam sendo mulheres da sociedade, com seus jogos de bridge e seus brunches. Aibileen aceita ser entrevistada e começa a relatar sua vida e tudo o que já sofreu. Logo se junta a ela Minny (Octavia Spencer), outra empregada que foi demitida ao não aceitar usar o banheiro exclusivo para negros na casa dos patrões.

Muitas coisas podem ser ditas sobre Histórias Cruzadas. Como o título nacional deixa claro, são várias as histórias se entrelaçando e atraindo o espectador, que se sente desejoso de acompanhar cada uma delas. Os personagens interessantes e marcantes surgem um após o outro e o elenco não permite que o filme fique desinteressante em nenhum momento. Além das atrizes já destacadas, o elenco ainda tem Bryce Dallas-Howard, Jessica Chastain, Sissy Spacek e Ahna O'Reilly. Elenco de apelo feminino, nota-se, principalmente por tratar-se de um filme que não se limita nas histórias das mulheres negras, mas também retrata a pressão que as brancas sofriam para engravidar e cumprir todas as convenções sociais que lhes convinham.

O trabalho de Tate Taylor cumpre com perfeição todos os critérios para que um filme toque o coração do espectador, e pode até arrancas algumas lágrimas dos mais sensíveis. Vale (mesmo) a pena!

Rastros de Ódio (da série 1001 Filmes)

2011-12-16T21:09:00.003-02:00

Poucos filmes são tão definitivos para a compreensão do que é o cinema quanto Rastros de Ódio (The Searchers, EUA, 1956). Dirigido por John Ford, este clássico é considerado o maior western de todos os tempos, sendo presença em praticamente todas as listas dos 10 maiores filmes da história. Não é acaso nem capricho da sorte este filme grandioso fazer parte de todas estas listas. Trata-se de uma obra atemporal, bela e incômoda; violenta e serena. O Ethan Edwards interpretado magistralmente por John Wayne é com certeza o personagem mais fascinante da carreira deste ícone do cinema, superando até mesmo o papel que lhe rendeu o Oscar em Bravura Indômita. Ethan é um ex-combatente da Guerra Civil Americana que volta da guerra para o rancho de seu irmão no Texas três anos depois do fim da guerra, esperando estar mais próximo da família e principalmente de sua cunhada, a mulher que ele ama.
O rancho fica em um território que vive sob constante ameaça de índios comanches, e logo no começo do filme os nativos atacam o rancho, massacrando toda a família e levando cativa a filha caçula, Debbie (Natalie Wood). Ethan então embarca em uma jornada para resgatar a sobrinha, uma viagem que dura anos, de modo que ele imagina o pior horror que poderia acontecer a ela: a assimilação total de Debbie pelos comanches, tornando-a igual aos índios odiados por ele. Em um momento icônico do filme, Ethan diz preferir meter uma bala na sobrinha a ter de conviver com a ideia de que ela se tornou uma comanche. Em sua jornada para encontrar Debbie, Ethan conta com a ajuda de Martin (Jeffrey Hunter), mestiço criado como um filho pela família do irmão. E a força do filme está na lenta aproximação de Ethan e Martin. O ex-soldado a princípio rejeita o rapaz, mas eventualmente ele acaba percebendo o valor da coragem e da abnegação de Martin, que deixou tudo para trás a fim de salvar Debbie, a quem ele considera uma irmã.

A porta emoldura a imensidão do deserto nesta história sem heróis

John Ford, diretor famoso por seus westerns, conduz Rastros de Ódio com a grandiosidade digna do cenário, as grandes montanhas texanas, o Monument Valley, cravado no meio do deserto implacável, que são filmadas de modo a amplificar a experiência da solidão desértica. Ford também sobrepõe uma antítese que marcaria gerações de cinéfilos, a contradição entre a civilização representada por Martin e a selvageria incorporada por Ethan, especialmente nas cenas que abrem e fecham o filme, nas quais a porta da casa serve como moldura para a desolada paisagem do deserto; do lado de dentro, está a civilização e do lado de fora encontram-se a dureza e a aspereza de uma vida que não consegue mais se encaixar à modernidade. Do lado de fora está Ethan Edwards.

Contágio

2011-12-13T23:33:00.000-02:00

Thriller realista mostra que uma epidemia global não é invenção de Hollywood

Atenção: este filme pode causar reações imprevisíveis, como o repentino medo de tocar as pessoas e a imediata perda de vontade de comer carne de porco. Isso porque Contágio (Contagion, EUA, 2011), novo filme de Steven Soderbergh (Erin Brockovich, 11 Homens e um Segredo) é um verdadeiro alerta sobre hábitos que todos nós temos, os quais na maioria das vezes não notamos, que podem gerar consequências indizíveis e terríveis. É claro que Contágio é uma produção de Hollywood, feita por um grande estúdio, planejada para fazer dinheiro, gerar lucro. Mas ainda assim, o thriller não se entrega a clichês do gênero apocalipse, segundo os quais geralmente tem-se um herói - que quase sempre é um sujeito comum - que será o salvador da humanidade, sobrevivendo e encontrando ele/ela mesmo(a) a solução para o problema.

Não aqui. Em Contágio não há um protagonista, ou protagonistas, que tomam a frente da situação e resolvem tudo. O filme mostra as várias pessoas envolvidas na identificação da doença que causa uma epidemia de proporções cataclísmicas e na procura pela cura dessa doença, que é transmitida pelo toque. Com a ajuda de um elenco estelar - ajuda muito um diretor ter muitos amigos astros e estrelas do cinema - vários aspectos da luta contra essa epidemia são mostrados: a paciente zero (Gwyneth Paltrow) e seu marido, que inexplicavelmente é imune (Matt Damon); os cientistas em busca da identificação do vírus e da vacina (Laurence Fishburne, Kate Winslet e Jennifer Ehle); a especialista da OMS - Organização Mundial da Saúde (Marion Cotillard); o militar que quer evitar o pânico nas ruas (Brian Cranston); e o blogueiro investigativo que busca descobrir a verdade sobre o vírus enquanto o governo e as indústrias farmacêuticas tentam ocultá-la (Jude Law).

A maioria dos personagens não interage entre si, mas suas histórias são contadas com muita competência pelo roteiro, que embora não encontre tempo para desenvolver o caráter e a personalidade de cada personagem (até porque não é isso o que está no foco), faz de cada cena um momento tenso, onde nunca sabemos quem irá ficar doente e quem sairá ileso do terror do vírus.

Um ótimo trabalho de Soderbergh, que já soube lidar muito bem com paranoias sociais em Traffic e demonstra com bastante realismo como a humanidade - e seus governantes - lidaria com uma doença terrível e fatal.

50% - Comédia dramática sobre câncer e amizade

2011-12-12T01:12:00.001-02:00

Um cara descobre que tem câncer, consegue superar a doença e depois escreve um roteiro para um filme baseado em sua experiência. O filme é produzido por Seth Rogen (Ligeiramente Grávidos), que é seu amigo, que também co-estrela a produção ao lado de Joseph Gordon-Levitt ((500) Dias Com Ela), o ator que fará o personagem baseado em você. A comédia é um sucesso de crítica, torna-se candidata a cult e todos os analistas a apontam como provável indicada ao Oscar. Nada mal, hein?

Foi exatamente o que aconteceu com Will Reiser, o roteirista em questão, que escreveu 50% (50/50, 2011), bela comédia dramática que conta a história de um cara de 27 anos, Adam, que descobre ter um tipo raro de câncer na coluna e precisa aprender a lidar com a doença. Ele não está só. Seu melhor amigo, Kyle, mostra que sua amizade é verdadeira, ao acompanhá-lo durante todo o processo.

Dirigido por Jonathan Levine, um novato que não tinha feito nada digno de nota até agora, 50% é honesto e emocionante sem jamais escorregar na pieguice. Não se trata de um drama concebido em uma sala de reuniões abarrotada de executivos de estúdio, milimetricamente planejado para fazer o público chorar. Antes, o filme conta uma história realmente comovente sem jamais apelar. Não se preocupe, não estamos falando de Marley e Eu.

Há momentos agridoces neste filme, nos quais em um instante você está rindo e no outro está chorando. E isso é o que faz de 50% um belo exemplo de como fazer drama sem esfregar o rosto do público em um balde de mel e tragédias. Talvez este seja o motivo de tamanha aclamação pela crítica. O trabalho de Joseph Gordon-Levitt é primoroso e merece uma indicação a Melhor Ator. Também é emocionante a atuação de Anjelica Huston no papel de Diane, a mãe solitária de Adam. A cena na qual ela leva o filho a uma consulta é uma das mais sinceras do ano. Anna Kendrick (Amor Sem Escalas), como a terapeuta inexperiente de Adam, também está excelente e merece aplausos.

Se há um filme este ano em que pode-se apostar que obterá algumas indicações ao Oscar, 50% é um deles.

Segundo informação do IMDB, o filme sairá no Brasil direto em DVD. Mas é bom aguardar o anúncio dos indicados ao Oscar, pois essa situação pode mudar. É esperar para ver.

Atração Perigosa

2011-12-04T01:40:00.001-02:00

Ben Affleck segue mostrando seu talento como cineasta

Se como ator Ben Affleck não tem se saído muito bem, com escolhas duvidosas e fracassos retumbantes de crítica e público, como diretor ele tem demonstrado uma consistência pouco vista em Hollywood. Medo da Verdade, de 2007, recebeu críticas entusiasmadas, com sua trama misteriosa e tensa, apesar de não ter atraído o público aos cinemas. Mas com Atração Perigosa (The Town, 2010) Affleck provou que não é cineasta de um filme só. Com uma história envolvente que mistura filmes de assalto com romance e drama de gângster, o astro está em seu ambiente verdadeiro: a cadeira de diretor. Embora tenha sido premiado com o Oscar de Roteiro Original por Gênio Indomável (1997), Affleck ainda se mostrava um astro inconstante, alternando bons e péssimos momentos. Basta lembrar de bombas como Contato de Risco, no qual contracenou com sua então namorada Jennifer Lopez, e quase destruiu sua carreira, tornando-se motivo para piada na Capital do Cinema.
O que pesa a favor de Affleck em Atração Perigosa é a força de seu roteiro. Baseado no romance de Chuck Hogan, Prince of Thieves, o filme conta a história de uma quadrilha especializada em assaltos a bancos e carros-fortes que durante um trabalho leva como refém a gerente de um banco, Claire (Rebecca Hall). Eles a deixam em uma praia, mas depois Doug (Affleck) precisa vigiá-la, pois descobre que ela é moradora do mesmo bairro da quadrilha. Ele acaba envolvendo-se com Claire, que está traumatizada pela situação que experimentou. O envolvimento entre os dois é inevitável, e é notável a transformação pela qual ele passa simplesmente por ter encontrado uma razão para mudar. É claro que nada será fácil para os dois e a trama faz questão de aumentar a tensão até o último assalto da quadrilha, no qual sangue será derramado.
O filme é um retrato de Charlestown, bairro de Boston conhecido como a capital americana de assaltos a banco, onde famílias inteiras vivem do "ofício". Boston é a terra de Affleck, que já a retratou em Medo da Verdade; os filmes do ator/diretor têm sido construídos de modo a mostrar sua cidade, mas nunca de modo elogioso, ufanista. Os bairros que Affleck mostra são filmados de maneira realista, sem maquiagem. Alguns dos membros do elenco de Atração Perigosa são moradores locais, atores não-profissionais, o que contribui para a veracidade da história contada.
Por tudo isso Atração Perigosa é um filme inteligente e envolvente. Chama a atenção também a atuação de Jeremy Renner (Guerra ao Terror), como James Coughlin, membro da quadrilha de Doug, cujo temperamento explosivo leva toda a gangue a consequências trágicas.

Em tempo: o filme já foi lançado em DVD e Blu-Ray, e encontra-se sendo exibido na TV paga, pela HBO.

Drive - Filme de ação com cérebro

2011-12-01T01:40:00.001-02:00

Não é coisa comum um filme de ação que privilegie os personagens e que não tem pressa de mostrar perseguições e explosões, preferindo construir a ação gradualmente sem esquecer que um filme deve contar uma história. Assim é Drive (2011), que recebeu o prêmio de Melhor Direção no Festival de Cannes, fato raríssimo para filmes do gênero. O prêmio é merecido, pois o trabalho do dinamarquês Nicholas Winding Refn é primoroso. Trata-se de uma retomada do clássico herói-sem-nome, típico personagem da filmografia de Clint Eastwood. Mas Drive não se limita a homenagear heróis do cinema das décadas de 70 e 80, apesar do clima retrô presente nos letreiros dos créditos iniciais - em rosa-choque - e da trilha sonora oitentista. O filme é uma obra densa e belamente filmada para colaborar na atuação do elenco e na construção da trama que, no final das contas, conta uma história de amor.

Ryan Gosling é o herói, cujo nome não é revelado - no filme todo ele é chamado apenas de "Motorista". Dublê de cenas que tenham carros e mecânico, ele faz "bicos" como motorista em alguns assaltos. A cena inicial é bem climática, ao não mostrar a perseguição, mas apenas a face do Motorista, que mantém a expressão de indiferença mesmo diante do perigo de ser preso ou morto. Homem de poucas palavras, o Motorista vive sua vida discretamente até se envolver com sua vizinha, Irene (Carey Mulligan, de Educação), mãe de um menino e com o marido cumprindo pena. A saída do marido dela da prisão desencadeará uma série de eventos que culminarão em sangue e muita violência.

O que faz a diferença em Drive em relação a outros filmes de ação são as escolhas de Refn, os posicionamentos da câmera, a paciência por vezes angustiante com que as cenas se desenrolam, o que colabora para tornar o suspense ainda mais envolvente. E são os momentos mais intimistas que justificam a classificação do filme como história de amor, embora nada convencional: o desejo e a paixão contida entre Irene e o Motorista são praticamente palpáveis e a gente acaba torcendo para o casal "ficar junto no final". Sério. Aliás, possivelmente a cena de beijo mais interessante do cinema atual acontece neste filme. Embora tudo acabe em sangue.

Drive é assim. Tem ação, perseguições e sangue jorrando, mas pode ser considerado filme "de arte". Dá para ver sem desligar o cérebro. Na verdade, é preciso ligar o cérebro para perceber todas as nuances contidas no filme. Mas acredite, a viagem vale o ingresso.

Arquivo X: Eu Quero Acreditar

2011-11-19T14:03:00.001-02:00

Dez anos depois da primeira aparição dos agentes Fox Mulder (David Duchovny) e Dana Scully (Gillian Anderson) no cinema, o criador da série clássica Arquivo X, Chris Carter, escreveu e dirigiu este segundo filme, para, segundo ele, mostrar os protagonistas sob um novo ângulo. A tarefa foi cumprida. Em Eu Quero Acreditar, passaram-se seis anos desde que Mulder e Scully deixaram o FBI e os arquivos X foram encerrados. De uma forma muito engenhosa, o diretor Chris Carter mostra a situação em que cada um dos agentes se encontra, reservando aos fãs da série uma pequena grande surpresa (não vou contar aqui, nada de spoilers neste blog!).

Se o primeiro filme, de 1998, serviu como elo para a mitologia da série, envolvendo a gigantesca conspiração governamental para ocultar a presença de alienígenas na terra, nesta segunda produção o diretor entregou um típico episódio de "monstro da semana", com um caso sem conexões com a trama principal da série. Nada mais justificável, já que a série não está mais no ar. E agindo assim, é perfeitamente possível acompanhar e entender a trama sem nunca ter assistido um único episódio da série televisiva - em relação a isso, o único porém é que, para compreender as motivações dos protagonistas, faz-se necessário conhecê-los previamente.

A história envolve o desaparecimento de uma agente do FBI, um ex-padre com dons psíquicos e a volta da dupla de agentes para colaborar com as investigações. Todo o clima original da série está lá: a fotografia sombria, as estradas cortando florestas, os locais inóspitos onde vivem os criminosos e os crimes sinistros. Mas ainda falta a este segundo filme um antagonista identificável, ou com o mínimo de carisma - para se ter uma ideia, o grande chefão da quadrilha de criminosos só é mostrado no final, mesmo assim através da foto de um jornal!

Ainda assim, como um episódio de 1h40min, Arquivo X: Eu Quero Acreditar cumpre sua tarefa, a de entregar uma história competente com atores que nasceram para aqueles personagens e arrebanhar novos fãs para a tão cultuada de ficção científica e mistério que conquistou o mundo e estabeleceu padrões imitados por inúmeros outros programas que vieram posteriormente.

O Caçador de Trolls

2011-11-15T00:28:00.001-02:00

Falso documentário norueguês é pérola a ser descoberta

Depois que A Bruxa de Blair tornou-se fenômeno mundial como um misto de falso documentário com terror sobrenatural, outros exemplares viraram coisa comum no cinema. J. J. Abrams produziu Cloverfield - Monstro, que consegue ser infinitamente melhor do que Blair, da Espanha veio Rec, que de tão bem sucedido se transformou em uma franquia lucrativa, e o assustador Atividade Paranormal também se consolidou como uma série muitíssimo lucrativa para a Paramount. Agora é a vez dos noruegueses terem seu mockumentary (como é chamado esse gênero em inglês). E O Caçador de Trolls acerta ao utilizar uma lenda nórdica para criar uma atmosfera gélida que tira o fôlego do espectador. Dirigido por André Øvredal, o filme mostra três estudantes universitários produzindo um documentário sobre uma caçada a ursos na Noruega que se deparam com uma figura misteriosa, um enigmático caçador chamado Hans (Otto Jespersen), que logo se revela um caçador de trolls.

Para quem não está por dentro da mitologia nórdica, trolls são aqueles monstros gigantes que vivem nas cavernas encravadas nas montanhas e nas florestas daquela congelante região da Europa. Essas criaturas saem à noite para caçar, e comem literalmente de tudo, desde pedras até, é claro, pessoas. Para que isso aconteça, basta que alguém desavisado esteja na frente deles. Quando os estudantes se juntam à caçada de Hans, o espectador vai descobrindo detalhes sobre os gigantes. E tudo fica ainda mais interessante.

O Caçador de Trolls não é um filme de terror. A produção mais se aproxima do gênero aventura, à moda de Jurassic Park - com direito a referência à famosa cena da perseguição do tiranossauro rex ao carro, onde o monstro é mostrado através do retrovisor. Como ponto fraco do filme está o desenvolvimento dos personagens. Não se sabe muito a respeito deles, apesar do fato de que isso não importa muito quando entram em cena os incrivelmente bem feitos trolls dos mais variados tipos. Há quatro cenas que valem todo o filme, nas quais os monstros exibem toda a sua força. E sua estupidez. É que trolls são bichos burros, que só pensam com o estômago e tal característica dá um bem vindo tom de humor ao filme.

Em meio a tantas produções americanas desinteressantes e idiotas, ver um filme comercial norueguês muito divertido e com efeitos especiais de primeira é algo no mínimo, curioso. E no caso de O Caçador de Trolls, a experiência vai além da curiosidade. É cinema de verdade.

O Guarda

2011-11-14T17:23:00.001-02:00

Para este filme, me sinto obrigado a usar a expressão "clássico instantâneo". E não estou exagerando. O Guarda está carregado de elementos originais que o incluem entre as grandes comédias policiais do cinema. E o dono da festa tem nome: Brendan Gleeson, esse nobre desconhecido, que já roubou a cena em outro grande filme, Na Mira do Chefe, de 2008. Desta vez, Gleeson é o protagonista e herói da trama. Ele é Boyle, um sargento em uma pequena cidade irlandesa que se une ao agente especial do FBI Everett (Don Cheadle) na investigação sobre um grande carregamento de cocaína que chegará de barco à costa da Irlanda. Boyle e Everett são a típica dupla de policiais que não se entende, mas que exatamente por isso se dão muito bem. Ambos têm seu senso próprio de justiça, apesar do temperamento não-ortodoxo de Boyle, que diz simplesmente tudo o que lhe vem à mente.

Esta é a razão pela qual Boyle é um personagem tão marcante. O sargento diz um palavrão a cada 5 palavras que diz, nunca constituiu família, gasta dinheiro com prostitutas e bebida, e apesar disso, é um bom policial, e se preocupa com sua mãe - interpretada pela espetacular Fionnula Flanagan (a governanta sinistra de Os Outros). Politicamente incorreto até os ossos, Boyle não se deixa levar por sentimentalismos baratos nem se esforça para parecer tolerante. Em um certo momento, quando Everett expõe para os policiais os detalhes do caso que investiga, Boyle pede a palavra para dizer que pensava que todos os traficantes eram negros. Repreendido por seu superior, ele diz: "Claro que sou racista; sou irlandês, ser racista é parte da minha cultura." Honesto nem um pouco.

Chama a atenção a fluidez dos diálogos, com falas memoráveis, como a discussão que os três traficantes do filme têm sobre filósofos alemães e ingleses - que nos faz lembrar os diálogos nerd entre Samuel L. Jackson e John Travolta, em Pulp Fiction - Tempo de Violência. Aliás, qualquer semelhança entre Quentin Tarantino e o diretor John Michael McDonagh não é mera coincidência. O estilo dos dois cineastas é muito parecido, com diálogos ágeis e situações cômicas se alternando com momentos de violência. E se um cineasta tiver que se inspirar em outro diretor para fazer seus filmes, Tarantino é um bom nome para se copiar. Pelo menos McDonagh não é fã de Michael Bay.

Planeta dos Macacos: A Origem

2011-11-12T17:01:00.001-02:00

O anúncio da Fox de que iria produzir uma prequel de Planeta dos Macacos gerou imensa desconfiança, para dizer o mínimo. Afinal, a releitura de Tim Burton para a série clássica dos anos 60 não foi exatamente uma unanimidade; é tarefa difícil causar o impacto que o final do filme original gerou no público, mas ainda assim Burton soube imprimir sua marca na série, mesmo sem gerar a repercussão (e os lucros) que o estúdio esperava. Logo, insistir com a franquia da Terra tomada pelos primatas parecia loucura e um tremendo desperdício de dinheiro e talentos envolvidos.

Entre os céticos e desinteressados pela nova renovação da franquia, estava eu. Qual não foi minha surpresa ao descobrir a qualidade imensa deste novo filme, dirigido pelo desconhecido Rupert Wyatt. Wyatt chamou a atenção da Fox quando lançou seu primeiro longa, The Escapist, em 2008. Desejoso de retomar Planeta dos Macacos, o estúdio contratou o cineasta na tentativa de investir em uma história que contasse o começo de tudo.

E Wyatt vai além das expectativas ao narrar a história de César, um chimpanzé nascido em um laboratório de San Francisco, dirigido pelo cientista Will Rodman (James Franco). César tem uma inteligência acima do normal, o que Will descobre quando leva o filhote para casa, por razões que não descreverei aqui (nada de spoilers no meu blog!). Quem conhece a história da série sabe que César foi o primeiro símio a se rebelar contra a humanidade, quem deu início à dominação dos macacos sobre a Terra.

E a maneira como isso é mostrado é simplesmente magistral. A construção da trama não tem nenhuma pressa de mostrar as cenas de ação de cara, preocupando-se em explicar as razões de César para sua rebelião.

Tudo isso é legal, as cenas de ação são de alta qualidade, o elenco de humanos está muito bem (OK, talvez exceção para Freida Pinto, meio deslocada), mas o que diferencia este Planeta dos Macacos dos outros exemplares da série é o fato de César ser inteiramente gerado em CGI. Se os filmes anteriores traziam atores maquiados de macacos e impressionavam pelo realismo das caracterizações, em A Origem 90% dos macacos não estão realmente no set de filmagem. Mas isso não é perceptível de cara, o que faz a experiência de assistir ao filme algo ainda mais marcante e interessante. Crédito da WETA Digital, a mesma empresa que fez O Senhor dos Anéis, King Kong e As Crônicas de Nárnia, e de Andy Serkis, o grande ator que ninguém conhece. Andy é o homem por trás de Gollum e é o próprio King Kong. Foram seus movimentos e sua atuação captados por sensores que compuseram toda a excepcional expressão de César. O resultado é tão impressionante que há quem defenda a indicação de Andy para o Oscar de Melhor Ator!

Por todas essas razões, não há porque desconfiar quando a Fox anunciar que Planeta dos Macacos: A Origem terá uma sequência. Pelo menos, não por enquanto.

Novas e interessantes comédias que você vai querer ver

2011-11-06T01:32:00.000-02:00

Fazer comédia, seja no cinema ou na tevê, não é trabalho fácil. Especialmente no cinema, onde é difícil medir o grau de aceitação do público durante a filmagem de uma cena ou a elaboração de um roteiro. Exatamente por isso, dificilmente uma comédia me agrada. Mas nos últimos dias, algumas novas produções cômicas chamaram minha atenção; resolvi escrever um breve post sobre elas.

Quero matar meu chefe (Horrible Bosses, EUA, 2011) - As "bromédias" estão na moda. São aqueles filmes com elencos majoritariamente masculinos, onde os personagens são amigos mais chegados que irmãos, que se metem em encrencas juntos, e cuja amizade ultrapassa quaisquer limites de aproximação: os caras simplesmente contam absolutamente tudo uns para os outros! Enfim, esse novo subgênero de comédia já rendeu bons filmes, como o primeiro Se beber, não case, e Ligeiramente Grávidos. Quero matar meu chefe é outro exemplo de uma boa "bromédia", além de ser uma paródia competente do mundo profissional. Nick (Jason Bateman) é um daqueles funcionários exemplares; ele chega ao escritório às seis, dedica-se como um condenado e engole todo tipo de sapo, tudo com o objetivo de ser promovido e não ter mais que aturar seu insuportável e perverso chefe, Dave (Kevin Spacey, excelente). Kurt (Jason Sudeikis) trabalha em indústria química e desde que seu patrão e amigo morreu, tem que aguentar o filho dele, Bobby (Colin Farrel), um idiota drogado que não dá a mínima para a empresa que seu pai construiu. Dale (Charlie Day) é assistente de uma dentista totalmente tarada (Jennifer Aniston), que vive o assediando sexualmente - Dale é noivo, e fiel, coisa rara nas comédias atuais. Para resumir a história, os três são amigos e resolvem que a melhor maneira de melhorarem suas vidas é matando seus chefes. É claro que, na tentativa de executar seu plano, muita confusão será armada e as cenas engraçadas vêm em profusão. Digna de nota é a participação de Jamie Foxx (vencedor do Oscar por Ray) como um ex-presidiário que vira uma espécie de consultor de assassinato para o atrapalhado trio de amigos. Ótima pedida para uma descompromissada sessão de cinema com os amigos.

Amor a toda prova (Crazy, Stupid, Love., EUA, 2011) - Steve Carell, Julianne Moore e Ryan Gosling estrelam essa comédia romântica leve com algumas situações de desencontros, típicas das comédias do gênero, muito interessantes. O casal Weaver (Steve e Julianne) se divorcia depois de muitos anos de casamento, e Cal, agora solteiro, precisa reaprender a arte da cantada e da "pegação". E para isso, entra em cena Jacob (Gosling), solteirão profissional, com uma lábia irresistível para as mulheres, que fica com uma diferente a cada noite. Outras duas tramas, aparentemente sem conexão com a trama principal, vão se desenrolando durante o filme, e o clímax guarda uma pequena surpresa que desencadeia a cena mais engraçada de Amor a toda prova. Sem sair da tendência atual das comédias americanas (que o cinema brasileiro tenta desesperadamente copiar, sem necessidade), o foco do roteiro se localiza na amizade de Cal e Jacob. O novo solteiro torna-se um pegador talentoso, e não será nenhuma surpresa para o espectador o fato de Cal perceber quem ele realmente ama, a despeito de todas as belas mulheres que conhece. Filme bacana, dirigido pelos realizadores de Papai Noel às avessas, Glen Ficarra e John Requa. Ainda tem no elenco Kevin Bacon, Emma Stone e Marisa Tomei, esta fazendo o mesmo papel há anos. Boa opção para assistir a dois.

O Retorno de Tamara (Tamara Drew, Inglaterra, 2010) - Stephen Frears tem uma filmografia que não se prende a gêneros. Fez comédias memoráveis (Herói por Acidente, de 1992 e Alta Fidelidade, de 2000), thrillers excelentes (Os Imorais, de 1990) e criou a imagem de Elizabeth II que se eternizará nas mentes do público em A Rainha (2006). Em O Retorno de Tamara, Frears não realiza seu melhor filme, mas ainda entrega uma comédia competente. Mas não me entenda mal, esta comédia não faz ninguém rir, mesmo sendo um bom filme. Trata-se de uma "dramédia", que conta a história da personagem-título (Gemma Arterton, de Príncipe da Pérsia - As Areias do Tempo), colunista de um jornal inglês, que volta à sua pequena cidade natal para reformar a velha casa que herdou da mãe e vendê-la. A volta de Tamara, entretanto, é apenas o estopim de uma série de eventos que conduzirão ao clímax, uma cena que justifica a inclusão da palavra "drama" na definição do filme.

Stephen Frears faz uma incursão no que poderia ser chamado de metafísica, já que seu filme usa uma forma de arte (o cinema) para falar de outra forma de arte (a literatura), pois toda a história gira em torno de uma fazenda que serve de pousada para escritores que buscam o sossego do campo para terminarem suas obras. Os personagens centrais da trama têm o seu charme, e Gemma Arterton está especialmente linda como a catalisadora dos acontecimentos da trama. Merece destaque também a jovem Jessica Barden, como uma colegial entediada que passa os dias sonhando namorar com um astro do rock. São tantas as subtramas e os personagens notáveis, que pode-se pensar no equívoco do título do filme, já que Tamara, mesmo linda, nem de longe é o que há de mais interessante na história. Vale a pena conferir. Mesmo.

Meia Noite em Paris

2011-11-03T19:19:00.000-02:00

Cineasta declaradamente apaixonado por Nova York, Woody Allen tem mudado os cenários de seus últimos filmes e experimentado uma renovação de seu público e uma espécie de recuperação de sua obra. Se Match Point e Vicky Cristina Barcelona exploravam as capitais europeias de Inglaterra e Espanha, respectivamente, neste Meia Noite em Paris, a cidade-fetiche do momento é a bela "Cidade das Luzes". E desde as primeiras tomadas, com imagens de uma Paris deslumbrantemente romântica, Allen mostra o quão apaixonante a cidade é. Mas seria apenas um filme cartão-postal, comercial de turismo, não fosse o delicado roteiro de Allen, que mescla as neuroses características de seus protagonistas (sempre alteregos do diretor) com a fantasia de viajar no tempo.

Gil (Owen Wilson, em seu melhor papel) é um roteirista de Hollywood, desiludido com o cinema, que está escrevendo um romance, com a intenção de abandonar a carreira na sétima arte e se dedicar à literatura. Melancólico e sonhador, ele vive com a certeza de que os anos 20 em Paris eram maravilhosos, muito melhores do que o tempo em que vive. Sua noiva, Inez (Rachel McAdams) é uma bela mulher, mas completamente diferente de Gil; ela quer se casar e morar em Hollywood, enquanto ele sonha em se mudar para a Cidade-Luz. Os dois estão em Paris a passeio, juntamente com os pais de Inez. Uma noite, depois de passar o dia com dois amigos pedantes e insuportáveis de Inez, Gil resolve passear pelas ruas da cidade para relaxar um pouco. Exatamente à meia noite, um carro antigo se aproxima e as pessoas que estão dentro chamam Gil para entrar; ele aceita o convite e se vê de volta à década de 1920, onde vive seu sonho.

As viagens duram sempre a noite inteira, e por várias noites Gil encontra personalidades artísticas e literárias de renome, que viveram em Paris naquela década. Dentre elas estão Ernest Hemingway, T.S. Eliot, F. Scott Fitzgerald, Pablo Picasso, Gertrude Stein, Luís Buñuel, Salvador Dalí e outros (não sabem quem são eles?Clique nos nomes e vá ver na Wikipédia!). Até Carla Bruni, primeira-dama da França dá as caras, no papel de uma guia de turismo. Como em A Rosa Púrpura do Cairo, que Allen dirigiu em 1985, em Meia Noite em Paris é um conto fantástico onde coisas surreais acontecem sem que haja qualquer explicação. Não que seja necessário, já que não é o fato surreal o foco do roteiro. Allen está mais interessado em ensinar a seu protagonista (e ao espectador) que não importa a época em que vivemos, contanto que vivamos intensamente e persigamos nossos sonhos.

Em meio a um desfile de tantas pessoas famosas, não há personagem mais importante do que Gil, que percebe ser o protagonista de sua própria vida. Não é de se estranhar, afinal cada protagonista de um filme de Allen é um retrato do próprio diretor, que expõe na tela suas angústias, neuroses e anseios. É como se cada filme do diretor novaiorquino fosse uma "nova aventura" de seu personagem recorrente, nesse caso, ele próprio. Meia Noite em Paris é um triunfo do diretor que aprendeu a se reinventar sem nunca perder os elementos que fizeram dele um criador que parece não esgotar suas ideias para tantos filmes.

Se enlouquecer não se apaixone

2011-11-02T18:09:00.001-02:00

Craig é um adolescente de 16 anos que aparentemente tem tudo: estuda em uma das melhores escolas de Nova York, tem uma família que se importa com ele, amigos muito legais. Mas ao mesmo tempo, sua mente está uma bagunça. Pressionado por seu pai para se candidatar a uma faculdade dentre as melhores do país, obcecado por uma linda garota que acontece de ser a namorada de seu melhor amigo, sem saber o que fazer, ele tem pensamentos suicidas, chegando ao ponto de buscar ajuda na ala psiquiátrica de um hospital público. Uma típica crise adolescente, alguns diriam. Mas o filme Se enlouquecer não se apaixone (It's kind of a funny story, EUA, 2010) trata com bastante sinceridade a adolescência, sem ser condescendente. Os diretores Anna Boden e Ryan Fleck entregam uma comédia sensível e emocionante, com uma mensagem muito positiva sobre um jovem em busca de autoconhecimento.

Se enlouquecer não se apaixone parece com outros filmes passados em hospícios, como Um Estranho No Ninho, quando se trata do desenvolvimento de personagens. São tipos muito interessantes e envolventes, com quem o espectador até se identifica. Ao abordar os problemas psíquicos que muitos de nós escondemos, o roteiro é de uma empatia pouco vista em comédias americanas, aliás, em comédias de qualquer parte do mundo.

E é divertido. Não é daquelas comédias dramáticas independentes que apenas deixam um risinho no canto da boca. Há momentos realmente engraçados. Os momentos de flashbacks do protagonista usam recursos narrativos bastante originais e diferentes, como a cena em que Craig (Keir Gilchrist) narra um momento romântico entre ele e Noelle (Emma Roberts, sobrinha de Julia Roberts).

Um ótimo filme para se ver numa tarde preguiçosa e, ao final da sessão, ter a sensação de ter assistido algo realmente bom.

No Brasil o filme passou longe das salas de cinema, indo parar direto em DVD e Blu-Ray. Aproveite!

Super 8 - Uma boa aventura para a Sessão da Tarde

2011-11-01T23:58:00.001-02:00

Poucos nomes surgidos no cinema do século XXI têm tanto a dizer e a contribuir com esta arte como J.J. Abrams. Depois de colocar a TV no novo milênio e fazer com que ela dialogasse com a internet e toda uma geração de fãs de ficção científica e mistério com a série Lost, Abrams não parou e migrou para o cinema, primeiro dirigindo um altamente subestimado Missão: Impossível 3, de longe o melhor filme da série até o momento; depois, o diretor foi para a produção de Cloverfield: Monstro, filmaço do gênero "terror com a câmera na mão"; a seguir, seu maior passo: a tarefa árdua de recriar uma das franquias mais duradouras e amadas da ficção científica, Star Trek. O resultado foi o melhor filme da série, fincando bases para novas sequências, novamente sob seu comando.

Mas poucos filmes foram tão falados e aguardados pela massa nerd este ano quanto Super 8, afinal de contas, não é todo dia que o criador de Lost é produzido pelo inventor dos maiores blockbusters de todos os tempos, Steven Spielberg. Toda a atmosfera criada pela divulgação a conta-gotas de informações como a sinopse do filme, o teaser que deixava todo mundo louco para ver mais e a quase nenhuma imagem prévia do monstro da história, tudo isso fez com que o público esperasse ainda mais por esse filme.

Mas, apesar de ter os nomes de Spielberg e Abrams envolvidos, Super 8 ainda era uma aposta arriscada. O elenco não trazia nenhum nome conhecido - o rosto mais reconhecível pelo grande público deve ser Noah Emmerich, que fez o melhor amigo de Jim Carrey em O Show de Truman -, não era uma adaptação de história em quadrinhos, nem era um recomeço de alguma franquia consagrada. Tratava-se de uma história totalmente original, o que só por isso já merece reconhecimento e aplausos, em uma Hollywood saturada por adaptações e remakes, mas não bastou para o público, que fez com que Super 8 fracassasse em solo americano. O filme não deu prejuízo, mas ficou longe de ser o sucesso que o estúdio esperava.

Entretanto, diante de tantas informações, resta a dúvida: o filme, afinal, é bom ou não? Para mim, fã confesso dos dois nomes envolvidos, admito que esperava mais, embora acredite que isso se deve à minha alta expectativa. Ainda assim, Super 8 é uma boa aventura à moda antiga, que lembra muito Os Goonies e E.T. - O Extraterrestre, ambos filmes da empresa de Spielberg, a Amblin. Trata-se de um daqueles filmes que, em um mundo perfeito, seria reprisado à exaustão na Sessão da Tarde (se esta ainda fosse a mesma de antes). Conta a história de Joe e seus amigos, que estão fazendo um filme com uma câmera de super 8, comum nos anos 80. Os garotos estão filmando em uma estação de trem afastada da cidade quando presenciam o violento descarrilamento de um trem militar. A cena é fantástica, justificando todo o dinheiro investido. Enquanto tentam se salvar de serem atingidos pelos vagões, a câmera é largada enquanto ainda gravava. Joe percebe que alguma coisa estranha arrebenta a porta de um dos vagões e faz um barulho estranho. Os garotos fogem do local, mas sabem que presenciaram mais do que um acidente, algo que o exército está tentando esconder do público.

É seguindo nesse mistério que toda a aventura se desenrola, mas apesar de todo o enigma envolvendo o tal monstro, e as cenas fantásticas de ação que o tem como protagonista, o foco principal do roteiro está nos personagens, muito bem desenvolvidos. Abrams explora com precisão a amizade de Joe e Charles, e o romance juvenil iniciado entre Joe e Alice. Há emoção, correria, explosões, e humor. Tudo o que faz de uma aventura algo bacana de assistir.

Interessante também observar que o filme não tem pressa em mostrar o monstro, deixando o público curioso até o clímax, onde tudo já está explicado. Não se vê muito isso nos filmes de hoje, que de cara já mostram a criatura tirando do público qualquer sabor de descoberta conforme se desenrola a história.

No final das contas, Super 8 é um desses filmes à moda antiga, que parece feito para marcar uma geração, como foi com Os Goonies e E.T.. Não sei se chegará a tanto. Mas que é uma aventura com a marca Spielberg de qualidade, disso ninguém tem dúvida.

Kung Fu Panda 2

2011-10-23T19:44:00.003-02:00

No ano em que a Pixar colheu suas primeiras críticas negativas em massa por Carros 2, a Dreamworks deu um grande passo para arrebatar o Oscar de Melhor Filme de Animação em 2012. Isso porque Kung Fu Panda 2, a sequência do ótimo filme de 2008, é simplesmente um dos melhores filmes do ano. Ao dar prosseguimento às aventuras de Po, o estúdio criado por Steven Spielberg fez uma sequência digna do filme original, chegando a superar o anterior.

O filme de Jennifer Yuh responde a muitas das perguntas deixadas pelo primeiro sobre a origem de Po, afinal, obviamente seu pai não é um ganso. E ao fazer isso, contar a origem do panda Dragão Guerreiro, a história chega a emocionar em muitas cenas. Estão lá todos os elementos que deram certo no filme original: a gula engraçadíssima de Po (Jack Black), o ar sereno e sábio do mestre Shifu (Dustin Hoffman) e os Cinco Furiosos, ainda mais sensacionais, bem como as lutas coreografadas perfeitamente e respeitando os fundamentos do kung fu.

Some a tudo isso uma abertura feita com uma belíssima técnica de animação (lembrando muito O Segredo de Kells, indicado ao Oscar deste ano), contando a origem de Shen (Gary Oldman), o vilão da história; toda a ação do primeiro filme triplicada sem ser irritante (lembra de Transformers 2?); um roteiro que em momento algum deixa o protagonista como coadjuvante (afinal, em Shrek todo mundo sabe que quem manda é o Burro) e ainda uma origem de encher os olhos d'água. Há ainda a inserção de animação tradicional nestas cenas da origem de Po, o que torna a experiência ainda mais envolvente.

Enfim, Kung Fu Panda 2 é um excelente filme de animação que de forma alguma subestima o espectador e agrada crianças e adultos. Pode ver sem medo.

Capitão América: O Primeiro Vingador

2011-10-23T18:32:00.001-02:00

A Marvel continua sua tarefa de construir no cinema seu vasto universo de personagens dos quadrinhos. Capitão América: O Primeiro Vingador é a penúltima parte desta missão, que chegará ao ápice em maio de 2012, com o lançamento de Os Vingadores.

Dirigido por Joe Johnston, o filme conta a história de Steve Rogers (Chris Evans), um franzino rapaz de Nova York que, em plena II Guerra Mundial, deseja se alistar para combater os nazistas em solo europeu. A despeito de sua vontade, Rogers não evita ser recusado em todas as tentativas de alistamento; ele é magro demais e tem um longo histórico de doenças, o que impede o exército de aceitá-lo em suas fileiras. Mas sua ousadia em tentar se alistar 5 vezes dando endereços diferentes a cada tentativa chama a atenção do Dr. Abraham Erskine (Stanley Tucci), que convoca Rogers a participar do programa do Super Soldado. Trata-se de uma experiência científica para criar um exército de homens mais fortes, velozes e inteligentes, capazes de derrotar o inimigo nazista. Steve é escolhido para ser o primeiro soldado a ter injetado o soro do Super Soldado e logo depois da injeção, ele se vê maior, mais forte, mais alto do que jamais pensou ser possível. Para não estragar mais nenhuma surpresa - já que nem todo mundo é leitor de quadrinhos inveterado como eu - não vou entregar surpresas interessantes e fantásticas que ocorrem durante o filme, mas basta dizer que, como todos sabem, Rogers torna-se o Capitão América e acaba sendo o único supersoldado do experimento do exército.

O filme é uma aventura de primeira linha, que remete às deliciosas tardes dos anos 80 e 90 da Sessão da Tarde, quando os filmes exibidos eram as aventuras de Indiana Jones, Star Wars e até Alan Quartermain, mas que tinham aquele ar nostálgico e sedutor. Afinal, eram apenas duas horas de diversão descompromissada e despretensiosa. Nada de se surpreender, afinal de contas Joe Johnston, o diretor, é o mesmo que realizou uma das melhores (e menos lembradas) adaptações de quadrinhos do cinema, isso quando ainda não era moda, Rocketeer, outra aventura digna de uma Sessão da Tarde.

Para aqueles que não se empolgam mais com filmes de super-heróis, Capitão América basta como filme de ação e aventura, mas os nerds leitores de quadrinhos se empolgarão com detalhes conhecidos apenas por eles, como a breve aparição do Tocha Humana original, a grande participação de Howard Stark, pai de Tony Stark (o Homem de Ferro), a caracterização perfeita do Caveira Vermelha (Hugo Weaving) e de Armin Zola (Toby Jones), grandes inimigos do Capitão América, e as várias referências a histórias clássicas do personagem.

Além disso tudo, é claro, há a preparação do público para a chegada do maior filme de super-heróis de todos os tempos, Os Vingadores, que reunirá Capitão América, Homem de Ferro, Thor, Viúva Negra, Gavião Arqueiro, Hulk e Nick Fury em uma (espero) sensacional adaptação cinematográfica.

No final das contas, Capitão América é um grande filme de aventuras e cumpre muito bem seu papel. O melhor filme Marvel depois de Homem de Ferro.

Trailer de 'Os Vingadores' já está no ar!

2011-10-11T19:17:00.000-03:00

Depois de muita espera, o primeiro trailer de Os Vingadores finalmente saiu! Agora sabemos quem será o grande vilão a ser enfrentado pelo supergrupo de heróis Marvel: Loki, o que parece bom, pois lembra o segundo volume de Os Supremos, onde os heróis também enfrentam o irmão adotivo de Thor, em uma batalha de proporções épicas. Dirigido por Joss Whedon (Buffy - A Caça-Vampiros e Serenity), o filme estreia em maio de 2012. Haja ansiedade até lá!

Confira:

Terra Nova: Spielberg! Dinossauros! Ação!

2011-10-11T15:25:00.000-03:00

Esperada por muitos fãs de séries de ficção científica, a nova série com produção executiva de Steven Spielberg, Terra Nova, estreou ontem (10 de outubro) no Brasil, com a exibição de um episódio duplo pelo canal Fox. A história começa no ano 2149, e logo de cara vemos que nosso planeta está morrendo. As pessoas precisam andar pelas ruas com máscaras de oxigênio para minimizar os danos respiratórios. A única chance se salvar a humanidade encontra-se na descoberta de uma fenda no tempo que tem como destino final o passado remoto do planeta, 85 milhões de anos atrás, quando os dinossauros dominavam o território.

Decide-se então enviar pessoas para o passado afim de estabelecer uma colonização, onde a humanidade poderá recomeçar do zero.

E é para a primeira colônia, Terra Nova que migra a família Shannon. Jim Shannon (Jason O'Mara) é um pai devotado que guia sua família neste novo mundo repleto de belezas ilimitadas, mistérios e terror. Sua esposa, Elizabeth, (Shelley Conn), é cirurgiã e integra o grupo médico de Terra Nova. Entre os filhos do casal está Josh (Landon Liboiron), um garoto de 17 anos que sente ter de abandonar sua antiga vida, mas se vê imediatamente atraído pela bela Skye (Allison Miller). Jim e Elizabeth também são pais de Maddy (Naomi Scott), uma adolescente de 15 anos que espera encontrar em Terra Nova a oportunidade de se reinventar. Embora os conhecimentos médicos de Elizabeth garantam a sua família um lugar nesta peregrinação, um segredo sobre sua filha caçula, Zoe (Alana Mansour), de 5 anos, colocará em perigo seu lugar nesta utopia.

Assim que os Shannon chegam a Terra Nova, logo são advertidos pelo comandante Taylor (Stephen Lang), pioneiro da primeira leva de colonizadores, que o local guarda perigos mortais. Apesar do céu azul, do verde deslumbrante e do ar puro, Terra Nova é uma comunidade cercada por dinossauros mortais - o episódio piloto mostrou o carnotauro e uma criatura denominada "slasher", bem como animais vegetarianos.

Aliás, o episódio piloto estabeleceu algumas perguntas que devem permear toda a série, como algumas pinturas de formas geométricas que Josh descobre existir nas pedras de uma cachoeira e a existência de uma segunda colônia, formada por dissidentes de Terra Nova, chamados de Os Sextos. Pensou em Lost? A impressão que se tem é a tentativa de se criar uma mitologia tão rica como a que havia na série de J. J. Abrams, com habitantes misteriosos - os Sextos são como os Outros - e mensagens misteriosas.

O ponto alto do piloto encontra-se no núcleo familiar dos Shannon, com Jim tentando recuperar o tempo que perdeu enquanto estava preso. Já os efeitos especiais com os dinossauros criados em CGI, que seria aquilo que os espectadores mais aguardavam, ficaram (muito) a desejar. A impressão que se tem é que os produtores fizeram tudo apressadamente e o resultado é aparente: dinossauros malfeitos, mesmo quando colocados em boas cenas de ação, como a que mostra o ataque dos slashers a um grupo de adolescentes que resolveram se divertir fora das cercas de Terra Nova.

Apesar desses defeitos, dá para entender que Terra Nova, mesmo com todo o hype, ainda é televisão e não cinema. E como série de TV, que precisa estabelecer o interesse do espectador para que este prossiga acompanhando o programa, a atração é bem sucedida. Terra Nova é interessante o suficiente para que quem viu uma vez queira continuar assistindo.

Terra Nova é exibido todas as segundas-feiras, às 22:00, no canal FOX.

A Árvore da Vida

2011-10-09T00:24:00.002-03:00

É muito difícil escrever sobre A Árvore da Vida. A gente procura, pensa, tentar imaginar palavras que descrevam a experiência de assistir a este épico, mas nada surge à mente, exceto sensações. O recluso diretor Terrence Malick (ele se recusa a dar entrevistas e há pouquíssimas fotos disponíveis dele) criou um conto religioso-filosófico repleto de significados que não podem ser todos apreendidos em apenas uma sessão.

Muito se falou das imagens belas, oníricas e majestosas do universo em seu início, toda a grandeza do cosmos retratada com cores vivas e uma trilha sonora simplesmente extasiante. Este início arrebatador serve como moldura para a história que se segue, sobre três irmãos crescendo sob uma criação rígida de seu pai (Brad Pitt) e o amor carente de disciplina da mãe (Jessica Chastain). O mais velho deles, Jack, passa a questionar as razões para tamanha rigidez do pai, e se vê desenvolvendo uma perversidade que pode ser perigosa; livre das amarras do pai, já adulto, Jack (vivido adulto por Sean Penn) é um homem alheio ao mundo moderno, repleto de angústia.

O que eu pude captar sobre A Árvore da Vida foi uma reflexão da pequenez do ser humano em relação à majestade do universo. Inexplicavelmente para nossa mente limitada, o universo nasceu; é quando o filme começa. Da mesma maneira inexorável, tudo termina. No meio disso tudo estão nossas vidas. Qual é, afinal, o significado delas? Há sentido nisso tudo?

Afora estas reflexões suscitadas pelo filme, há que se destacar também a belíssima fotografia de Emmanuel Lubezki, que coloca a câmera na altura das crianças, dando a sensação de que o espectador é parte da turma. A iluminação também é filmada magistralmente, com tons luminosos mesmo nos momentos mais angustiantes, como a cena da espingarda de chumbo.

Malick faz de A Árvore da Vida um filme não muito fácil de ser assistido, é verdade. Mas que fascina, a princípio pela beleza das imagens, mas depois pela possibilidade de se refletir sobre a insignificância da vida.

5x Favela, Agora por Nós Mesmos

2011-10-08T01:48:00.001-03:00

Nos anos 60, um grupo de jovens cineastas coordenado por Leon Hirszman realizou Cinco Vezes Favela, uma antologia de cinco curtas passados nos morros e subúrbios cariocas. Quase 50 anos depois, 5x Favela, Agora por Nós Mesmos propõe uma nova visão da mesma ideia dos diretores do Cinema Novo da primeira produção, desta vez coordenados por Cacá Diegues. A diferença está nos criadores das histórias, que desta vez são geradas dentro das próprias comunidades, com a direção e o roteiro a cargo dos próprios moradores de favelas. A ideia é que o protagonismo total de toda a obra seja deles.

O resultado final é interessante e agradável, o que faz de 5x Favela um exemplar honroso em meio a uma triste cinematografia brasileira, repleta de comédias rasas e bobas, carregadas de atores globais.

A cada história o que se vê são as vidas dos moradores representadas ali, em cena.

Em Fonte de Renda, um jovem consegue, a duras penas, a aprovação no vestibular de direito de uma universidade pública. Mas isso é apenas o começo, pois ele descobre a dificuldade que sente o pobre para manter-se estudando: transporte, alimentação, apostilas, livros, etc. Para bancar seus gastos, ele acaba se tornando um fornecedor de drogas dentro da faculdade.

Arroz com Feijão é uma dramédia com uma fina ironia. Dois meninos resolvem buscar conseguir dinheiro trabalhando nas ruas para que um deles possa comprar frango para sua família. A ironia está na cena em que depois de conseguirem o dinheiro necessário, os meninos da favela são assaltados por crianças de classe média, estudantes de uma escola particular. O melhor da antologia.

Concerto de Violino é uma história trágica, com tons shakesperianos. É o conto de três amigos de infância que seguiram caminhos diferentes na vida. Um deles tornou-se um policial corrupto, o outro virou traficante e a menina sonha em seguir carreira como violinista. Suas vidas se cruzarão em um último e dramático movimento.

Deixa Voar retrata com fidelidade imensa as tardes de pipa no subúrbio. É um retrato interessante, principalmente para quem sabe do que se trata. É o mais fraco dos curtas, por não trazer empatia junto ao público. Para quem não mora no Rio de Janeiro, como o público nordestino, fica difícil entender o fascínio que as pipas exercem sobre a juventude pobre carioca. Ainda assim, o final do curta traz uma bela mensagem de integração.

Acende a Luz é um relato de como o Estado deixa os moradores das favelas à sua própria mercê. Em plena véspera de natal, um grupo de moradores prepara sua festa sem energia nem água encanada. Um bem intencionado técnico da companhia de eletricidade tenta retomar a luz do local, e acaba se solidarizando com a situação da comunidade.

Em cada curta nota-se o esforço dos realizadores por imprimir com realismo e lirismo o duro cotidiano de quem vive nas favelas mas não se entrega à violência, tendo que se virar para levar adiante seus sonhos de simplesmente serem felizes. Muita leveza, graça e sensibilidade estão presentes nesta obra de alta qualidade.

Um filme que vale (muito) a pena.

Vamos falar de música: Gungor - Ghosts Upon the Earth

2011-10-04T22:22:00.002-03:00

Michael e Lisa Gungor

Uma das maiores carências na música pop atual é de criatividade. Fala-se da repetição de fórmulas batidas (tidas como "consagradas") e da utilização de clichês no que diz respeito a estrutura das canções. Por que toda e qualquer música TEM que ter estrofe, refrão, estrofe, refrão, ponte, refrão?

Para quem reclama dessa estagnação criativa da música moderna, ouvir um disco de Gungor é um alívio para os ouvidos. O grupo, que até 2008 chamava-se The Michael Gungor Band, vinha atraindo o interesse de um público sedento por novidades na música cristã há algum tempo, especialmente com seu álbum de 2008, Ancient Skies, no qual já flertava com o folk, apesar de ainda utilizar de muitas das fórmulas batidas. Em 2010, já denominado apenas Gungor, o grupo veio com Beautiful Things, um lindo disco que mudou totalmente a visão musical da banda. Muito menos "worship rock estilo Hillsong" e muito mais um folk-rock repleto de instrumentos, Michael e Lisa Gungor mostraram uma melhora imensa na construção lírica de suas letras e no desenvolvimento dos arranjos. A mudança radical de postura musical resultou em várias publicações especializadas apontarem Beautiful Things como o disco do ano.

Ghosts Upon the Earth, álbum imperdível

Mas eis que chegamos em 2011 e o incansável grupo lança Ghosts upon the earth. Basta colocar o disco para tocar e logo se tem a sensação do quão camaleônico o Gungor é. Nenhuma música, simplesmente nenhuma, é igual (ou semelhante) a outra.

Logo na primeira faixa, Let There Be, ouvimos a voz suave de Lisa Gungor entoando uma espécie de hino celta, embalado por um violão e um piano repleto de sentimentos, anunciando a criação descrita no livro de Gênesis. A canção segue em um crescente, até se tornar uma apoteose épica espetacular. Com um início arrebatador como esse, só resta ao ouvinte se render e não desgrudar os ouvidos do álbum até que este termine e nos deixe extasiados!

Brother Moon, a segunda faixa, é uma declaração da soberania de Deus. "Em ti vivemos / Em ti nos movemos / Em ti temos nossa existência / Tu és glorioso / Tu nos mantém juntos / Todos juntos".

Faixa a faixa, o disco mantém sua qualidade, com um instrumental impecável e letras de uma profundidade espiritual raramente encontrada. Em When Death Dies, ouvimos: "Quando a morte morre / Todas as coisas vivem".

Violoncelos, violinos, violões solenes e uma percussão marcante são características dos arranjos espetaculares deste disco excepcional, que sem dúvida coloca o Gungor como uma das bandas mais importantes na música pop atual, seja cristã ou secular.

Duvida? Então assista a esta performance acústica de When Death Dies. Prepare-se para ficar sem palavras.

A Conversação (da série 1001 Filmes)

2011-09-29T15:26:00.000-03:00

Um dos filmes menos conhecidos de Francis Ford Coppola, A Conversação (1974) é considerado pelo próprio diretor seu melhor filme. Os temas abordados pela obra, a solidão na sociedade urbana, a falta de privacidade e a competição, permanecem atuais e relevantes. Na trama, Harry Caul (Gene Hackman) é um especialista em vigilância, que trabalha gravando e filmando pessoas desconhecidas, seja através de grampos telefônicos, seja em operações complexas de vigilância, que envolvem várias pessoas perseguindo e apontando microfones para os alvos a ser vigiados. O protagonista tem pouco contato com seus clientes, e cada nova vigilância não passa de mais um trabalho, realizado friamente mediante um bom pagamento. Harry não sabe com que propósito seus clientes desejam que outras pessoas sejam vigiadas e tenham suas conversas gravadas, mas seu trabalho é esse e ele é o melhor no que faz. Mesmo assim, durante o filme descobrimos que Harry se considera responsável pela morte de três pessoas cujas vidas foram investigadas por ele.

Solitário e desconfiado de quem quer que seja, Harry não demonstra qualquer jeito para o trato social, passando suas noites em seu apartamento, tocando seu saxofone. As cenas de Harry Caul tocando jazz acompanhado de seus discos com uma plateia imaginária, estão entre as mais melancólicas filmadas na década de 1970.

Ainda durante os créditos iniciais acompanhamos a investigação conduzida por Caul que será o centro de toda a trama de A Conversação. O protagonista acredita que o casal que está vigiando encontra-se ameaçado de morte, o que faz com que ele hesite em entregar o resultado final de suas gravações para seu misterioso cliente (uma participação especial de Robert Duvall) e o assistente deste (um jovem Harrison Ford, atuando de maneira sinistra). No decorrer do filme o espectador segue o dilema de Harry e sua crescente desconfiança de tudo e todos à sua volta; ele teme estar sendo seguido e vigiado pelo seu próprio cliente, em uma tentativa de garantir que ele entregue as gravações obtidas do casal.

Tudo em A Conversação contribui para o clima de paranoia vivido pelo protagonista, desde a fotografia granulada e obscurecida até a trilha sonora jazzística. O roteiro não oferece saídas fáceis e o clímax do filme é de uma intensidade das mais sutis: calma, mas repleta muito mais de perguntas do que de respostas. É Coppola (e Hollywood) em seu auge criativo.

Os 15 filmes mais absurdamente "de macho" já feitos

2011-09-01T19:23:00.000-03:00

Com o futuro lançamento do novo Conan - O Bárbaro nos cinemas, o site da revista inglesa Empire decidiu reunir uma singela lista com os mais insanos filmes "de macho" de todos os tempos. São aqueles filmes cheios de testosterona, com personagens que engravidariam suas irmãs, com um charuto em uma mão e uma mini-metralhadora na outra. São filmes que fazem todo homem na terra (com exceção do The Rock e, talvez, do Anderson Silva) se sentir um pouco inadequado. Bem-vindo ao cinema macho!

Esses caras deixam todos os outros homens inadequados

1. Predador - Poucos filmes vão tão fundo na testosterona quanto este. Uma viagem totalmente insana às profundezas da selva, com uma tensão crescente e muitas (muitas mesmo) balas sendo disparadas para todos os lados. O elenco - permanentemente suado, é claro - praticamente emerge de seus uniformes militares, que certamente não cabem nos músculos dos caras. E isso é só o começo! O personagem de Sonny Landham corta seu próprio peito com uma faca gigantesca enquanto se prepara para enfrentar seu nêmesis; sem falar no líder do grupo, interpretado por Arnold Schwarzenegger, que encara um mano-a-mano com o sanguinário alienígena de dreadlocks! É sério. Não. Mexa. Com. Esses. Caras.

2. Velozes e Furiosos 5: Operação Rio - Esta franquia já chegou a flertar com o homoerotismo (sim, estamos falando de Mais Velozes e Mais Furiosos), mas neste último e melhor filme da série, o ponteiro está claramente apontado para "macho". Isso por duas razões: as perseguições mais eletrizantes já filmadas e a presença de Dwayne "The Rock" Johnson como um antagonista digno para o Dominic Toretto de Vin Diesel. Ainda mais suado que os soldados de Predador, The Rock faz parecer Schwarzenegger um fracote no papel do agente do Serviço de Segurança Diplomática dos EUA Luke Hobbs. O diretor Justin Lin recentemente declarou à Empire que a épica luta entre The Rock e Vin Diesel era originalmente três vezes mais longa; tinha uma estrutura de três atos e mais motivações dos personagens para cada movimento. Tivesse feito a cena como imaginou, talvez Justin Lin teria colocado o filme no topo desta lista.

3. Adrenalina - Em termos de pura e demente carnificina, este é o ápice dos filmes de ação modernos. As aventuras do assassino profissional Chev Chelios (o excelente Jason Statham), envenenado com "alguma porcaria chinesa" antes do filme começar e deixado para encontrar o antídoto durante o curto tempo que lhe resta, pode parecer mais do mesmo, mas só por um momento. O veneno particular de Chelio só pode ter seu efeito final adiado se ele mantiver seus níveis de adrenalina altos, fazendo com que ele comece brigas, roube carros, cheire cocaína, faça acrobacias de bicicleta e tenha relações com sua namorada em público só para se manter vivo. É um filme estranho e bizarro que só poderia ter saído das mentes insanas de Mark Neveldine e Brian Taylor, possivelmente os diretores mais desinibidos e machos-alfa em atividade hoje. A maior parte do filme seria ridícula e ofensiva se o roteiro se levasse a sério. Você vai rir, vai chorar até se engasgar com toda a loucura disso tudo.

4. Caçadores de Emoção - Como pode um filme dirigido pela agora oscarizada Kathryn Bigelow, com aqueles dois atores que sua namorada adora - um fez Dirty Dancing e o outro estava em Caminhando nas Nuvens - ser possivelmente "de macho"? Bem, talvez porque Caçadores de Emoção se trate basicamente de adrenalina, amor pelo perigo, viver no limite, como o Aerosmith cantou tão bem. Se nada mais houvesse no filme, a brilhante perseguição a pé entre o policial de Keanu Reeves e o assaltante de Patrick Swayze, terminando com o personagem de Reeves disparando sua arma, olhando para o alto e gritando "aaaaaahhhh" (quem nunca se imaginou fazendo isso? É só lembrar da comédia Chumbo Grosso). E caramba, o único grande filme ocidental com coragem o bastante de fazer do budista o vilão da história, merece um lugar aqui.

5. Maré Vermelha - Submarinos são naturalmente lugares para macho, tanto que mulheres não podiam servir neles (até recentemente, pelo menos). Mas alguns filmes de submarino são mais de macho que outros, e este só tira o lugar de O Barco, do Wolfgang Petersen, por conter um verdadeiro duelo de titãs como o que se vê entre o capitão Gene Hackman e o oficial executivo Denzel Washington. Enquanto Caçada ao Outubro Vermelho era centrado em um embate intelectual e um ato de ousadia, este é simplesmente um jogo de nervos, com o campeão Hackman enfrentando um pretendente ao seu trono como novo homem da marinha em Washington. Vamos admitir, porém, que há uma escorregada no machismo quando eles resolvem divagar sobre histórias em quadrinhos por um momento (macho raramente se vê em momento nerd), mas vamos deixar passar, afinal, os caras estão no meio de um arsenal nuclear.

Ele rasga a garganta de um cara com as mãos

6. Matador de Aluguel - Como é? Outro filme com o astro de Ghost? Na verdade, sim. Este é o filme no qual Patrick Swayze sai com o protótipo do macho-alfa Sam Eliott (qualquer um que consiga carregar aquele bigode é muito macho, se você quer saber) e depois rasga a garganta de um cara com as próprias mãos. Este também é aquele filme onde ele começa fazendo tai chi, dá uns amassos na Kelly Linch, e termina enlouquecidamente raivoso. Sem falar que ele rasga a garganta de um cara com as próprias mãos. Dalton, personagem de Swayze, pode alegar que "ninguém vence uma briga", mas francamente, a maioria das pessoas diria que o vencedor é o cara que rasgou a gargante de um cara com as próprias mãos.

7. Comando Para Matar - Enquanto Predador é, com alguma distância, um filme melhor, Comando Para Matar é tão ridculamente macho que consegue para Arnie uma segunda aparição na lista. Afinal de contas, é aqui onde ele ganha suas falas mais elegantes ("Ei, Bennett, não faça tanta pressão!") e onde ele mostra menos consideração por detalhes tais como realismo ou desenvolvimento de personagem. Enfrentando todo um time de patifes bombados, Arnie não vai parar por nada em sua missão de resgatar sua filha de sequestradores e, incidentalmente, impedir um ditador corrupto de recuperar seu país. Sim, esse cara é tão durão que sozinho pode barrar um ditador. Toma essa, OTAN.

Realismo? Isso não é coisa de macho!

8. Rambo III - Rocky pode ter os aplausos, todo aquele desenvolvimento de personagem, a história emocionante, mas Rambo - e em particular este, que é o mais ridículo de todos os filmes da série - tem os músculos, e uma história que inspirou milhões de imitações. Lá está Rambo, lutando de noite e construindo um templo budista durante o dia, quando seu antigo coronel aparece pedindo sua ajuda para levar mísseis Stinger aos afegãos durante a invasão soviética. Rambo se recusa - porque, como só homens de verdade podem, ele renunciou à violência - mas imediatamente muda de ideia quanto Trautman é capturado pelos vilões. Corta. Entra em cena escaladas de altas montanhas, voos de helicópteros, lançamentos de coquetéis Molotov e uma briga de galo entre um tanque e um helicóptero. Nenhum filme foi tão anos 80.

"Olha, Stallone, porrada é contigo, futebol é comigo, entende?"

9. Fuga Para a Vitória - Homens de verdade, sugere-se frequentemente, amam futebol da mesma forma como odeiam nazistas. Logo, homens que jogam futebol como meio de confrontar nazistas devem ser indivíduos seriamente masculinos. Mas sabe o que é ainda mais masculino? Decidir não executar seu plano de fuga no intervalo do jogo (amarelar é para covardes!) porque você quer ficar e derrotar os nazistas no campo. Isso requer muita, muita coragem. Baseado na história real do time do Dínamo de Kiev que jogou contra seus opressores nazistas e morreram em grande número em campos de trabalhos forçados, este filme pode ter um finalzinho feliz meio forçado e uma tentativa fracassada de Stallone de convencer como um jogador habilidoso, mas tem Pelé. E é um belo hino à macheza.

10. Meu Ódio Será Sua Herança - Se o game Red Dead Redemption tomasse drogas, o resultado seria um pouco parecido com Meu Ódio Será Sua Herança. Sam Peckinpah foi provavelmente o diretor mais macho, capaz de jogar John Huston para escanteio e um fornecedor de níveis de violência e vísceras à mostra chocantes para sua época. O filme abre com uma longa cena de carnificina sangrenta e até os momentos calmos, com homens grunhindo em volta de fogueiras, exalam testosterona. E então vem o final, um dilúvio de balas cruzando a tela e não deixando muito para contar a história. É uma visão fria e sombria da masculinidade, mas talvez a mais poderosa da nossa lista.

11. Comando Delta 2: Conexão Colômbia - Você não pensou mesmo que iríamos fazer uma lista dessas sem colocar Chuck Norris dando pelo menos um chute circular na cabeça de alguém, pensou? Honestamente. Este aqui tem de tudo: complicações desnecessárias na trama, missões de vingança para os heróis e vilões, resgate de reféns, helicópteros, tiroteios e todo o resto. E no centro de tudo isso, firme como um carvalho que ocasionalmente treina artes marciais, está o próprio Chuck. Não dá para evitar pensar o quão ilógico é um filme que se chama Conexão Colômbia se passar quase inteiramente na fictícia nação de San Carlos! Mas ninguém nunca disse que "macho" e "lógico" eram sinônimos. Na verdade são bem opostos, a julgar pela maioria dos filmes listados aqui.

12. Magnum 44 - Clint Eastwood é tão macho que sua filmografia inteira poderia ser incluída aqui (certo, talvez não As Pontes de Madison, mas até Os Aventureiros do Ouro o mostra bem masculino), mas nós escolhemos uma das aparições de Dirty Harry porque, bem, é de se admirar um homem que fez por merecer o apelido "Dirty" (Sujo) e carrega "a pistola mais poderosa do mundo". Este segundo filme com o policial de San Francisco o mostra lidando com sequestradores de avião, policiais corruptos, gangsters e - o pior de tudo - um chefe com o coração despedaçado que nunca disparou uma arma no cumprimento do dever. O filme também o mostra devorando um hamburguer suculento enquanto seu velho amigo fala sobre cenas de crime nojentas do passado, o que resume seu apelo central: frieza total.

13. 300 - Era uma vez 300 espartanos e um punhado de aliados que realmente defenderam uma passagem estreita contra um exército de (pelo menos) 250 mil persas por três dias vitais. Eles foram de verdade os protótipos da invencibilidade que os outros desta lista apenas fingem ser, logo o elenco da adaptação da graphic novel 300 (e o diretor Zack Snyder) tinham que ir fundo e pôr em prática um regime de treinamento que superasse a dureza para se provarem dignos de seus papéis e caberem naquelas cuecas de couro. A maior parte das falas mais legais vêm dos registros históricos: quando é dito que as flechas persas "bloquearão o sol", os espartanos realmente juraram "lutar na sombra"; quando ouviram que deveriam baixar suas armas, a resposta realmente foi: "Venham pegá-las". Com toda a conversa sobre homoerotismo (só porque os heróis estão quase nus), não dá para evitar pensar que a maioria de seus acusadores são simplesmente invejosos. Basta uma olhada e você acreditará que estes trezentos poderiam atrasar um império.

14. Red Scorpion - Sejamos justos: na Guerra Fria, havia homens viris em ambos os lados do conflito. E não havia ninguém mais viril do que Dolph Lundgren, que embora sendo sueco, incorporou o soviético ideal nas telas durante boa parte da década de 80. Ele é do tamanho da Bélgica e ainda parece que poderia derrubar Rocky com um soco. Esta produção fracassada mostra-o como um agente russo que decide trocar de lado e lutar contra suas próprias forças e consequentemente com as próprias mãos, conquista a liberdade e a democracia para uma nação inteira. Isso o habilita a um lugar nesta lista. Ponto bônus por sobreviver a uma tortura e sair dela com nada menos do que puro ódio.

Sim, Nicolas Cage sai andando de uma tremenda explosão

15. Con Air - A Rota da Fuga - O filme tem seu objetivo e o aproveita: é um filme insanamente macho e ao mesmo tempo uma ridicularização do gênero (veja também: Velozes e Furiosos 5). Afinal de contas, quem escala Nicolas Cage como seu herói durão e John Malkovich como principal antagonista sem ao menos perceber a bizarrice da situação? Quem faz de Steve Buscemi o membro mais assustador do elenco? Quem pensou que o cabelo de Cameron Poe (personagem de Cage) era uma boa ideia? Até mesmo os embates de músculos são impossíveis de se levar a sério: o ultimato "ponha o coelho de volta na caixa" é um exemplo clássico do roteiro que quer tanto ser macho que acaba sendo demente. Critique quem quiser, mas para onde quer que se olhe, há neste filme explosões, quedas, assassinatos e tiroteios o bastante para satisfazer. O herói até sai andando de uma explosão, como todo macho deve eventualmente fazer.

Rango

2011-08-31T20:02:00.000-03:00

Muitas animações são feitas na medida para agradar a todos os públicos, sem fazerem distinção entre crianças e adultos. Na verdade, a maioria dos filmes animados recentes têm este propósito. Rango, com Johnny Depp dublando o personagem-título e dirigido por Gore Verbinski (os três primeiros Piratas do Caribe), não apenas é desses filmes, como parece até mais voltado para os adultos. Isso porque tudo no filme, do visual dos personagens à fotografia um tanto opressivamente clara, é muito diferente das animações lançadas pelos grandes estúdios na história recente.

Johnny Depp é um solitário camaleão de estimação passando por uma crise de identidade, que durante uma viagem de carro em pleno deserto americano se vê jogado para fora do carro e acaba largado na terrível realidade de um deserto cruel e alucinadamente seco. Ele chega à violenta cidade de Dirt e logo se faz passar por um valentão. O camaleão diz se chamar Rango e conta uma história surreal sobre quando teria matado sete irmãos com um único tiro. Depois de (completamente por acaso) matar um falcão, Rango é promovido a xerife da cidade. Mas nosso herói ainda terá que descobrir quem realmente é, enquanto investiga o estranho racionamento de água que a cidade enfrenta.

São muitas as cenas memoráveis em Rango, como a fuga alucinada do protagonista pelo deserto, tentando escapar do mesmo falcão que ele virá a matar já na cidade; ou o diálogo inspirado de Rango com o prefeito de Dirt. O ótimo roteiro de John Logan (roteirista de Gladiador) não deixa pontas soltas e abre espaço para questionamentos filosóficos interessantes, como o que está escrito no cartaz do filme: Por que se disfarçar se você pode se destacar?

Recheado de referências a clássicos do cinema como Matar ou Morrer e Apocalypse Now - a Cavalgada das Valquírias é executada durante um ataque de toupeiras montadas em morcegos, em uma cena sensacional - Rango é um verdadeiro western filmado em computação gráfica, que utiliza um roteiro muito divertido e inteligente, ao mesmo tempo em que agrada ao público infantil com boas piadas e sem subestimar a capacidade intelectual dos pequenos.

Altamente recomendável.

Jane Eyre

2011-08-31T16:47:00.000-03:00

A mais nova das várias adaptações cinematográficas do romance de Charlotte Brontë publicado em 1847, Jane Eyre é um verdadeiro triunfo. Da fotografia deslumbrante quando precisa ser e sombria no momento certo à escolha do elenco, em sintonia e magistral, tudo no filme de Cary Fukunaga se encaixa com perfeição, cada frame contribuindo para a construção de uma das histórias de amor mais lidas e cultuadas da literatura mundial.

Jane Eyre tem início com a personagem título (Mia Wasikowska, de Alice no País das Maravilhas do Tim Burton) vagando em meios aos campos, parecendo sem rumo. Ela chega a uma casa simples, onde é acolhida por uma família. Logo somos transportados ao passado, para descobrirmos como Jane foi parar ali, desamparada e envergonhada. Descobrimos que ela é uma órfã criada pela tia que a detesta, e a envia para uma escola de meninas, onde é educada de maneira rígida. Já adolescente, Jane é mandada para trabalhar como preceptora na casa do sr. Rochester (Michael Fassbender, o Magneto de X-Men: Primeira Classe). Ela ensinará uma protegida do misterioso proprietário do local. Como já é esperado, Jane e o sr. Rochester se apaixonam e planejam se casar, mas Rochester guarda um terrível segredo que afetará Jane para sempre.

O elenco ainda é formado pela maior atriz britânica, Judi Dench, e pelo eterno Billy Eliott, o inglês Jamie Bell, como o jovem ministro em cuja casa Jane se abriga, e que logo se apaixona por ela.

Como na obra literária, o filme mostra uma protagonista sofrida, porém de opinião forte. Jane não abaixa a cabeça para ninguém, sempre se mostrando firme em seus conceitos. Ao questionar o papel da mulher numa sociedade vitoriana inglesa, o diretor Cary Fukunaga ajuda a apresentar uma personagem clássica a uma nova geração, sem que ela perca sua personalidade segura e inesquecível. Jane Eyre pode ser comparado a outra adaptação recente de um clássico da literatura inglesa, igualmente bem sucedida em seu resultado final: Orgulho e Preconceito. Ambos os filmes trazem personagens inesquecíveis e reviravoltas que contribuem para criar novos admiradores das obras originais.

Ainda não há previsão de lançamento de Jane Eyre nos cinemas brasileiros.

Piratas do Caribe: Navegando em Águas Misteriosas

2011-08-30T15:43:00.001-03:00

Confesso que fiquei com uma pulga atrás da orelha quando a Disney anunciou a produção de um novo Piratas do Caribe. Afinal, depois de dar claros sinais de cansaço com a terceira parte da franquia, No Fim do Mundo, o que menos se esperava era uma continuação daquelas aventuras. Com um roteiro muito confuso e pouquíssima ação, o terceiro filme mostrou-se uma decepção para o público, ainda que mesmo em meio a essa frustração, ainda era possível se divertir com as caras e bocas de Johnny Depp como o capitão Jack Sparrow.

E foi justamente com Sparrow em mente que o produtor Jerry Bruckheimer decidiu seguir adiante com a série. A nova possível trilogia deixaria de lado o casal formado por Orlando Bloom e Keira Knightley e se concentraria no carisma indiscutível de Johnny Depp. E assim foi. E Navegando em Águas Misteriosas é exatamente bem sucedido por colocar todo o peso do protagonismo sobre os ombros de Sparrow, quem sempre fora o personagem principal de fato.

O filme começa com Gibbs (Kevin McNally), imediato do navio Pérola Negra, sendo julgado por pirataria em Londres. Acontece que o juiz do caso não é ninguém menos que o próprio Jack Sparrow, que livra o amigo de ser enforcado, em um (quase) elaborado plano de fuga. Contar mais da trama, que está apenas começando, seria estragar o prazer de descobrir detalhes muito divertidos e interessantes de um roteiro bem esperto e criativo, sem apelar para subtramas irrelevantes, um dos muitos erros de No Fim do Mundo. Basta saber que Sparrow vai causar uma tremenda bagunça na corte do rei da Inglaterra, descobrir por onde anda o capitão Barbossa (Geoffrey Rush), se deparar com o mítico pirata Barba Negra (Ian McShane) e sua astuta filha (Penélope Cruz), navegar por águas habitadas por sereias e sair em busca da tão falada Fonte da Juventude, verdadeiro MacGuffin (quer saber o que é isso? Clique aqui) de Navegando em Águas Misteriosas.

Fator crucial para tamanha mudança de rumo da série foi a escolha de um novo diretor para conduzir a saga, Rob Marshall, cineasta acostumado com musicais de sucesso, como Chicago e Nine, mostrando-se muito confortável na direção de uma superprodução repleta de efeitos especiais e cercada de expectativa pelos fãs e desconfiados de plantão. Marshall não deixa a peteca cair, e conduz com muita propriedade a aventura milionária.

Como não poderia deixar de ser, o filme ainda termina com um gancho para uma sequência (que certamente acontecerá), preparando o terreno para uma nova franquia. Verdade seja dita, enquanto Johnny Depp não se cansar de Jack Sparrow, plateias do mundo inteiro ainda estarão dispostas a pagar ingresso para apreciar um personagem tão divertido. Com um roteiro bacana e um ótimo elenco de apoio, a experiência fica ainda melhor.

Thor

2011-08-29T22:40:00.000-03:00

Depois de consolidar seu espaço nas bilheterias e se tornar um dos estúdios de maior sucesso em Hollywood com Homem de Ferro, sua sequência de 2010 e O Incrível Hulk, o Marvel Studios dá continuidade à construção de seu universo dos quadrinhos no cinema, com a adaptação do deus asgardiano Thor. Um personagem bem menos conhecido que Homem de Ferro e Hulk, o Deus do Trovão se diferencia bastante dos outros dois heróis do panteão Marvel, por virar as costas para a ciência e a tecnologia e se voltar para a fantasia e a magia. Afinal, Thor é o Deus do Trovão, filho de Odin, que governa sobre Asgard, uma espécie de Olimpo na mitologia nórdica. Nada poderia ser mais fantasioso do que isso.

Apesar disso, o filme do inglês Kenneth Branagh ainda encontra um equilíbrio entre fantasia e ficção científica, ao dividir a trama em dois momentos: o primeiro mostra Thor (Chris Hemsworth) como um jovem príncipe de Asgard, impulsivo e belicista que deseja mostrar-se digno do trono de Odin (Anthony Hopkins) por meio da guerra contra o reino inimigo de Jotunheim, habitado pelos gigantes do gelo. Desobedecendo às ordens do pai, Thor reúne os guerreiros mais poderosos de Asgard - Loki (Tom Hiddleston), Volstagg (Ray Stevenson), Hogun (Tadanobu Asano), Fandral (Josh Dallas) e a guerreira Sif (Jaimie Alexander) - para atacar a terra dos gigantes do gelo em retaliação a um ataque destes à sala das relíquias de Asgard. A cena é impressionante, com Thor e seus amigos mostrando força e poder que destrói vários inimigos. Os guerreiros, porém se veem encurralados e são salvos após a intervenção do próprio Odin, que pune Thor por sua desobediência banindo-o para Midgard, conhecida por nós como Terra.

É quando a fantasia e a mitologia dão lugar à ciência, no segundo momento do filme. Desprovido de seus poderes, Thor conhece a astrofísica Jane Foster (Natalie Portman) e sua equipe de cientistas que investiga estranhas tempestades no deserto do Novo México. Jane mal desconfia que está prestes a descobrir a realidade de uma outra dimensão, onde vivem deuses superpoderosos que habitam uma civilização avançadíssima.

Claro que Thor aprenderá a deixar de lado sua arrogância para provar-se digno de empunhar Mjolnir, o mítico martelo dos deuses que só ele pode segurar. No meio disso tudo ainda há tempo para um esperado romance com Jane e, obviamente, as aguardadas aparições de personagens importantes do universo Marvel que terão mais espaço no futuro filme da superequipe Os Vingadores, que já está em plenas filmagens.

A atuação de Chris Hemsworth no papel principal é digna de nota. O ator desconhecido mostra-se bem à vontade ao encarnar um personagem com tamanha carga dramática, e Thor está bem representado nas telas. Todo o elenco está ótimo, com exceção de Rene Russo, como a mãe de Thor, que por aparecer muito pouco, mal chega a ser mencionada pelos críticos, ou lembrada pelo público.

O resultado final de Thor é uma aventura de proporções épicas, e boa dose de emoção, mas que perde um pouco seu ritmo e grandiosidade quando tenta ser engraçadinha, especialmente pela presença da personagem de Kat Dennings, uma assistente de Jane Foster que para nada mais serve além de ser o alívio cômico. Nada que não possa ser deixado de lado diante de um filme tão legal, que coloca mais um tijolo no universo Marvel nos cinemas.

Com mais de 400 milhões de dólares arrecadados nas bilheterias mundiais, não há nada mais previsível do que dizer que a Marvel ainda tem muito a fazer no cinema, brindando o público com novos e fascinantes personagens a cada ano. E que venha Os Vingadores!

Soul Surfer - Coragem de Viver

2011-08-24T16:52:00.000-03:00

Algumas histórias de pessoas reais são tão marcantes que merecem ser contadas a um público maior. A história de Bethany Hamilton é um exemplo. Havaiana, surfista desde os oito anos, aos treze Bethany descansava em sua prancha depois de pegar muitas ondas, quando um tubarão arrancou seu braço direito. Após o período de sofrimento por ter perdido um membro tão importante, Bethany resolve voltar a surfar e descobre que coisas boas podem surgir de terríveis acontecimentos.

Soul Surfer - Coragem de Viver é um desses filmes que os pessimistas de plantão detestam, mas que cumpre com honras sua tarefa de inspirar e servir de motivação para muitas pessoas como Bethany, que tinham tantos planos que foram modificados brutalmente pelas circunstâncias trazidas pela vida. Bem produzido, o filme dirigido por Sean McNamara brinda o espectador com ótimas cenas de surfe, filmadas do ponto de vista da surfista. Além das cenas de esporte, já esperadas pelos espectadores, Soul Surfer também mostra boas cenas dramáticas, tarefa facilitada pelo elenco afiado, que conta com a ganhadora do Oscar Helen Hunt (Melhor é Impossível), o veterano Dennis Quaid (Alta Frequência) e a linda AnaSophia Robb, que já havia feito muita gente chorar em Ponte Para Terabítia, assumindo o papel principal como muita propriedade e exalando emoção em cada frame.

O filme foi uma das surpresas do ano na bilheteria, com um orçamento modesto de 18 milhões de dólares, tendo rendido 40 milhões. A trilha sonora, liderada pela cantora cristã Britt Nicole, ainda se encontra na lista dos álbuns cristãos mais vendidos da Billboard, o que mostra a força de filmes com mensagens positivas sem apelar para pieguice e clichês do gênero.

Vale a pena conferir Soul Surfer - Coragem de Viver.

Conspiração Americana

2011-08-15T22:31:00.000-03:00

James McAvoy vem aos poucos pavimentando seu caminho para se tornar um astro no panteão de Hollywood. A cada novo filme o ator vem provando seu talento, ao contracenar com colegas do mais alto calibre na Meca do cinema, como Angelina Jolie (Procurado), Keira Knightley (Desejo e Reparação) e agora Kevin Kline, neste Conspiração Americana, filme que marca a volta à direção de Robert Redford.

O filme de tribunal conta a história de como se deu o julgamento dos responsáveis pela conspiração que resultou no assassinato do presidente Abraham Lincoln, mas focando especialmente no caso de Mary Surrat, mãe de um dos conspiradores, John, cujo único crime foi o de ter dado à luz seu filho. James McAvoy está excelente no papel de Frederick Aiken, advogado que lutou na Guerra Civil contra o exército dos confederados a favor da União. Aiken é encarregado da defesa de Mary (Robin Wright, ex-senhora Sean Penn, que ficou marcada por seu papel em Forrest Gump - O Contador de Histórias), mesmo acreditando na culpa da ré.

Conspiração Americana é um desses filmes que se utiliza de um fato histórico conhecido para apontar para uma situação atual, neste caso a paranoia que tomou conta dos EUA depois dos ataques de 11 de setembro, com as autoridades acusando qualquer um que sequer parecesse árabe. No caso do filme em questão, o assassinato de Lincoln gerou no Secretário da Guerra, Edwin Stanton (Kevin Kline), um desejo que a justiça fosse deixada de lado e a vingança fosse executada à sua maneira.

Em um momento emblemático do filme, o promotor (Danny Huston) declara ao advogado de defesa a frase que resume todo o filme: "Em tempos de guerra, a lei silencia."

O que é questionado na obra de Robert Redford é até onde deve-se ir para dar culpados ao povo. O personagem de James McAvoy se questiona a respeito e vai até as últimas consequências legais na defesa de Mary Surrat, ainda que seja um caso perdido.

A bela reconstituição de época e a fotografia deslumbrante são elementos adicionais que tornam Conspiração Americana ainda mais interessante. O filme está previsto para estrear nos cinemas brasileiros em setembro, mas dado o resultado pífio nas bilheterias americanas, eu apostaria no lançamento direto para DVD em terras brazucas.

Fica a recomendação de um ótimo drama de tribunal e um filme que levanta questões cruciais concernentes à contrariedade entre justiça e vingança.

Vamos falar de música: Brandon Heath - Leaving Eden

2011-08-07T01:58:00.000-03:00

Brandon Heath nasceu no Tennessee e sua veia musical apenas reforça o apelido que o estado ganhou de "Capital da Música Country". Apesar do apelido, Brandon Heath não é cantor country, apesar de por vezes flertar com o estilo, ao utilizar-se do country/folk em muitas de suas canções. Depois de lançar com muito sucesso os álbuns Don't Get Comfortable (2006) e What If We (2008), vencer o Dove (Oscar da música cristã americana) de Melhor Novo Artista e ser indicado ao Grammy como Álbum Gospel do Ano em 2009, o cantor e compositor volta a lançar um disco de inéditas, entregando ao público o belo Leaving Eden.

Ok, Heath não é um primor de originalidade quando se trata da estrutura das suas canções. Cada uma delas (com pouquíssimas exceções, como a canção de alerta Might just save your life) tem tudo bem definido: duas estrofes, refrão, ponte e o refrão repetido com aquela pequena pausa para causar impacto ao ouvinte. Apesar desse apego à escola de composição de músicas pop, Heath consegue conquistar fãs simplesmente porque suas canções são muito bonitas!

Suas letras não fogem de retratar o cotidiano sob um ponto de vista cristão, trazendo as mensagens bíblicas de uma maneira que qualquer um consiga entendê-las. Na canção que abre e dá o título de Leaving Eden, o compositor diz que "Pessoas estão perdendo suas casas em furacões", uma clara alusão aos desastres naturais cada vez mais frequentes nos EUA. A mensagem da música é que em meio a tantas coisas ruins, materialismo, desastres e perdas, a impressão que se tem é que estamos "deixando o Éden", o paraíso, saindo de nosso ambiente original.

Em Your Love, o primeiro single do álbum, Heath traz uma singela mensagem exaltando o amor de Deus, como a única coisa que importa na vida.

Stolen é uma canção de resgate, com versos que retratam Deus perseguindo aqueles a quem ama, sem jamais desistir, até que nosso coração seja "roubado".

The One conclama o ouvinte a fazer a diferença, a não permitir que mais nenhuma criança passe necessidade, que mais nenhuma família seja desfeita. É uma letra realmente impactante.

Além da beleza das letras, Brandon Heath soube inovar na divulgação de Leaving Eden, ao produzir vários vídeos na série chamada The Leaving Eden Sessions, e disponibilizá-los em seu canal no YouTube. São pequenos filmes que mostram Heath e sua banda tocando versões acústicas de cinco faixas do álbum em cenários inusitados, como um sebo e uma barbearia. Além de cantar e tocar, Brandon também fala um pouco de cada canção.

Vale a pena descobrir Brandon Heath.

1º Trailer de 'O Espetacular Homem-Aranha' no ar!

2011-07-21T19:13:00.001-03:00

Finalmente saiu o tão aguardado 1º trailer de O Espetacular Homem-Aranha reboot da franquia aracnídea da Marvel, dirigido por Marc Webb (de (500) Dias Com Ela).

Pelo que se vê no trailer, este novo começo tratará do passado dos pais de Peter Parker, e terá uma participação maior do dr. Curt Connors, que se torna o vilão Lagarto. No final do vídeo, temos a perspectiva do herói pulando pelos prédios de Nova York, e só vemos o uniforme quando ele se aproxima de um prédio espelhado.

Particularmente achei bem interessante o trailer. É claro que a decisão de reiniciar uma franquia com filmes tão recentes é algo questionável, mas o diretor Marc Webb parece focado em dar uma nova visão do herói aracnídeo. A cena em que Peter é picado pela aranha acontece em um laboratório que lembra os cenários de Tron - O Legado. E Andrew Garfield parece perfeito no papel, um Peter ainda mais isolado na escola e ainda mais genial do que Tobey Maguire.

O filme, em 3D, estreia em 3 de julho de 2012 nos EUA.

Confira o trailer:

Contra o Tempo

2011-07-11T00:14:00.000-03:00

Diretor de Lunar entrega ficção científica intrigante e envolvente

Mal começa Contra o Tempo (Source Code, EUA, 2011), um homem acorda dentro de um trem, sentado em frente a uma bela jovem. Ele não sabe como foi parar ali, nem porque a moça o chama de Sean. Ainda desnorteado, o homem - que afirma se chamar capitão Colter Stevens - ainda tenta entender o que está acontecendo, e ao se olhar no espelho o que vê é o rosto de outra pessoa. Não haverá muito tempo para que ele se acostume com aquela estranha e perturbadora situação. Isso porque dali a oito minutos, o trem irá explodir.

Assim começa o intrigante filme de Duncan Jones (diretor de Lunar), daqueles filmes que prendem a atenção do espectador até o último minuto. Após a explosão o capitão Colter Stevens (Jake Gylenhaal, de Príncipe da Pérsia e O Segredo de Brokeback Mountain) acorda em uma espécie de cápsula, onde é informado que se encontra em um projeto militar americano denominado Código Fonte. Trata-se de um programa de computador (ou algo assim) que permite que a mente de alguém seja inserida no corpo de outra pessoa, exatamente oito minutos antes dessa pessoa morrer, quantas vezes forem necessárias. Nesse caso, Stevens entra na mente de um professor, e sua missão é encontrar o terrorista responsável pela bomba no trem, para impedir que outra bomba exploda em plena Chicago.

A partir daí, Stevens viverá a mesma cena repetidas vezes, aumentando seu nível de desespero e tensão a cada vez, para encontrar o responsável por aquela tragédia. É claro que o filme ainda reserva uma boa porção de reviravoltas, tentativas de salvar a vida da mocinha (Michelle Monaghan, de Missão: Impossível 3) e questionamentos interessantes sobre mudar o destino de alguém e como isso pode afetar o destino de todos à sua volta.

Contra o Tempo é um tremendo exercício de estilo, quase um Feitiço do Tempo versão rock'n'roll, onde o personagem vive uma mesma situação repetidas vezes. O diretor Duncan Jones não pesa a mão e mantém seu estilo fluido de contar uma boa história. Além de provar que sabe lidar com orçamentos maiores (Lunar foi feito com alguns trocados). Quanto ao espectador, a diversão está garantida. Mas isso não é Transformers. A história é boa e é parte integrante do filme. Mesmo.

Contra o Tempo estava marcado para ser lançado no Brasil pela Imagem Filmes em 17 de junho, mas até agora nada de lançamento. Assim que uma nova data for marcada, atualizaremos este post.

Sobre Estar Errado

2011-07-09T09:50:00.001-03:00

Dando uma pausa no tema 'cinema', decidi postar aqui e compartilhar com meus caros leitores esta palestra que descobri em TED.com, um site sensacional com milhares de palestras de todos os tipos: motivacionais, sobre inovação, inventos, filosofia, música, arte e outras (muitas) coisas mais, sendo muitas delas legendadas em português. Nesta palestra, gravada em março deste ano, a escritora Kathryn Schulz fala sobre como estar errado - ou admitir que estamos errados - pode ser bom. Assista e entenda o que ela quer dizer. Depois, se desejar iniciar o debate, comente.

Cavalo de Guerra - novo filme de Spielberg tem primeiro trailer

2011-07-06T00:06:00.000-03:00

Dois filmes com o toque de Spielberg em um ano só é bom demais. Este ano, a Dreamworks lança os dois quase simultaneamente: As Aventuras de Tintim estreia em 23 de dezembro, e Cavalo de Guerra no dia 28 (no Brasil, em 6 de janeiro de 2012).

O primeiro trailer já dá uma prévia do que se pode esperar: cenas épicas de batalha, história emocionante e uma trilha sonora inesquecível do mestre John Williams.

Na trama, em 1914, Joey, um potro com um sinal em forma de cruz no focinho, é vendido ao exército e enviado à Europa, onde se desenrola a Primeira Guerra Mundial. Entregue a um oficial, o animal se torna um cavalo de batalha, testemunhando o horror do conflito na França. A coragem de Joey toca os soldados, enquanto o cavalo sofre pela ausência de Albert, o filho do fazendeiro que ele deixou para trás. Será que ele verá seu dono verdadeiro outra vez?

O novato Jeremy Irvine interpreta Albert. Benedict Cumberbatch (da série inglesa Sherlock Holmes), Patrick Kennedy, Tom Hiddleston (de Thor e Wallander), David Thewlis, Peter Mullan e Emily Watson também estão no elenco, entre outros. O roteiro é de Lee Hall (Billy Elliot).

Confira e deixe sua opinião.

A Marca da Maldade (da série 1001 Filmes)

2011-07-03T23:30:00.000-03:00

Orson Welles só dirigiu e co-estrelou este A Marca da Maldade (Touch of Evil, EUA, 1958) por causa da insistência do astro do filme, Charlton Heston, junto aos produtores. O diretor de Cidadão Kane entrou a bordo da produção, rasgou o roteiro que seria de um filme policial comum e escreveu um script inteiramente a partir do romance pulp original, Badge of Evil, de Whit Masterson, criando um clássico imperdível.

A técnica arrojada de Welles é notável em cada frame, desde o sensacional plano-sequência de abertura ao clímax, cheio de suspense. Logo na abertura uma grua passeia por uma cidade mexicana de fronteira, onde vemos toda a agitação noturna do lugar, com bares, boates, pessoas passeando pelas ruas. Entre essas pessoas estão o honesto detetive mexicano Miguel 'Mike' Vargas (Charlton Heston) e sua noiva americana Susan (Janet Leigh), que estão atravessando a fronteira para tomar um sorvete. Momentos antes se vê um homem não-identificado levando uma bomba, que será colocado em um carro de alguém importante. O carro explode e logo Vargas se vê no meio de uma disputa sobre a jurisdição do caso, já que o carro saiu do México com a bomba e explodiu nos EUA. Essa disputa se dará com o capitão Quinlan (Orson Welles) um asqueroso policial americano com a reputação de sempre resolver seus casos. Enquanto Vargas se vê às voltas com a investigação deste caso, sua noiva será vítima da perseguição da família de um traficante investigado por Vargas, criando um suspense por vezes insuportável, tamanha a tensão presente nas cenas.

O elenco central está perfeito, com destaque para Orson Welles, que encarna com maestria o policial corrupto. Welles já estava gordo na época, mas ainda usou enchimento e um nariz falso para demonstrar mais ainda o quão asqueroso ele podia ser. Já Heston, que a primeira vista não convence como um policial mexicano, leva com muita elegância seu papel, combinando a honestidade incessante com o desespero de ver sua amada nas mãos de malfeitores violentos.

Quinlan (Welles), sendo encarado por Vargas (Heston): duelo clássico

O diretor Orson Welles mostra em A Marca da Maldade o quanto estava à frente de seu tempo. Cada tomada é completamente diferente do que se fazia em Hollywood na época. As sequências com carros (as câmeras foram colocadas nos automóveis), o clima sombrio digno dos melhores noir da história, e a trilha sonora moderna de Henry Mancini.

À época do lançamento o estúdio impôs ao diretor uma edição que se opunha à visão que este tinha para o filme, mas em 1998 uma nova edição foi lançada, feita conforme as anotação do próprio Welles. Entre as mudanças mais notáveis que foram feitas está a cena de abertura, que no lançamento em 1958 era prejudicada pela presença dos créditos; mal se via toda a dinâmica do plano-sequência, fundamental para a compreensão da história. Há também mais tensão nas cenas em que os bandidos preparam a emboscada da noiva de Vargas.

Tudo isso contribui para que A Marca da Maldade figure entre os melhores filmes de todos os tempos, e certamente um dos cinco melhores do gênero noir. Absolutamente imperdível.

O Homem do Futuro - trailer da nova comédia com Wagner Moura

2011-07-01T09:25:00.000-03:00

O Homem do Futuro, a nova comédia de Cláudio Torres (Redentor, A Mulher Invisível), ganhou o seu segundo trailer.

Na trama, Zero (Wagner Moura) é um cientista genial, mas arrogante e infeliz, que há 20 anos foi humilhado publicamente na faculdade e perdeu o grande amor de sua vida, Helena (Alinne Moraes). Prestes a ser demitido, Zero aciona, antes de totalmente concluído, o acelerador de partículas mais barato do mundo. O experimento dá errado, o cientista acidentalmente volta ao passado - e se vê diante da chance de alterá-lo.

O Homem do Futuro estreia em 2 de setembro.

Valente - Teaser Trailer do novo filme da Pixar!

2011-06-27T16:58:00.000-03:00

Enquanto desfruta do sucesso (mais uma vez), com a bilheteria de 68 milhões de dólares no fim de semana de estreia de Carros 2, a Pixar começa a mostrar seu novo filme, desta vez sem continuações. É Valente (Brave), que conta a história de Merida um jovem de origem nobre mas cujo desejo é se tornar uma arqueira. A jovem toma uma atitude impensada e acaba por colocar em risco todo o seu reino e a vida de sua família. Pelo teaser, tenho a sensação de mais um daqueles filmaços Pixar, como só esse estúdio sabe fazer. Confira:

Valente estreia em 22 de junho de 2012.

Capitão América - O Primeiro Vingador: Trailer Dublado

2011-06-23T22:26:00.001-03:00

Um dos filmes mais aguardados do ano ganhou mais um trailer, lançado dublado em português com exclusividade pelo site Omelete. Trata-se de Capitão América - O Primeiro Vingador, cujas notícias tenho acompanhado com afinco desde o anúncio de sua produção. Dirigido por Joe Johnston (Rocketeer, Jurassic Park III, Mar de Fogo), o filme mostra Steve Rogers (Chris Evans), um franzino morador do Brooklin durante a 2ª Guerra Mundial, que é recrutado para um programa ultra-secreto do governo estadunidense, o Supersoldado. Ele então se torna o Capitão América, lutando contra a terrível e misteriosa organização conhecida como Hidra, e seu líder, o Caveira Vermelha (Hugo Weaving).

O trailer manteve minha confiança no Marvel Studios, e fiquei ainda mais ansioso para assistir. Assista e tire suas próprias conclusões.

Capitão América - O Primeiro Vingador estreia nos EUA em 22 de julho e no Brasil no dia 29.

Os Agentes do Destino

2011-06-22T22:45:00.001-03:00

Matt Damon em um romance sci-fi inesquecível

Dificilmente um filme este ano gerará tanta reflexão pós-sessão como Os Agentes do Destino (The Adjustment Bureau, EUA, 2011). Muito mais do que um romance de ficção científica, o filme de estreia na direção de George Nolfi (roteirista de O Ultimato Bourne) é um manifesto em favor do poder que nossas escolhas tem no curso de nossas vidas.

David Norris (Matt Damon) é um jovem deputado de Nova York muito próximo de ser eleito senador por seu estado, até que um escândalo o tira da disputa. No dia da eleição, David conhece Elise Sella (Emily Blunt, linda), uma mulher diferente de todas as outras que ele já conheceu. O amor é quase imediato, como consequência de um dos melhores diálogos românticos (ou quase isso) dos últimos anos no cinema. [O último diálogo marcante entre dois futuros apaixonados que consigo me lembrar foi em Encontro Marcado, de 1998, entre Brad Pitt e Claire Forlani, logo no começo do filme.]

Mas o casal não terá vida fácil, porque misteriosos homens de chapéu farão de tudo para separá-los. Eles são os Agentes do Destino (ou Departamento de Ajuste, conforme o título original), responsáveis por fazer com que todos os seres humanos tomem as decisões certas, quer dizer, pelo menos de acordo com o Destino.

Falar mais estragaria o prazer de acompanhar a luta de David para ficar com a mulher que ama, uma luta intensa e cheia de correria e lances excelentes.

Ponto para o diretor George Nolfi, que pegou um conto de Philip K. Dick (autor de contos que deram origem a Blade Runner - O Caçador de Androides e Minority Report - A Nova Lei, entre outros) e escreveu o roteiro, tornando Os Agentes do Destino um daqueles filmes que, ao subirem os créditos, fazem com que falemos: "Uau! Que filme!"

Acredite. Quem vê esse filme não esquece tão cedo.

Sucker Punch - Mundo Surreal

2011-06-22T19:07:00.000-03:00

Pode-se falar qualquer coisa sobre Zack Snyder: é um diretor repetitivo, com um repertório curto de tomadas em cenas de ação, com poucos triunfos cinematográficos dignos de nota. Mas uma coisa não se pode dizer: Snyder é um cineasta com um apuro visual para o cinemão comercial como poucos em sua geração. Somente ele poderia conceber Sucker Punch - Mundo Surreal, uma verdadeira salada dos mais variados subgêneros ação/sci-fi/fantasia encontrados no cinema. Uma salada nerd, eu diria.

As primeiras imagens do filme causaram furor nos fóruns, blogs e redes sociais por toda a rede. Os cartazes mostravam garotas lindas - na maioria atrizes desconhecidas - segurando armas, com roupas minúsculas, emolduradas por cenários caprichados. Ou seja, tudo o que há de mais legal para um nerd. O único porém: ninguém fazia a menor ideia do que se tratava Sucker Punch. O que sabíamos eram pílulas a respeito da trama, mas que não davam nenhuma pista clara sobre o enredo.

Quando vieram os trailers, as cenas eram de cair o queixo, com as heroínas arrebentando em cenas de ação sensacionais, lutando contra samurais, orcs, soldados-zumbi da II Guerra e robôs ultracool. Queixos caíram novamente. E eu fiquei doido para assistir.

Finalmente pude ver e conferir se toda a expectativa gerada em torno do filme - o primeiro roteiro totalmente original filmado e escrito por Snyder - se justificava. Triste constatação: Sucker Punch - Mundo Surreal tem algumas das cenas de ação mais incríveis do ano (apesar de algumas emularem outro filme de Snyder, 300), com um visual extremamente interessante, mas o filme não engrena no que diz respeito ao ponto principal: o roteiro.

A personagem principal é Baby Doll (Emily Browning), uma jovem que é internada em um hospício muito suspeito por seu padrasto, depois de ver sua mãe e irmã morrerem. Sem desistir de viver, ela bola uma fuga da instituição, juntamente com as outras meninas que conhece ali. Mas como se fosse para esquecer de sua situação, ou para ter forças para lutar, Baby Doll cria mundos em sua mente, nos quais lutará para alcançar determinados objetivos. É nesses mundos que a luta pela fuga do hospício acontece. Cada objeto que ela e suas amigas precisam obter para executar seu plano é motivo para uma nova cena de ação em um mundo de fantasia, sempre com o apuro visual de sempre.

O problema é que o roteiro de Snyder nunca se aprofunda em seus personagens, se preocupando muito mais em criar desculpas para os devaneios de Baby Doll do que em fazer com que o espectador de fato se preocupe com as heroínas. O desleixo é tamanho que quando algumas delas morrem, não nos importamos. Apenas queremos ver quais serão as próximas cenas de ação, já que o drama e os diálogos que acontecem entre elas não são interessantes.

A pergunta é: vale a pena a sessão de Sucker Punch - Mundo Surreal? Eu diria que sim, em uma daquelas tardes de domingo, com a galera reunida para uma boa rodada de pipoca e refrigerante e muita bagunça. Mas se você já passou dessa fase e procura um filme mais estimulante do ponto de vista da trama, definitivamente este não é o seu filme.

Hanna - "Conto de fadas" de ação e espionagem

2011-06-22T15:35:00.000-03:00

Seguindo a onda de meninas fatais, treinadas para serem assassinas impiedosas (lembra da Hit-Girl, melhor personagem de Kick-Ass - Quebrando Tudo?), ou com muito sangue frio mas alguma emoção (que tal a Eli de Deixa Ela Entrar?), Hanna, do diretor inglês Joe Wright (Orgulho e Preconceito e Desejo e Reparação) é uma das melhores surpresas do ano. O cineasta conseguiu reunir um elenco excelente - Eric Bana, Cate Blanchett, Olivia Williams e Saoirse Ronan no papel-título - em uma história original sobre uma adolescente que foi treinada pelo pai desde a infância para se tornar uma assassina mortal, que agora tem que encarar a própria CIA, personificada por uma agente que é a única pessoa que sabe quem (ou o que) ela é.

Saoirse Ronan vem se destacando desde que encarou um papel dificílimo em Desejo e Reparação, do mesmo Joe Wright. Logo depois, veio Um Olhar do Paraíso, de Peter Jackson, onde vive uma menina amada pela família que é assassinada por um vizinho e agora está presa entre a vida e a morte, numa espécie de limbo espiritual. Com um currículo desses, há que se prestar atenção quando ela é escalada para um papel inusitado e interessante como é este em Hanna. E a menina não decepciona. Sua atuação dedicada e intensa é mostrada sem hesitação, tanto em cenas de ação como em momentos mais intimistas e cheios de questionamentos.

Por falar em cenas de ação, em Hanna elas mostram que nem só de filmes épicos românticos vive Joe Wright. O cara sabe dosar com maestria as lutas espetaculares da menina com cenas onde ela quer apenas ser uma garota normal.

É claro que esse triunfo cinematográfico não seria possível não fosse o elenco espetacular que o filme traz. Eric Bana e Cate Blanchett mostram porque suas carreiras são tão bem sucedidas, a de Cate ainda mais.

Não podemos escrever sobre Hanna sem falar da trilha sonora hipnotizante criada pelo grupo de música eletrônica The Chemical Brothers. Quando as cenas de ação acontecem, a música deixa toda a situação ainda mais tensa e empolgante.

Infelizmente para os frequentadores dos cinemas, o filme será lançado diretamente em dvd no Brasil, refletindo a recepção fria que Hanna teve nas bilheterias americanas, apesar das ótimas críticas. Ainda assim, vale a pena a sessão deste inusitado conto de fadas. Não ouse perder.

Paul - Ser nerd é o que há

2011-06-18T22:06:00.000-03:00

Simon Pegg e Nick Frost formam uma dupla de atores que está pavimentando um caminho de sucesso no cinema, caminhando para se tornar o duo mais bacana da história, rivalizando com parcerias clássicas, como Jerry Lewis e Dean Martin, Abbott e Costello, Martin Scorsese e Robert De Niro, Cheech e Chong. Depois de Todo Mundo Quase Morto e Chumbo Grosso, nos quais detonavam os filmes de zumbi e de ação respectivamente, Pegg e Frost continuam sua saga de brincadeiras com os gêneros desgastados do cinema americano. Com Paul, os dois mostram mais uma vez todo seu talento e timing perfeito para comédia.

Dirigido por Greg Motolla (Adventureland e Superbad - É Hoje), Paul brinca com a ficção científica, homenageando Spielberg e misturando tudo ao gênero dos road movies, nos quais os protagonistas viajam pelas estradas americanas em busca de um objetivo comum e se conhecendo melhor no processo. Graeme Willy (Simon Pegg) e Clive Collings (Nick Frost) são nerds ingleses viajando pelos EUA para visitar a San Diego Comic-Con, uma espécie de Meca para os aficcionados por sci-fi, quadrinhos, cinema e afins. Depois de conhecerem o evento, os dois resolvem viajar pela Alien Road, a rota no meio-oeste americano repleta de histórias sobre aparições alienígenas, que culmina na famosa Área 51. No meio do caminho a dupla se depara com o alien em pessoa, Paul (dublado por Seth Rogen), que mora na Terra há 60 anos e está fugindo de uma instalação do exército. Acontece que Paul foge completamente do estereótipo de invasor extraterrestre: o cara fuma, fala palavrão à beça, apesar de ter alguns poderes, como o da cura. É o estopim de um dos filmes mais bacanas do ano, isso para dizer o mínimo.

Com participações hilárias de vários membros do elenco do programa de comédia Saturday Night Live, como Kristen Wiig e Bill Hader, além da presença de Jason Bateman como o agente secreto que segue o rastro de Paul. Sigourney Weaver tem uma participação hilária, mil vezes mais legal que seu papel em Avatar.

Para quem quer se divertir e dar boas risadas, além de curtir boas cenas de ação, Paul é a pedida ideal. A comédia não subestima o espectador, e entrega diálogos inteligentes, sensacionais e nem um pouco politicamente corretos. Vale muito a pena.

X-Men: Primeira Classe

2011-06-13T19:39:00.000-03:00

Apesar da desconfiança, novo filme mutante é ótimo

Quando o primeiro trailer de X-Men: Primeira Classe saiu, os fãs não perdoaram. Decretaram o fim da franquia mutante, nas mãos da Fox desde o primeiro filme, X-Men - O Filme, de 2000. Depois de uma sequência extraordinária, Bryan Singer se desligou da série para dirigir Superman - O Retorno e os filmes mutantes caíram de qualidade, mesmo mantendo bilheterias expressivas.

Desta vez, porém, a volta de Bryan Singer à franquia - ele é o produtor do filme -, mostra que a pessoa capaz de colocar a série de volta nos trilhos é realmente ele.

X-Men: Primeira Classe é entretenimento de altíssima qualidade, com uma trama inteligente atrelada a fatos históricos e personagens críveis e relevantes.

O filme acompanha a história dos dois personagens-chave da mitologia mutante criada por Stan Lee, Charles Xavier (James MacAvoy) e Erik Lensherr (Michael Fassbender), cujas vidas se cruzam graças a uma ameaça que os dois terão que enfrentar. Erik tem muito ódio guardado devido à sua infância nos campos de concentração nazistas, onde viu sua família ser morta pelos alemães - especificamente o maligno Sebastian Shaw, que depois se tornaria o líder do Clube do Inferno. Xavier é um poderoso telepata que aprende a lidar com seus poderes e se torna um estudioso das mutações genéticas que deram origem à sua espécie. Ambos se unirão para combater Sebastian Shaw (Kevin Bacon), cujo objetivo é levar a raça humana à destruição completa, para que os mutantes possam dominar a terra.

Apesar de estarem juntos e desenvolverem uma grande amizade, Xavier e Lensherr têm ideologias diferentes no que diz respeito ao modo como enxergam a causa mutante. O primeiro acredita na convivência pacífica e de mútuo respeito entre mutantes e humanos; o segundo sabe, como diz sua experiência durante o Holocausto, que os seres humanos não sabem o que é tolerância e nunca aceitarão seres com poderes estranhos e alto potencial de destruição. É justamente esse embate que leva o filme ao seu poderoso clímax, com cenas de tirar o fôlego e Lensherr finalmente assumindo sua persona maligna de Magneto, tornando-se exatamente o que ele sempre abominou: um intolerante. Há que se destacar as atuações da dupla de protagonistas: MacAvoy e Fassbender estão simplesmente sensacionais e levam quase todo o filme nas costas. "Quase", porque Kevin Bacon como Sebastian Shaw é um vilão perfeito: megalomaníaco, malvadão e com um plano maquiavélico capaz de rivalizar com os vilões mais memoráveis do cinema.

Claro que em meio a tudo isso, Xavier e Lensherr recrutam um poderoso grupo de jovens mutantes, com o auxílio de um Cérebro ainda em sua primeira fase tecnológica. Alguns personagens são velhos conhecidos do público, como Fera e Mística, mas outros são pouco conhecidos e nem fizeram parte de fato da "Primeira Classe" dos X-Men, como Destrutor e Banshee. Mesmo sendo um excelente filme, há que se destacar alguns pontos negativos, como a dispensável presença de Angel, uma personagem irrelevante até mesmo em sua caracterização original dos quadrinhos; inclui-se também nessa categoria o vilão Azazel, cuja aparição é tão-somente um artifício dos roteiristas para darem um capanga valentão e de poucas (ou nenhuma) palavras para Sebastian Shaw. Mas se há um ponto realmente fraco em X-Men: Primeira Classe é a inexpressiva January Jones no papel de Emma Frost, a Rainha Branca. A atriz mostra absoluto desconforto como a perigosa mutante que se transforma em cristal, não se enquadrando em nenhum momento.

Mas tais detalhes não estragam a experiência prazerosa e divertida de assistir X-Men: Primeira Classe. O diretor Matthew Vaughn (de Kick-Ass - Quebrando Tudo e Stardust) comprova sua veia nerd e seu amor pelos quadrinhos; claro que com a ajuda do "mestre mutante" Bryan Singer, a tarefa de imprimir em celulóide a mitologia mutante fica mais fácil.

Trailer de Assalto ao Banco Central

2011-06-05T19:40:00.000-03:00

Todo mundo lembra do assalto espetacular ao Banco Central de Fortaleza, que aconteceu em 2005. Nos EUA, isso daria um filme. No Brasil também. O filme, dirigido pelo ator Marcos Paulo, estreia em 22 de julho. Assista o trailer e julgue se valerá ou não a pena. Eu levo fé.

Coco Antes de Chanel

2011-06-05T18:40:00.000-03:00

Dificilmente uma cinebiografia deixa de abrir mão de elementos ficcionais, ou para adequar a história do personagem à visão do cineasta ou para que o público não corra das salas de exibição. Por isso deixa-se de lado questões polêmicas e se enfatiza o lado heróico do protagonista para criar empatia com a audiência. Tais escolhas de roteiro podem ser vistas em filmes como Gandhi, Warm Springs e outras cinebiografias que ajudam a reforçar a aura de mito em torno de seus heróis.

Coco Antes de Chanel (França, 2009) não é diferente. O filme de Anne Fontaine engloba apenas os anos da juventude de Gabrielle Chanel, antes de se tornar a grande estilista do século XX, a mulher que reinventou a moda para um mundo diferente. Em Coco Antes de Chanel, Gabrielle é apenas Coco (Audrey Tatou), uma jovem abandonada pelo pai em um orfanato, que juntamente com sua irmã tenta ganhar a vida costurando em um ateliê durante o dia e cantando em um cabaré à noite, no interior da França. Ela conhece Balsan (Benoît Poelvoorde), um playboy que logo se encanta por sua sinceridade e simplicidade. Eles têm uma noite de amor e ele parte para sua mansão. Coco decide ir atrás dele, mas suas motivações nunca ficam claras; não sabemos se foi por amor ou uma mera intenção de ter quem a sustentasse. O fato é que o filme se desenrola praticamente todo a partir daí, com o surgimento de um triângulo amoroso - incluindo a chegada de Arthur 'Boy' Capel (Alessandro Nivola), um inglês empresário do ramo de carvão que se apaixona por Coco, e o sentimento é recíproco.

A diretora Anne Fontaine faz de sua cinebiografia de Chanel uma história de costumes, que retrata com maestria toda a futilidade da vida da aristocracia francesa, uma existência regada a orgias, champanhe e nada mais a fazer. A Coco Chanel de Audrey Tatou mostra-se enojada de toda essa vida e percebe que seu fim será se contentar com uma vida como mera amante de um ricaço, sem nunca depender somente de si mesma. Durante todo o filme vemos a protagonista demonstrando todo esse incômodo com a sociedade à qual faz parte, criticando o modo de vestir de todas as mulheres (ora enfeitadas demais, com muitas joias, sem personalidade); em uma cena emblemática da filosofia que norteou toda sua carreira, Chanel deve fazer um vestido para um baile; ela foge totalmente do padrão de moda da época, e institui ali o 'pretinho básico', o tipo de roupa para noite que hoje é padrão de beleza. É interessante ver Chanel dançando com seu vestido preto lindo, em meio a tantas outras mulheres com seus indefectíveis trajes rosa, todas praticamente iguais, indistinguíveis.

Coco Antes de Chanel é um bom filme, apesar de deixar de lado as polêmicas da vida de sua heroína, como seu caso com um nazista durante a 2ª Guerra Mundial, e sua fuga para a Suíça, onde viveram por alguns anos. Ausência de polêmicas à parte, o filme funciona bem como crônica de costumes, e termina com o eventual surgimento da grande Chanel, a estilista que mudou a mulher do século XX e ditou moda com sua grife (que ainda hoje leva seu nome).

10 Filmes Que Não Cansamos de Ver (e um que não aguentamos mais)

2011-06-03T17:28:00.000-03:00

Alguns filmes são tão marcantes e envolventes que sempre que temos a chance, os assistimos novamente. Nem precisa ser nenhuma superprodução, ou vencedor de Oscar; basta ter algum apelo que o torne cult para sua reprise ser imperdível. Listei alguns deles. Leia e depois comente.

Surge uma lenda: Indiana Jones

10. Os Caçadores da Arca Perdida (1981) - Steven Spielberg (na direção) e George Lucas (na produção e no roteiro) fizeram deste o filme de aventura definitivo. Ao homenagear os antigos filmes e seriados para cinema lançados nos anos 30 e 40, a dupla criou um personagem inesquecível, em um clássico recheado de cenas antológicas: Indiana Jones correndo de uma enorme pedra rolante; em um duelo não muito justo contra um árabe muito habilidoso, mas que não contava com a arma do arqueólogo; o clímax empolgante, com o público (e Indy) descobrindo o que há de fato dentro da Arca da Aliança. Com um herói humano e com muitos medos (o de cobras, por exemplo), Os Caçadores da Arca Perdida não sai da memória de quem o assiste, e é sempre uma reprise que paramos para ver.

9. Matrix (1999) - O último ano do século XX parecia fadado ao domínio de Star Wars - A Ameaça Fantasma, quando uma ficção científica da qual ninguém tinha ouvido falar aportou nos cinemas para a dominação mundial. Matrix renovou o cinema sci-fi, estabelecendo padrões que seriam imitados em muitas outras produções. Com sua mistura bem sucedida de filosofia oriental, messianismo cristão, kung-fu e cenas de cair o queixo, o filme dos irmãos Wachowski se estabeleceu como o filme a ser visto em 1999, mas não somente naquele ano; as reprises deste clássico instantâneo ainda prendem a atenção até de quem já o viu várias vezes. É impossível resistir ao mundo real (ou ao charme de Trinity).

Exterminador: revolução dos efeitos especiais

8. O Exterminador do Futuro 2: O Julgamento Final (1991) - Lembro-me como se fosse hoje: o Jornal Hoje noticiando a nova revolução do cinema de efeitos especiais, com o cyborg vivido por Robert Patrick se desfazendo em cristal líquido e logo se refazendo. Aquelas imagens, somadas a um roteiro ágil e inteligente, levaram multidões aos cinemas para ver Arnold Schwarzenegger pronunciar uma das falas mais citadas na história do cinema: "Hasta la vista, baby." James Cameron se firmava como uma das mentes criativas mais importantes de Hollywood enquanto pavimentava seu caminho para produzir outros filmes dignos de reprises, como veremos a seguir nesta lista. Reprisado à exaustão no Domingo Maior, ainda assistimos. Prova que a mitologia que Cameron criou continua viva no imaginário de todos os amantes do cinema.

Russel Crowe se prepara para fazer história

7. Gladiador (2000) - Os filmes épicos estavam em baixa quando Ridley Scott dirigiu este drama magistral, passado em pleno Império Romano. O diretor recrutou Russel Crowe, que começava a ganhar visibilidade no cinema depois de Los Angeles - Cidade Proibida e O Informante, para assumir o papel do general Maximus, herói de Roma que é traído, perde sua família e se torna gladiador, para então fazer justiça. Joaquin Phoenix como o ambicioso e covarde Commodus é o antagonista perfeito em um filme muito próximo da perfeição. A recriação da Roma antiga em computação gráfica ainda hoje, 11 anos depois, impressiona. E Gladiador nunca deixa de ser reprisado e assistido por quem aprecia um excelente filme.

Clímax de Duro de Matar: herói mais realista

6. Duro de Matar (1988) - O fim dos heróis estilo "exército-de-um-homem-só" que imperaram na década de 80 foi decretado quando John McClane fugiu de uma explosão, descendo vários andares de um prédio dominado por terroristas pelo lado de fora do edifício, segurando apenas uma mangueira de incêndio. Bruce Willis foi catapultado para o estrelato como um herói mais realista, que se machuca a ponto de quase morrer várias vezes, e em muitos momentos não sabe como deve agir. McClane apenas sabe de uma coisa: não quer que sua vida termina ali, sem que ele salve sua ex-esposa das mãos de terroristas. A determinação do protagonista é o motor que conduz Duro de Matar, tornando o filme em um dos mais queridos (e assistidos) da história. Reprise com diversão garantida.

Jack Sparrow entra em cena e rouba o filme

5. Piratas do Caribe - A Maldição do Pérola Negra (2003) - Não era Jack Sparrow o personagem principal deste filme. Mas ninguém avisou ao público, nem ao próprio Johnny Depp, uma vez que o pirata cheio de trejeitos e ultracarismático vivido pelo ator simplesmente é a alma e o coração da produção de Jerry Bruckheimer, dirigida por Gore Verbinski. Depp tanto roubou a cena que, encerrada a trilogia original, os personagens de Orlando Bloom e Keira Knightley sequer retornaram para a quarta parte da franquia, Navegando em Águas Misteriosas. E olha que ninguém levava a sério a tentativa da Disney de transformar um brinquedo de um dos seus parques em superprodução, ainda mais se levarmos em conta o fato de que filmes de piratas não faziam sucesso há muito tempo. Mas eis que Piratas do Caribe tornou-se a grande surpresa de 2003, gerando três sequências (até o momento) e virando uma das reprises mais legais de se ver.

'Tropa' é marco no cinema nacional

4. Tropa de Elite (2007) - Alguém conseguiu assistir a este filme de José Padilha e não se impressionar? O épico estrelado por um magnífico Vagner Moura (no papel que definiu sua carreira) retrata uma realidade muito próxima da nossa, o que faz de Tropa de Elite um filme obrigatório. Não se trata de um mero filme de ação - embora as cenas de ação sejam de padrão de qualidade internacional. Este é um filme forte, que não teme em abordar assuntos fundamentais para que compreendamos o Brasil do século XXI. A cada reprise, ainda que nos incomodemos com alguma violência gráfica, nos apegamos mais a alguns os bordões mais repetidos do cinema brasileiro. Ou alguém se lembra de algum outro filme nacional que tenha gerado tanta comoção como Tropa de Elite o fez?

Tom Hanks em papel inesquecível

3. Forrest Gump - O Contador de Histórias (1994) - "Eu não sou idiota; idiota é quem faz idiotice." "A vida é como uma caixa de bombons; a gente nunca sabe o que vai encontrar." Essas frases pronunciadas por Tom Hanks no papel do personagem título deste filme são apenas algumas das coisas marcantes que fazem com que amemos tanto a produção dirigida por Robert Zemeckis. Forrest Gump é um jovem com problemas mentais que vive alguns dos momentos mais importantes da história americana. É impossível não se apegar a ele, com sua pureza, ingenuidade e dedicação aos amigos. Gump é o personagem ideal em um mundo tão cínico e cruel. A trilha sonora belíssima, composta por Alan Silvestri também contribui para que cada fotograma de Forrest Gump - O Contador de Histórias seja digno de arrancar lágrimas do mais durão dos espectadores. Que mais reprises venham.

2. Independence Day (1996) - Se hoje os filmes-catástrofe são quase uma constante todos os anos, é graças ao diretor Roland Emmerich, que fez da destruição virtual de monumentos e prédios famosos quase uma forma de arte. Como se isso não fosse motivo para não perder nenhuma reprise de ID4, o filme ainda lançou ao estrelato Will Smith, na época figura quase desconhecida que se tornou o rei do 4 de julho. Explico: grande parte dos filmes de Smith desde então foram lançados no feriado da independência estadunidense e (com exceção de Wild Wild West) foram sucessos esmagadores. A trama não é novidade para ninguém, mas todo mundo ainda vibra quando o cachorro, como sempre, escapa da explosão no túnel. Por acaso estou mentindo?

Leo e Kate: a gente não cansa de ver

1. Titanic (1997) - Garota conhece garoto. Os dois se apaixonam. Eles são de classes sociais muito diferentes. Estamos na década de 1920. Os dois são passageiros do Titanic. Todo mundo sabia como terminava, mas o filme de James Cameron (ele de novo) foi o blockbuster que mais fez jus à expressão, pelo menos até o mesmo Cameron lançar seu Avatar. Tendo gerado mais de 1 bilhão nas bilheterias, conquistado 11 Oscar e tornado seu herói, Leonardo Di Caprio, "Rei do Mundo", Titanic é daqueles filmes que todo mundo adora falar que não aguenta mais ver, mas ninguém resiste a mais uma vez testemunhar a história acontecendo.

Um que não aguentamos mais:

Não, por favor, não!

A Lagoa Azul (1980) - Por favor, Globo! Ninguém suporta mais uma reprise deste romance açucarado que suscitou uma onda de outros filmes semelhantes e ainda gerou uma sequência ainda mais esdrúxula. Uma espécie de Robinson Crusoé para meninas, A Lagoa Azul foi um tremendo sucesso de bilheteria e ainda hoje dá muita audiência, ou não seria reprisado quase 5 ou 6 vezes por ano! A grande dúvida é: será que a Sessão da Tarde não pode voltar a ser legal?

Super 8 - Trailer Legendado

2011-06-02T13:08:00.000-03:00

Um dos filmes mais esperados do ano, Super 8 é dirigido por J. J. Abrams e tem produção-executiva de Steven Spielberg. Trata-se de uma aventura de ficção científica no melhor estilo da produtora de Spielberg, a Amblin, que nos anos 80 produziu alguns dos maiores clássicos juvenis, filmes como Os Goonies e De Volta Para o Futuro. Super 8 é uma homenagem a um tempo em que as aventuras eram interessantes, recheadas de temas não apenas voltados para a ação, mas com forte carga emocional, tratando da difícil arte de crescer.

O filme estreia no Brasil em 12 de agosto, mas você fica com o trailer legendado, cortesia do Omelete.

Trailer dublado de As Aventuras de Tintim: O Segredo do Licorne

2011-05-30T23:23:00.000-03:00

Steven Spielberg dirigindo e Peter Jackson produzindo. Sério, tem como um filme assim dar errado? Sem falar que se trata da adaptação dos quadrinhos do mestre Hergé, sobre um jovem repórter às voltas com muitas aventuras. Se você não lembra (ou nunca ouviu falar) dos quadrinhos, vai lembrar do desenho exibido pela TV Cultura nos anos 90. Confira o teaser trailer dublado e tire suas próprias conclusões.

As Aventuras de Tintim: O Segredo do Licorne estreia em 11 de novembro.

Uma Manhã Gloriosa

2011-05-28T16:01:00.000-03:00

Comédia sobre bastidores da TV é afiada e precisa

Desde O Diabo Veste Prada não se via uma comédia tão afiada e interessante sobre o mundo profissional como em Uma Manhã Gloriosa (Morning Glory, EUA, 2010). Na verdade, pode-se dizer que este é uma releitura daquele, sendo que o papel de "diabo" desta vez é interpretado por um homem, ou Harrison Ford.

Becky Fuller (Rachel McAdams, de Sherlock Holmes e Diário de Uma Paixão) é uma esforçada produtora executiva de um programa matutino em uma pequena emissora local de New Jersey. A moça é sempre a primeira a chegar e a última a sair, e leva o programa com muito empenho e dedicação, até ser demitida - consequência da recessão financeira americana. Depois de muita procura, ela é chamada para trabalhar na IBS, uma rede nacional, onde deverá tentar levantar a audiência e a qualidade da atração matutina da emissora, o Daybreak. Para ser bem sucedida, ela terá que lidar com o ego da apresentadora veterana Coleen Peck (Diane Keaton), além de ter que administrar o gênio dificílimo de seu novo co-âncora, Mike Pomeroy (Harrison Ford, em seu melhor papel em anos), um jornalista premiado que esteve em acontecimentos marcantes do século XX e agora se vê relegado ao ostracismo, obrigado a apresentar um programa que não faz reportagens à moda antiga; isso significa que Daybreak é um daqueles shows televisivos no estilo do Hoje em Dia, ou do Mais Você: jornalismo zero, entretenimento mil.

Além de ter que se virar para levantar a audiência do programa, Becky ainda precisa aprender a desenvolver um relacionamento de verdade, com Adam Bennett (Patrick Wilson). Uma característica interessante em Uma Manhã Gloriosa é que não se trata de uma comédia romântica. Há romance, mas esse não é o foco do diretor Roger Michell (Um Lugar Chamado Notting Hill). Antes, o filme se concentra no mundo competitivo da tevê americana, em como é preciso ser mais do que apenas mediano para se dar bem em um universo de egos inflados e prazos apertados.

Produzido por J. J. Abrams (criador de Lost e diretor do novo Star Trek), Uma Manhã Gloriosa é uma comédia de primeira, com muitas situações engraçadas, sem deixar de lado os diálogos inspirados repletos de menções à cultura pop e a excelente utilização de clichês hollywoodianos. Tudo pela diversão do público.

Chuck - espionagem e diversão nerd

2011-05-25T22:16:00.000-03:00

Chuck Bartowski é um cara bacana, um nerd completo, capaz de discutir por horas sobre coisas como que tipo de sanduíche levaria para uma ilha deserta ou qual é o melhor vilão dos filmes de 007. Ele trabalha em uma megaloja de eletrônicos, onde é responsável pela assistência técnica aos compradores de computadores e bugigangas em geral. No momento, seu maior objetivo é ser promovido a gerente-assistente da loja, derrotando seu mais temível rival na briga pela vaga: um baixinho chamado Tang. Na vida amorosa, como todo nerd, Chuck é um desastre; não consegue atrair nenhuma garota com seu papo avançado sobre filmes sci-fi ou qualquer outra tranqueira nerd que consiga lembrar. Mas tudo isso vai mudar (ou não) quando ele receber um e-mail de um antigo ex-amigo da faculdade que virou espião do governo e roubou todos os segredos mais ocultos dos EUA, enviando o arquivo, repleto de mensagens subliminares, para Chuck. O jovem nerd abre a mensagem codificada e subitamente todo esse conhecimento é "baixado" para sua mente, fazendo dele um verdadeiro computador ambulante, alguém que pode acessar todos os segredos governamentais dos mais altos escalões militares e de inteligência. Para vigiar esse "computador" vivo, a CIA envia uma agente, AKA Sarah Walker (uma loira de matar, claro), que terá a companhia de Casey, agente da NSA. Juntos, os três passarão por muitas aventuras envolvendo sempre algum novo segredo que Chuck consiga acessar em seu cérebro.

Todo esse contexto é para apresentar um dos personagens mais divertidos que a TV americana lançou nos últimos anos. Lançada em 2007, Chuck é pura diversão despretensiosa. Cada episódio brinda o espectador com diálogos hilariantes e cenas de ação muito bacanas, que prendem a atenção e causa um vício difícil de largar. Comecei a assistir a 1ª temporada de Chuck no último fim de semana e simplesmente não consegui parar.

O criador de O.C., Josh Schwartz, e o diretor McG (As Panteras) são os responsáveis pelo piloto, com Schwartz mantendo-se na produção executiva do programa. A série já está na 4ª temporada, já tendo sido renovada por mais um ano, apesar da audiência não ser satisfatória. Tantas renovações se devem aos fãs apaixonados pelo programa terem feito campanhas e apelos junto ao canal NBC para que a série ganhasse novas chances.

Bom para o público, que tem a chance de assistir a uma boa dose de comédia, espionagem e ação, evocando programas semelhantes, como Agente 86, sem abrir mão de criar todo um universo próprio, engraçado e atraente. Vale a pena descobrir.

Trailer Legendado de Lanterna Verde

2011-05-25T12:19:00.000-03:00

Assista ao trailer matador de Lanterna Verde. Pretendo começar a postar trailers de futuras novidades e para começar nada melhor do que um dos filmes mais aguardados do ano (ao menos por mim)!
Confira:

Lanterna Verde estreia no Brasil em 19 de agosto, com cópias em 3D e 2D. Já estou na fila!

Sem Limites

2011-05-22T12:18:00.000-03:00

Ótimo thriller é a surpresa do ano até agora

Quando o ano começou, nenhum preview com os filmes mais esperados da temporada trazia entre seus destaques Sem Limites (Limitless, EUA, 2011). Afinal, o thriller com toques de ficção científica não trazia muitos atrativos que pudessem chamar atenção do público ou da imprensa especializada. O diretor Neil Burger é um ilustre desconhecido, mesmo tendo dirigido o excelente O Ilusionista em 2006; o astro Bradley Cooper ainda não se firmou como um chamariz de audiência, embora tenha sido destaque no hilário elenco de Se Beber, Não Case; até o superastro Robert De Niro poderia ser um nome de destaque, mas sua participação no filme não vai além das aparições do ator nos trailers. Mesmo assim, o filme estreou sem nenhum alarde e se tornou a grande surpresa do ano até o momento, tendo custado 22 milhões de dólares e rendido quase 80 milhões somente nos EUA.

Mérito total da trama bem elaborada que Neil Burger reproduz na tela, adaptando o romance de Alan Glynn. Vamos a ela: Eddie Morra (Bradley Cooper) é um escritor fracassado, que embora tenha contrato para escrever um livro, sequer escreveu a primeira linha da obra. Sua vida é um completo desastre; foi casado e se divorciou, e sua atual namorada (Abbie Cornish) vê nele uma âncora que a fará ficar presa em uma vida sem nenhuma perspectiva. Até o dia em que Eddie encontra seu ex-cunhado, Vernon (Johnny Whitworth), que lhe oferece uma droga ultra-secreta chamada NZT, que faz com que seu usuário acesse toda a capacidade do cérebro, concedendo poderes incríveis de dedução, raciocínio, leitura e muitas outras vantagens. Na mesma noite em que toma o estranho comprimido transparente, Eddie escreve grande parte de seu livro e descobre novas possibilidades para sua vida. O problema é que estamos falando de um thriller aqui, e nada é simplesmente o que aparenta na superfície. Eddie procura seu ex-cunhado à procura de mais pílulas milagrosas, mas acaba se deparando com Vernon morto em seu apartamento. Isso é apenas o começo de uma história cheia de reviravoltas, com Eddie aprendendo línguas só de ouvir alguém falando, tornando-se milionário no mercado de ações, atraindo a atenção do bilionário vivido por Robert De Niro e se envolvendo em um caminho perigoso, que poderá terminar mal.

Bradley Cooper mostra que pode ser um astro sem estar restrito a comédias e romances bobalhões; o ator tem carisma e potencial dramático, e mostra isso carregando praticamente todo o filme nas costas, sem demonstrar sentir a pressão de tamanha tarefa.

Já o diretor Neil Burger não perdeu a mão que mostrou em O Ilusionista. Seu Sem Limites é interessantíssimo e prende a atenção do mais indiferente dos espectadores. Será que o talento do cineasta também é ilimitado? Isso apenas o tempo dirá.

Game of Thrones - Impressões até aqui

2011-05-17T20:17:00.000-03:00

Ned Stark (Sean Bean) empunha sua espada para mostrar que é o cara dos épicos de fantasia

Vagarosamente, Game of Thrones vai mostrando que boas histórias não precisam ser contadas apressadamente. O vasto mundo de Westeros, cenário da série da HBO, tem detalhes que a princípio parecem irrelevantes quando aparecem em cena (especialmente para pessoas como eu, que ainda não leram a série literária), mas que voltam em um episódio posterior para serem encaixados como peças fundamentais no imenso quebra-cabeça que é a trama criada por George R. R. Martin. A cada semana descubro que nada, absolutamente nada, é sem propósito em Game of Thrones.

Passados cinco episódios, minha impressão é que o programa fica cada vez melhor e mais envolvente. Cada personagem vai mostrando aos poucos sua tremenda importância no quadro geral, e isso só faz da série algo viciante e marcante.

Acabo de ver o episódio cinco, "O Lobo e o Leão" (não sei porque a HBO não traduz os títulos de seus episódios, aliás, poucos canais o fazem). Fiquei ainda mais impressionado em como é impossível saber o que acontecerá a seguir; quando eu pensava que a série seria mais focada nos diálogos, eis que os produtores fazem um episódio repleto de ação, lutas de espadas, sangue jorrando e cenas memoráveis.

Se você ainda não viu Game of Thrones, não perca tempo. A série é, sim, uma das melhores coisas que já apareceu na televisão em muitos, muitos anos.

APROVEITO para anunciar que não mais disponibilizarei links para downloads de torrent, exceto quando autorizado pelo proprietário dos direitos autorais. O blog Lendo, Vendo, Escrevendo sempre foi um blog de resenhas culturais, e assim continuará.

Game of Thrones é exibido todos os domingos, às 21:00, na HBO.

Séries britânicas que você precisa descobrir

2011-05-14T20:40:00.000-03:00

Nas últimas semanas tenho tido contato com várias séries britânicas que me chamaram a atenção. E posso dizer que não entendo o fato de a TV brasileira não exibir tais séries por aqui. Em se tratando de dramas policiais, os ingleses até superam os americanos, com personagens críveis, roteiros imprevisíveis e atuações viscerais. Escolhi alguns destes programas para falar a respeito e recomendar. Aí estão eles:

Wallander - estrelada por Kenneth Brannagh (diretor de Thor), a série policial da BBC, remake de um programa sueco, conta a história de Kurt Wallander, inspetor da polícia de Ystad, na Suécia. Kurt é um detetive passional, que se envolve intimamente com seus casos, como se cada assassinato que ele investiga fosse de alguém de sua família. O inspetor não tem soluções mirabolantes, nem seus casos são resolvidos de modo mágico, com a utilização de artifícios tecnológicos saídos de séries do gênero "fantasia policial", como CSI. Wallander usa sua intuição, investiga sem sair da realidade, e muitas vezes segue as pistas erradas - isso, afinal, acontece em qualquer força policial do mundo. Recentemente separado da mulher, ele tem como companhia sua filha e vive um relacionamento conturbado com seu pai, um artista plástico que não aceita o fato de seu filho não ter seguido sua profissão.

A atuação de Kenneth Brannagh é digna da tradição shakesperiana do ator, com camadas de sentimento e emoção. Wallander é um homem que se vê sem esposa e precisa aprender a lidar com isso. E assim o faz com muita dedicação ao trabalho.

Com duas temporadas até o momento, contabilizando seis episódios de 90 minutos, Wallander é uma das melhores coisas a surgir na televisão em um muito tempo. Vale a pena descobrir. A série foi lançada no Brasil em DVD, pela LogOn.

Sherlock - descrita como a modernização dos clássicos contos detetivescos de Arthur Conan Doyle estrelados pelo mais brilhante dos detetives, Sherlock é um primor em sua realização. São três episódios de 90 minutos cada, na primeira temporada, tendo obtido sucesso absoluto de audiência na tevê inglesa. Logo no primeiro episódio, somos apresentados a Watson (Martin Freeman, protagonista de O Hobbit), um médico veterano de guerra que passa a dividir um apartamento com um excêntrico detetive particular, Sherlock Holmes (Benedict Cumberbatch, incrível). A princípio Watson odeia o futuro colega de apartamento, mas logo surge uma amizade entre os dois, à medida que ele descobre a genialidade quase sobrenatural do rapaz.

Usando recursos interessantes para trazer os livros de Conan Doyle para o século XXI, a série logo introduz o arquiinimigo de Sherlock, Moriarty, deixando os espectadores na expectativa pela sua continuidade. Isso, porém, é uma incógnita, uma vez que Martin Freeman deve passar dois anos ocupadíssimo como Bilbo Bolseiro, nas filmagens de O Hobbit, megaprodução em duas partes que Peter Jackson e Guillermo del Toro estão produzindo.

OK, nós queremos (muito) ver O Hobbit, mas não seria nada mal ter uma nova temporada de Sherlock. Espero que isso aconteça. No Brasil, Sherlock não tem nenhuma previsão de lançamento.

Luther - nenhuma série policial é tão intensa quanto Luther, protagonizada por Idris Elba (de The Wire), no papel de John Luther, um detetive da polícia metropolitana de Londres que passou sete meses suspenso por ter se envolvido na morte de um suspeito que ele investigava. Durante esse tempo afastado, Luther passou por uma grave depressão e uma consequente internação em um hospital. Ao ser readmitido na polícia, o detetive demonstra sua inteligência e o modo severo com que lida com o crime. Além de ter de lidar com toda a tensão do trabalho, Luther ainda precisa salvar seu casamento. Sua esposa, Zoe (Indira Varma, de Roma) não aceita viver mais com um homem tão inconstante e obsessivo.

Luther traz uma linha tênue entre o bem e o mal, mostrando o protagonista iniciando uma perigosa amizade com uma possível assassina, a astrofísica Alice Morgan (Ruth Wilson, de O Prisioneiro). Nenhum personagem na série é perfeito, e cada episódio (são seis, na primeira temporada) mostra um pouco mais as imperfeições dos colegas de Luther e dele mesmo, até o final arrebatador e absolutamente chocante.

A segunda temporada deve ser exibida este ano na BBC One, mas serão apenas dois episódios de duas horas de duração cada. Isso porque Idris Elba passou a ser cogitado para muitos papéis em Hollywood, depois de mostrar uma intensidade dramática como poucos atores da atualidade. Elba poderá ser visto em Prometheus, de Ridley Scott, além de ter atuado como o deus nórdico Heimdall, em Thor. O ator ainda participou da série The Big C, como o amante da protagonista vivida por Laura Linney.

Tudo isso é apenas o começo. Se depender da reputação que Elba conquistou por Luther, ele ainda terá muitos trabalhos de destaque em sua carreira. Ainda bem.

Eu Sou o Número Quatro

2011-05-09T20:52:00.000-03:00

Ficção-científica teen tem suas qualidades

O cineasta D.J. Caruso tem se especializado em dirigir jovens em filmes cheios de ação e com toques românticos bem característicos das produções voltadas para o público teen, aquele que realmente lota os cinemas todos os fins de semana. Tem sido assim desde Paranoia e Controle Absoluto, os dois protagonizados por Shia LaBeouf.

Em Eu Sou o Número Quatro, Caruso volta-se para uma ficção-científica baseada em um livro de sucesso, e tem nas mãos uma nova franquia em potencial. O filme conta a história de Número Quatro (Alex Pettyfer, de Alex Rider Contra o Tempo), um dos últimos sobreviventes do extinto planeta Lorien (destruído pelos morgadorianos), enviado à Terra para dar continuidade à espécie e impedir que os morgadorianos destruam outro planeta. Sempre perseguido, Quatro viaja de cidade em cidade acompanhado de Henri (Timothy Olyphant, da série Justified), seu guardião e tutor. Os dois sabem que os "números" anteriores já foram mortos por seus inimigos, e precisam estar em constante fuga, enquanto Henri ensina Quatro a descobrir os poderes que recebeu. O lorieno adota o nome de John ao chegar à pequena cidade de Paradise, e se envolve com Sarah (Dianna Agron, a Quinn de Glee), por quem se apaixona.

A essa altura, já sabemos que os sanguinários morgadorianos estão cada vez mais perto de encontrar Quatro; sabemos também que desta vez o herói não irá mais fugir, de outra maneira não haveria o clímax explosivo e cheio de efeitos especiais que encerra o filme.

D.J. Caruso não abandona os clichês típicos dos filmes do gênero, e apesar disso, ainda entrega uma aventura romântica eficiente, que poderia render uma boa série de tevê. O romance entre John e Sarah é interessante, apesar de algumas cenas bastante forçadas: por exemplo, próximo da luta final, os dois apaixonados estão fugindo, mas ainda encontram tempo e tranquilidade para olharem fotos e conversarem.

Mesmo com alguns momentos dispensáveis, Eu Sou o Número Quatro ainda rende bastante diversão, com cenas de luta muito boas, monstros alienígenas em brigas homéricas e uma ou outra piadinha para servir de alívio cômico. Se serve como medida, o filme de D.J. Caruso é muito, mas muito melhor que qualquer Crepúsculo que há por aí.

Rio

2011-05-08T14:07:00.003-03:00

Animação da Blue Sky é vibrante e empolgante

Quando A Era do Gelo foi lançado nos cinemas em 2002, ninguém conhecia um pequeno estúdio de animação chamado Blue Sky. Nove anos e mais de um bilhão de dólares nas bilheterias depois, eis que aquele pequeno estúdio confirma-se como um dos principais nomes da indústria de Hollywood, e um brasileiro é uma das duas mentes criativas por trás de tudo isso. Seu nome, Carlos Saldanha. Carioca 'da gema', Carlos sempre fez questão de se declarar brasileiro, e com isso ajudar a consolidar o Brasil como berço de mentes criativas em várias áreas além da música e da dança.

Rio era o projeto dos sonhos de Carlos. Fazer um filme homenageando sua cidade natal sempre esteve em sua mente. O animador conseguiu realizar seu grande sonho, e isso é visível em cada frame do filme. Cada cena é um vislumbre para os olhos. São tantas cores, e a animação é tão realista e viva, que a gente até esquece que aquelas paisagens são desenho animado!

Está tudo lá: o bondinho do Pão de Açúcar, o Cristo Redentor, os morros cariocas, o carnaval, a turma na praia, tudo o que os gringos esperam ver em um filme que recebe o nome da própria Cidade Maravilhosa. Mas não somente os gringos; qual brasileiro espera que um filme animado sobre o Rio de Janeiro mostre qualquer coisa que não exatamente as belezas da cidade?

É claro, entretanto, que as belas paisagens locais não poderiam contar uma história sozinhas. E Rio é um primor também em sua trama. Vamos a ela: Blu (Jesse Eisenberg) é uma arara azul que foi criada nos EUA, no gelado estado do Minnesota, por Linda (Leslie Mann), uma adorável proprietária de uma livraria. Totalmente domesticado, Blu simplesmente não sabe voar. Tudo em sua vida está perfeitamente normal até que um brasileiro especialista em aves, Túlio (Rodrigo Santoro), aparece na loja de Linda informando-lhe que Blu é o último macho da espécie. Para que a espécie possa ter prosseguimento, ele deve ir até o Rio para procriar com a última arara azul fêmea viva.

Como todos sabem, Blu e Linda embarcam para a terra do samba e vão viver uma aventura cheia de encontros e desencontros, povoada por traficantes de animais, aves de outras espécies muito divertidas, micos batedores de carteiras, um falcão muito perverso e um romance que será construído a duras penas (perdão pelo trocadilho) com Jade (Anne Hathaway), a fêmea valente que conquistará o coração do protagonista.

É impossível não se encantar com Rio, um filme vibrante, que além de ser um belo cartão postal, ainda conta a história de um herói relutante em busca de si mesmo, de suas origens. Um tema universal, mas que fica ainda melhor no Rio.

Como destruir o Ensino Médio público

2011-05-05T16:44:00.000-03:00

Acabei de ler este artigo no blog do Reinaldo Azevedo e fiquei indignado. Tão indignado que decidi dar um tempo nas resenhas cinematográficas para publicar o texto. Leia e deixe seu comentário.

Sob o patrocínio por ora oculto do ministro da Educação, Fernando Haddad, o Conselho Nacional de Educação (CNE) aprovou uma proposta que, se posta em prática, oficializa o bagunça no ensino médio do país. Os pobres serão definitivamente condenados à ignorância; na prática, vai se instituir um sistema de castas na educação. A quem pode pagar, ensino médio privado e de alta performance e, por conseqüência, os cursos superiores mais concorridos e as melhores universidades… públicas! A quem não pode, ensino público de quinta categoria no antigo segundo grau, faculdades privadas que não se distinguem de balcões de negócios, financiadas pelo ProUni. Eu explico.

Segundo a genial proposta aprovada pelo CNE, cada escola — sim, cada escola! — poderá organizar o seu próprio curso de ensino médio, desde que ministre disciplinas em quatro áreas: “trabalho, tecnologia, ciência e cultura”. Sei… Um colégio que fique numa área industrial, enfatizaria mais “trabalho e tecnologia” e, pois, deveria dar mais ênfase, por exemplo, a disciplinas como física e química… Ah, que interessante! Os colégios de São Thomé das Letras (MG) e Varginha, onde os ETs costumam dar pinta — aborrecidos que estão com o tédio das esferas —, concentrarão seus esforços em literatura; ficção científica, de preferência.

É uma sandice! O ensino médio no Brasil precisa é do contrário: urge a definição de um currículo mínimo de abrangência nacional, até porque, vejam a contradição, os estudantes do Enem fazem um exame… nacional! Por mais que o Ministério da Educação alopre nas questões — e, com efeito, sobram muito proselitismo e muita vigarice —, supõe-se a existência de um conteúdo mínimo que tem de ser ministrado. Imaginem se a coisa corre solta, cada escola definindo a sua própria prioridade… Alguém dirá: “Viva a liberdade!” Uma ova! Viva o autoritarismo dos chefes de quarteirão!

Trata-se de uma proposta contra os pobres. As escolas privadas de ensino médio de alta performance, que avaliam o desempenho dos professores e que vivem de resultado, tenderão a usar a “liberdade” para tornar seus cursos ainda mais competitivos, preparando seus estudantes para os cursos mais concorridos das universidades públicas. Já as escolas públicas do que antes se chamava “segundo grau”, corroídas pelo sindicalismo casca-grossa, que preferem ensinar “cidadania” (seja lá o que isso signifique) a matemática, física ou química, vão se entregar ao proselitismo rasgado. Os currículos passarão a ser definidos pelos sindicatos.

Tudo bem! Dado o andamento do ensino universitário no país, o desastre não será nem sequer percebido. Há muitos mecanismos para mascarar a desigualdade educacional no país que diz ter a educação como prioridade. Começa com o sistema de cotas e se estende ao ProUni, hoje um gigantesco sistema de repasse de dinheiro público para mantenedoras privadas. A esmagadora maioria das vagas destinadas aos pobres é composta dos cursos que requerem apenas cuspe e giz — às vezes, nem isso. O que o CNE está propondo é a radicalização desse sistema.

A proposta desce a detalhes perversos. Permite, por exemplo, que 20% das aulas do ensino médio noturno — 40% dos alunos — sejam, como se diz hoje em dia, “não-presenciais”, e o curso poderá durar mais de três anos. Pois é… Brasil afora, dada a desordem no setor, os alunos já fazem curso a distância porque não há professores.

A proposta aprovada pelo CNE, patrocinada nos bastidores por Haddad, é vergonhosa. Significa a renúncia ao esforço em favor da qualidade.

Por Reinaldo Azevedo

Um Corpo que Cai (da série 1001 Filmes)

2011-05-04T00:15:00.003-03:00

Alfred Hitchcock é notoriamente conhecido como o "Mestre do Suspense", reputação conquistada devido a tantos filmes misteriosos, normalmente colocando seus protagonistas em situações de impotência diante das circunstâncias muitas vezes macabras.

Em Um Corpo que Cai (Vertigo, EUA, 1958), não é diferente. Na verdade, talvez seja ainda pior, ou seja, com mais mistério, reviravoltas e um final impressionante. Logo nos créditos iniciais somos hipnotizados, graças ao designer de cenas de abertura Saul Bass (que também fez magnífico trabalho em Anatomia de um Crime e Intriga Internacional - veja um vídeo com aberturas famosas do cinema aqui), que criou espirais que se confundem com os olhos enigmáticos de Kim Novak; junte a isso a marcante trilha sonora de Bernard Hermann, assíduo colaborador do diretor, e o espectador já sabe que se trata de um filme de Hitchcock. Logo depois, somos lançados a uma perseguição nos telhados de San Francisco, onde um marginal tenta escapar de dois policiais. O marginal escapa depois que um dos policiais, o detetive John "Scottie" Ferguson (James Stewart), salta de um prédio para outro mas não alcança o outro lado e fica pendurado entre a vida e a morte. O policial que o acompanha na caçada tenta salvá-lo, mas acaba caindo para a morte. A partir daí, sabemos que Scottie sofre de acrofobia, que é medo extremo de altura.

Kim Novak recebe orientações de Alfred Hitchcock

Algum tempo depois, Scottie - uma figura comum, exatamente como Hitchcock gostava - que está aposentado, é contratado por um velho amigo de faculdade para seguir sua esposa, que anda tendo um comportamento estranho, talvez motivado por um passado obscuro. A esposa, Madeleine (Kim Novak), é lindíssima, e logo Scottie fica obcecado por ela, algo que o levará a uma espiral (como a dos créditos iniciais) sinistra com um clímax surpreendente.

Falar além disso estraga as várias surpresas que o roteiro reserva ao espectador. Porém, muito mais do que a trama em si, a força de Um Corpo que Cai está no desenvolvimento dos personagens, algo que Hitchcock fazia muito bem. Um clima de loucura parece tomar conta de cada frame do filme, clima este intensificado pela fotografia tão colorida que se assemelha a um pesadelo, e pelos temas que Bernard Hermann criou. Kim Novak está perfeita e linda, e James Stewart entrega mais uma vez uma performance inesquecível.

Talvez o melhor filme de Hitchcock, Um Corpo que Cai tem mais nuances até mesmo que Psicose, sendo ainda mais sombrio e assustador em sua essência. Uma obra-prima.

Anatomia de um Crime (da série 1001 Filmes)

2011-05-03T00:37:00.000-03:00

Este clássico filme de tribunal - considerado por muitos o melhor do gênero em todos os tempos -, dirigido por Otto Preminger, é de fato uma obra-prima. Muitos são os elementos que o qualificam para uma vaga no Olimpo do cinema mundial: para começar, os créditos iniciais, desenhados pelo mestre Saul Bass, com formas geométricas criando um cadáver; a trilha sonora jazzística marcante, composta por ninguém menos que o grande Duke Ellington (lembro-me de um velho LP que meu pai tinha e que eu sempre ouvia), algo inovador para um filme passado quase inteiramente dentro de um tribunal; o uso inédito de algumas palavras que a plateia da época não ouvia nas salas de cinema até então - "calcinha", "penetração", "estupro", "espermatogênese", etc. - todos esses elementos podem parecer detalhes perante todo um filme, e de fato são. Mas tais detalhes apenas fazem de Anatomia de um Crime (Anatomy of a Murder, EUA, 1959) ainda mais interessante.

Wendell Mayes adaptou o bestseller de Robert Traver (peseudônimo para o juiz da suprema corte de Michigan John D. Voelker), criando um roteiro que dissecava de maneira incisiva e amarga, o sistema legal americano.

Na trama, Paul "Polly" Biegler, um advogado brilhante que já foi promotor público, aceita o caso do tenente Frederick Manion (Ben Gazarra), que matou a tiros o dono de bar Barney Quill. Manion alega tê-lo feito porque Quill havia estuprado sua esposa, Laura (Lee Remick). Tendo se entregue à polícia, Manion alega insanidade temporária, argumento que seu advogado sustentará até o fim.

Stewart (à direita), em um dos muitos embates com a promotoria

James Stewart está simplesmente brilhante como Paul Biegler; apesar de alguns maneirismos que podem ser vistos em outros de seus filmes, o astro de A Felicidade Não se Compra mostra todo seu talento, criando um advogado intransigente, mas que agarra com unhas e dentes cada bom argumento que possui. E ele precisará ser muito bom, já que um dos promotores é Claude Dancer (George C. Scott), um advogado presunçoso da cidade grande. O embate entre Biegler e Dancer é dinâmico e empolgante, especialmente no testemunho final, que tem um encerramento impressionante. Digno de nota também é o fato de o diretor nunca mostrar os crimes mencionados o tempo todo no filme; dessa forma, o espectador é colocado como um jurado, que decidirá juntamente com o júri em cena se Manion é culpado ou inocente.

Vale a pena saber também que o ator que faz o papel do juiz, foi de verdade um gigante dos tribunais reais: trata-se de Joseph Welch, o procurador responsável por acabar com a carreira do infame senador Joseph McCarthy.

Apesar das 2 horas e 40 minutos, Anatomia de um Crime não deixa o ritmo cair, fazendo com que o espectador desfrute de cada momento do julgamento, sem jamais prever o resultado final até o último depoimento. Veja e confira.

Querido John

2011-05-01T01:41:00.000-03:00

Ok, ok. Eu admito, Querido John é totalmente chick flick (quer saber o que é isso? Clique aqui). Mas não pude deixar de emocionar com um filme sincero e nada apelativo. Na verdade, muito mais do que um veículo para tornar Channing Tatum (GI Joe - A Origem de Cobra, Ela Dança Eu Danço), um astro, o filme de Lasse Hallström (Regras da Vida, Chocolate e Sempre ao Seu Lado) mostra como muitos americanos tiveram suas vidas transformadas depois dos ataques às Torres Gêmeas em 11 de setembro de 2001.

John é um soldado em licença em uma cidade litorânea, que conhece Savannah (Amanda Seyfried), jovem bela e encantadora. Os dois passam duas semanas de primavera em completa paixão, até a partida de John de volta ao serviço militar. Savannah conhece também o pai de John, um homem calado e colecionador assíduo de moedas raras. Ele tem autismo, mas John nunca soube identificar o problema; simplesmente se afastou do pai. Nas entrelinhas de Querido John, a trama mais importante no filme não é o amor desenvolvido entre John e Savannah e que se mantém vivo graças às cartas que os dois trocam quando ele está no exército; o principal neste belo drama é como a jovem de família conservadora - e amorosa - ajuda a resgatar o amor que John tem por seu pai.

Sem jamais forçar o espectador, este é um filme que leva o público às lágrimas, mas o que se vê em cena são emoções genuínas, mérito do diretor, conhecido realizador de filmes emocionantes - basta lembrar das lágrimas derramadas por Sempre ao Seu Lado - e do elenco: Channing Tatum está realmente convincente como o atormentado jovem que vê no exército uma espécie de segunda chance, e Amanda Seyfried (Mamma Mia!, A Garota da Capa Vermelha e Cartas Para Julieta), que expressa muito mais com os olhos do que qualquer outra atriz de sua geração. Vale destacar o competente Richard Jenkins (O Visitante), como o pai autista de John e Henry Thomas (sim, o menininho de E.T. - O Extraterrestre), em um papel fundamental na trama - se eu contar demais estrago o prazer de ver o filme.

É chick flick? Acho que sim, mas ainda assim Querido John não deixa de ser um drama romântico e emocionante. Afinal, o que esperar de uma adaptação de um dos romances de Nicholas Spark?

Uma Breve História do Design de Créditos

2011-04-30T21:25:00.000-03:00

A Brief History of Title Design from Ian Albinson on Vimeo.

Encontrei este vídeo muito interessante misturando alguns dos melhores designs de créditos de abertura de filmes. Entre eles, Intriga Internacional (North by Northwest), Prenda-me se for capaz, Se7en, Anatomia de Um Crime e outros mais. Confira, o trabalho ficou muito interessante.

The Killing

2011-04-28T20:13:00.001-03:00

Quem matou Rosie Larsen?

Série policial foge de esterótipos e conquista o espectador

The Killing, nova série do canal americano AMC, relata a investigação do assassinato de uma adolescente, Rosie Larsen. Desenvolvida por Veena Sud (Cold Case), a série é um remake de um seriado dinamarquês de grande sucesso, Forbrydelsen. Ambientada em Seattle, Washington, The Killing não é um drama policial comum na atual produção televisiva americana; no lugar de apresentar um caso diferente toda semana e acompanhar seu desenvolvimento até a solução, o programa se concentra em um único caso, aparentemente banal: a morte de Rosie Larsen. A partir daí, o espectador acompanha três histórias, todas ligadas por este acontecimento: a vida dos pais da menina depois de sua morte, os bastidores da campanha de um vereador da cidade para se eleger prefeito (um dos carros de sua equipe foi jogado em um rio com Rosie no porta-malas), e o trabalho de dois detetives para desvendar o crime.

Cada episódio se passa durante um dia de investigação, e pouco a pouco somos levados a juntar as pistas, que de maneira realista e completamente verossímil, vão surgindo em cena. Em The Killing não há soluções pseudocientíficas jogadas no colo do público com diálogos supervelozes explicando a lógica de cada artifício. Os personagens parecem reais, os policiais usam a intuição, além de todo o aparato investigativo. Não se ouve diálogos apressados; cada fala surge no momento certo, o que faz de cada episódio hipnótico.

A chuva é algo constante em The Killing. Chove praticamente o tempo todo, fazendo com que a cidade de Seattle pareça ainda mais sombria e sinistra, quase o lugar perfeito para se cometer um crime - e se investigá-lo.

Mais uma vez o canal AMC entrega uma produção caprichada e quem tem todos os ingredientes para se tornar outro sucesso. Depois de Mad Men e The Walking Dead, The Killing prova que boas histórias são o ingrediente perfeito (e primordial) para se realizar séries relevantes, interessantes e o melhor de tudo: viciantes.

Em tempo: até o momento nenhum canal pago brasileiro anunciou a exibição de The Killing. Vamos aguardar novidades.

Cinema Paradiso (da Série 1001 Filmes)

2011-04-27T21:16:00.001-03:00

Um filme que aquece o coração. É assim que eu descreveria Cinema Paradiso (Nuovo Cinema Paradiso, Itália, 1988), um dos mais belos filmes de todos os tempos. O tempo passa, inúmeras produções são lançadas todas as semanas, mas ainda uma sessão desta obra-prima de Giuseppe Tornatore é capaz de trazer lágrimas aos olhos dos mais desalmados espectadores.

O filme conta a história de Salvatore "Totó" Di Vita, um cineasta famoso em Roma que recebe a notícia da morte de um certo Alfredo. Totó então se lembra de sua infância em um vilarejo siciliano, de sua amizade com o projetista do cinema local, o Paradiso, cujo nome era Alfredo. A história acompanha vários anos da vida de Totó: a infância como um menino apaixonado pelo cinema, pela arte da projeção; a adolescência de um Totó que descobre o amor, ainda que proibido; a vida adulta, como um homem que mesmo bem-sucedido, descobre-se com saudades de um tempo mais puro.
Cinema Paradiso é uma verdadeira homenagem a uma época que não volta mais, quando o cinema era a diversão favorita dos moradores de vilarejos e cidadezinhas. O filme é uma sucessão de personagens adoráveis, que tornam a experiência de vê-lo inesquecível. O padre que assiste os filmes antes de todos e exige que Alfredo corte todas as cenas de beijo; o casal que se forma durante as sessões; o homem que só vai ao cinema para dormir; o morador da vila que ganha na loteria e compra o Paradiso. Todos figuras fantásticas, que conduzem o espectador em uma jornada de nostalgia e emoção.
Como se tudo isso não bastasse, Giuseppe Tornatore encerra seu clássico moderno com uma das cenas mais emocionantes de toda a história (assista e diga se não é verdade), sempre ao som de uma trilha sonora mágica composta pelo mestre Ennio Morricone - o tema de amor entre Totó e Elena está entre os mais belos de todos os tempos (ouça o tema AQUI).
Por tudo isso, Cinema Paradiso merece ser visto e revisto, e é digno de todos os prêmios que recebeu pelo mundo, sendo premiado também com o Oscar de Filme Estrangeiro. Nada mais justo.

Game of Thrones Ep. 02 - The King's Road

2011-04-26T00:42:00.000-03:00

Bran encontra-se em coma, surpreendendo os Lannisters, que o queriam morto. Enquanto isso, Daenaerys Targaryen quer aprender como agradar seu esposo. Em Winterfell, os lobos gigantes adotados pelas crianças Stark, mostram toda sua lealdade para com seus mestres e isso poderá custar um alto preço. Snow chega à Muralha com seu tio, para se juntar à Patrulha da Noite.

Episódio muito bom, com um final que deixa mais uma vez um gancho interessante para o próximo. Pena que ainda vai levar uma semana até assisti-lo. Série excelente, vale a pena conferir.

Clique AQUI para download do torrent e da legenda do 2º episódio.

Game of Thrones

2011-04-20T21:36:00.002-03:00

Série épica da HBO é herdeira digna de O Senhor dos Anéis

A série mais aguardada deste primeiro semestre de 2011, Game of Thrones estreou no último domingo nos EUA sendo aclamada pela imprensa em sua maioria. Uma superprodução até para um canal que preza a qualidade como a HBO, a série que adapta os livros de George R. R. Martin promete preencher o espaço deixado vazio no coração dos fãs de fantasia quando os créditos finais de O Senhor dos Anéis - O Retorno do Rei subiram em salas de cinema no mundo todo. Com o primeiro episódio já exibido, posso dizer que a promessa está sendo cumprida.

Com um prólogo assustador, o primeiro episódio, "Winter is coming" (O inverno está chegando), introduz o mundo de Westeros, terra fantástica dividida em sete reinos, cuja capital é Porto do Rei. Somos apresentados ao reino de Winterfell, dominado pelo clã dos Stark. Seu chefe, Eddard Stark (Sean Bean, mostrando que tem vocação para épicos - lembram de A Sociedade do Anel?), é um líder amado pelo povo e admirado por sua família. Ele recebe a visita do rei dos sete reinos, que lhe convida para ser a Mão do Rei, uma espécie de protetor do rei e de sua família, o que é uma grande honra.

Este é apenas o começo da série, que narrará a disputa pela posse do Trono de Ferro. Há grande espaço para traições, incesto, selvagens misteriosos e todo um mundo novo de fantasia para explorar. Mas não espere seres fantásticos, ou dragões (ao menos não por enquanto); Game of Thrones é calcada em bastante realismo, o que aproxima a série muito mais de programas como The Tudors e Os Pilares da Terra do que da obra máxima de Tolkien.

Apesar de todo o hype, Game of Thrones estreou com uma audiência baixa para o que o canal esperava. Mesmo assim, a HBO já assegurou a produção de uma segunda temporada, que adaptará o segundo livro de George R. R. Martin.

Mas o prognóstico para o andamento do programa é o melhor possível, já que logo na estreia o espectador pode constatar a qualidade de cenários, efeitos especiais, e principalmente das atuações, que estão à altura do que se espera de uma produção assim.

Game of Thrones estreia na HBO brasileira em 8 de maio, às 21:00.

Quer assistir também? Então faça o DOWNLOAD aqui do 1º episódio e das legendas.

Procure novos episódios toda semana aqui, no LENDO, VENDO, ESCREVENDO.

Ótimos Filmes Fora de Hollywood

2011-04-15T14:03:00.000-03:00

Indicados ao Oscar de Melhor Filme Estrangeiro, Incêndios e Em Um Mundo Melhor (este sendo o vencedor na categoria) são obras cinematográficas de altíssima qualidade, e com grande relevância na abordagem de temas dos tempos modernos. Vamos a eles:

Incêndios (Canadá, 2010) - O filme de Dennis Villeneuve conta a história de dois irmãos gêmeos canadenses, filhos de uma libanesa que ao morrer deixa um testamento que lhes confere uma missão: encontrar o pai que eles consideravam como morto, e seu irmão, este um completo desconhecido, cuja existência torna-se uma surpresa para eles. A partir da busca primeiro da irmã, Jeanne, e depois do relutante irmão Simon, o filme nos leva até o Líbano, onde muitos segredos serão revelados sobre o passado de sua família. Segredos que levam Incêndios a um dos finais mais surpreendentes e estarrecedores desde que Bruce Willis descobriu estar morto em O Sexto Sentido. Com uma narrativa contada em retalhos, o espectador é convidado a montar o quebra-cabeça do roteiro, que vai e vem no tempo sem comprometer a compreensão da trama e ao mesmo tempo sem subestimar a inteligência da audiência - com letreiros indicando local e data da cena, por exemplo. O trio de protagonistas está primoroso, com destaque para Lubna Azabal, no papel da mãe, Nawal Marwan; a atriz mostra-se brilhante como a mulher vítima de seu destino, que se mostra determinada a lutar pelo que é justo. Incêndios não levou o prêmio da Academia, mas mostrou-se um fortíssimo concorrente. Mas isso não diminui a importância do filme, que expõe temas relevantes para os tempos atuais: os costumes religiosos fundamentalistas, a violência sofrida pelas mulheres nos países muçulmanos e a luta pela liberdade em países assolados por governos autoritários.

Em Um Mundo Melhor (Dinamarca, 2010) - Dirigido por Susane Bier, o vencedor do Oscar deste ano na categoria Melhor Filme Estrangeiro é impactante e hipnótico. Começa mostrando o trabalho de um dos protagonistas, Anton, médico em algum país africano, atendendo pacientes em condições precárias, e tomando conhecimento de um chefe do crime que apavora mulheres grávidas da região e as abre para saber o sexo dos bebês. Ao deixar a clínica improvisada, Anton sempre tem seu caminhão acompanhado de várias crianças, sorrindo e gritando. O olhar do médico para essas crianças e a câmera de Susane Bier dá alguma esperança de que um mundo melhor é possível.
Corta para a Dinamarca, país de Anton, onde encontramos seu filho, Elias, que sofre de bullying na escola, sendo humilhado e apelidado. Sua vida começa a mudar quando ele conhece Christian, novato no colégio, que se tornará seu amigo. Mas esta será uma amizade que pode se tornar perigosa.
As vidas das famílias de Christian e Elias se cruzarão, e o fim desta história pode não ser tão esperançoso quanto sugere o título - inclusive o original, cuja tradução seria "Paraíso".
Um drama poderoso, Em Um Mundo Melhor mostra a estagnação com que algumas pessoas enfrentam seus problemas, e como outras pessoas mostram que violência só gera violência. Vale muito a pena assistir.

Clube dos Cinco (da série 1001 Filmes)

2011-04-04T19:06:00.000-03:00

Não houve diretor que melhor compreendesse a alma jovem do que John Hughes. Ele foi o diretor de verdadeiros "clássicos" da Sessão da Tarde, como A Garota de Rosa Shocking, Gatinhas e Gatões, Esqueceram de Mim e este Clube dos Cinco, o filme de toda uma geração.

A história se passa inteiramente em um único sábado, em uma high-school americana, para onde vão cinco adolescentes passar o dia em "detenção", uma espécie de castigo para alunos que aprontaram além da conta durante a semana. Cada um deles representa um estereótipo dos adolescentes retratados no cinema (e talvez mais reais do que imaginamos): Andrew (Emilio Estevez) é o atleta, Claire (Molly Ringwald) é a menina popular, rica, bonita e virgem, Brian (Anthony Michael Hall) é o nerd, estudioso e sempre tirando as melhores notas, Allison (Ally Sheedy) é a garota esquisita, considerada uma "freak", para citar uma gíria americana, e Bender (Judd Nelson) é o garoto rebelde, problemático, eternamente culpado por tudo de ruim que acontece na escola.

Durante todo o sábado eles terão que conviver uns com os outros, e descobrem muito mais do que estampam seus rótulos pré-estabelecidos. Na verdade, não passam de adolescentes como todos os outros, com problemas de aceitação, sofrendo pressão dos pais para obterem boas notas, serem atletas vencedores, ou simplesmente superarem o péssimo ambiente familiar que lhes é oferecido.

Clube dos Cinco (The Breakfast Club, EUA, 1985) marcou uma multidão de jovens que até hoje idolatram o filme como uma espécie de manifesto contra a falta de compreensão dos adultos, mas também estabeleceu padrões para futuros filmes que abordassem o tema da transição para a vida adulta. A genialidade de John Hughes está presente nos diálogos sensacionais e cheios de reflexão, mas também pode-se ver na maneira como ele conduz a história, que apesar de estar limitada a um único cenário, não perde em agilidade e interesse do público.

Trata-se de um filme inesquecível. Se serve como um exemplo disso, lembro-me de tê-lo visto em algum momento no começo dos anos 1990, no Corujão da Globo e nunca mais depois disso, até hoje, quando o filme foi exibido no canal pago Telecine Cult. As cenas do grupo de adolescentes problemáticos correndo pelos corredores da escola, os diálogos marcantes entre os cinco durante uma espécie de "jogo da verdade", tudo isso me marcou como adolescente na época e ainda marca.

Depois do sucesso

O elenco de Clube dos Cinco, pelo menos em sua maior parte, não foi muito visto no cinema depois da década de 1980. Dos cinco, apenas Anthony Michael Hall pôde ser visto em algumas séries de destaque, como em The Dead Zone (conhecida no Brasil como O Vidente). John Hughes dirigiu apenas oito longas, mas ele seguiu escrevendo roteiros para comédias como a série Esqueceram de Mim, Beethoven, Dennis - O Pimentinha e 101 Dálmatas.

Hughes faleceu em 2009, sem nunca receber um Oscar. Sua obra foi homenageada em 2010, na cerimônia de entrega do Oscar daquele ano. Mas prêmios à parte, Hughes permanece vivo, como o cineasta que mais entendia a mente e a alma dos jovens, sejam aqueles dos anos 1980, ou de qualquer outra década.

Harry Potter e as Relíquias da Morte Parte 1

2011-04-01T23:21:00.000-03:00

Sétimo filme baseado na série literária lida por milhões de leitores em todo o mundo, Harry Potter e as Relíquias da Morte Parte 1 (EUA, 2010) é o começo do ápice de uma história construída ao longo dos seis filmes anteriores, com o trio de protagonistas entrando na vida adulta e colocando em prática tudo o que aprenderam em seis anos estudando em Hogwarts. Se o sexto filme (Harry Potter e o Enigma do Príncipe) deixou a ação de lado para focar nos relacionamentos e confusões amorosas vividas pelos jovens protagonistas, nesta produção ação e aventura se misturam a cenas de suspense que não são recomendadas para crianças menores.

Em As Relíquias da Morte - dirigido mais uma vez por David Yates - Harry, Hemione e Ron passam a viver escondendo-se dos espiões de Voldemort, que assumiu o controle do Ministério da Magia e declarou-os fora-da-lei. Desta vez não há aulas em Hogwarts, nem alívios cômicos em excesso. O tom sombrio permeia as mais de duas horas de projeção. Os três amigos têm conhecimento da existência das Horcruxes, sete objetos mágicos que contêm a alma de Voldemort, cuja destruição significará a destruição do próprio Mestre das Trevas. Assim, eles saem em busca das Horcruxes, tendo em seu encalço capangas da família Malfoy e os temidos comensais da morte. Mas os heróis descobrirão a existência de três objetos ainda mais poderosos e perigosos, as relíquias da morte, cujo possuidor terá poder sobre a própria morte.

Apesar de ter muita ação do começo ao fim (combates aéreos, lutas com serpentes, e a briga do clímax), o filme ainda usa cenas que mostram o crescimento de Harry, Hermione e Ron, e a consolidação de sua amizade. David Yates mais uma vez prova seu talento em dirigir atores e extrair atuações excelentes de seu elenco. Daniel Radcliffe, Emma Watson e Rupert Grint mostram o quanto evoluíram como atores, entregando performances coerentes e sem exageros.

No fim das contas, o saldo é extremamente positivo. Dividir o último livro da série de J. K. Rowling em dois filmes pode ter sido uma tentativa do estúdio de capitalizar ainda mais em cima desta, que é a série mais lucrativa da Warner Bros.; fora essa jogada capitalista, tal ideia provou-se ideal para encerrar em mais detalhes uma história que tem cativado multidões de crianças, jovens e adultos desde 2001. E que venha a parte 2!

As Crônicas de Nárnia: A Viagem do Peregrino da Alvorada

2011-03-29T21:40:00.001-03:00

Como apaixonado pela obra de C. S. Lewis, tenho que dizer que amo os filmes da série As Crônicas de Nárnia, especialmente o primeiro, O Leão, a Feiticeira e o Guarda-Roupa (2005). Amo tanto que cheguei a escrever um ensaio onde falo da simbologia cristã contida no filme.

Bilheteria

Mas em Hollywood não importa o quanto o público ame uma série literária que virou franquia cinematográfica, se a bilheteria não render o esperado. E foi exatamente isso o que aconteceu com As Crônicas de Nárnia. Depois que o primeiro filme foi um sucesso arrebatador, arrecadando mais de 600 milhões de dólares mundialmente, era natural que um segundo filme viesse logo. Ele veio. Mas infelizmente Príncipe Caspian (2008) não se igualou em vendas de ingressos ao seu antecessor (fazendo "apenas" cerca de 400 milhões em todo o mundo, vejam só), e a Disney logo anunciou que não faria um terceiro filme. Mas ainda havia esperança, e a Fox Film decidiu arriscar e anunciou a produção de A Viagem do Peregrino da Alvorada, adaptação do terceiro livro (de sete) da série escrito por Lewis. Dezembro de 2010, e o filme é lançado. Tendo custado 150 milhões de dólares, Peregrino empacou nos 100 milhões de bilheteria americana e, mesmo ainda em cartaz nos EUA, as negociações para um quarto filme estão em andamento, com o estúdio tendo muita cautela.

Falando do Filme

Comentários econômicos à parte, é preciso elogiar o diretor Michael Apted e os roteiristas Christopher Markus, Stephen McFeely e Michael Petroni, por não cederem a saídas fáceis comuns em quase todo filme de fantasia épica, como a inclusão de cenas de batalha campal (como aconteceu em Príncipe Caspian). Ao invés disso, Peregrino é um típico filme de aventura marítima, quase mimetizando a Odisseia de Homero, com os heróis Lúcia (Georgie Henley), Edmundo (Skandar Keynes) e Caspian (Ben Barnes) singrando os mares de Nárnia em busca dos sete lordes de Telmar, que misteriosamente desapareceram sem dar explicações. Os irmãos Pevensie, juntamente com seu primo irritante Eustáquio (Will Poulter, de O Filho de Rambow, em atuação excelente) deparam-se com criaturas mágicas, ilhas misteriosas, sereias transparentes, dragões e anões de um pé só, até alcançarem os confins do mundo de Nárnia.

Utilizando de efeitos especiais muito bonitos e uma fotografia deslumbrante, Peregrino retoma o sentimento de novidade do primeiro filme, com os Pevensie descobrindo lugares inteiramente novos e vivendo experiências que servirão para seu amadurecimento, enquanto Caspian descobrirá que sua posição como rei traz muito mais responsabilidades do que pensava.

Há momentos sublimes, como o diálogo final entre Aslam e Lúcia, no qual ele revela quem realmente é em nosso mundo. As cenas de ação também são empolgantes e prendem a atenção do público, especialmente a luta do clímax, contra uma serpente marítima diferente de qualquer criatura mítica mostrada no cinema.

Mas o que mais chama a atenção em Peregrino é a jornada de transição da infância para a vida adulta, experimentada pelos irmãos Pevensie e por Eustáquio. Ao mostrar as dúvidas existentes nos corações dos protagonistas e como eles as superam, os roteiristas criaram uma história que se conecta com seu público-alvo, habitantes desta terra mágica (e traiçoeira) chamada Vida.

[atualizando] Acabo de ler que Peregrino rendeu 400 milhões mundialmente, o que fez com que a produtora Walden Media, responsável pelos filmes, anunciasse a produção do quarto filme, O Sobrinho do Mago, que na verdade é o sexto livro da série, mas funciona como uma prequel, contando a história da criação de Nárnia e mostrando como surgiu o guarda-roupa do primeiro filme. O Sobrinho do Mago é o segundo livro mais vendido da série, o que justifica a produção deste filme no lugar de A Cadeira de Prata, que segue a cronologia normal dos livros. [atualizado às 21:53 de 29 de março de 2011]